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Zach Abels de The Neighbourhood: “Nuestro amor por la música fue la chispa que encendió todo”

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Ya se acerca la octava versión de Lollapalooza Chile, donde, entre toda la variada selección de bandas, se encuentran los californianos de The Neighbourhood, quienes concretarán su esperado debut en nuestro país. Con dos álbumes de estudio a cuestas y una carrera que despegó apenas hace cinco años, The Neighbourhood se enfocó en desarrollar una serie de estilos para fundirlos en su música. Con muchas actividades en su agenda, la banda regresó con nueva música y muchas presentaciones, que los tendrán involucrados en muchos festivales durante este año. Conversamos con su guitarrista, Zach Abels, quien se hizo un breve espacio para atendernos al teléfono y responder algunas preguntas.

Zach, quiero comenzar hablando del presente de la banda, tienen un montón de shows este año, sobre todo en festivales. ¿Qué tal va este regreso a los escenarios?

Todo va muy bien, estamos muy contentos con todo lo que haremos. Tendremos un tour por Estados Unidos, además de los festivales que me mencionas. También está nuestro viaje a Sudamérica, que es un logro para nosotros y estamos muy ansiosos por concretarlo.

También regresarán a Coachella, un lugar muy importante para ustedes, ya que debutaron ahí cuando recién comenzaban.

Coachella siempre fue especial para nosotros. Con los chicos crecimos juntos y recuerdo que durante un Coachella al que asistimos la pasamos muy bien viendo a las bandas y cómo el público disfrutaba viéndolas. Quedamos tan encendidos, que nos prometimos tocar allí algún día. Estábamos comenzando como banda, nuestro amor por la música fue la chispa que encendió todo. Fue muy bonito tocar ahí en 2013, pero esta segunda vez siento que será incluso más especial, sobre todo porque Coachella es un festival californiano, que es de donde venimos.

Pasemos a los dos álbumes de The Neighbourhood: “I Love You.” (2013) y “Wiped Out!” (2015). ¿Cuál crees que es la principal diferencia entre ellos?

Creo que con “Wiped Out!” estábamos más enfocados en ser una banda en esos momentos, le dimos mucha importancia a las canciones, su estructura y todos los detalles. El primer álbum fue nuestra primera experiencia de vida en el estudio, por lo que fue un proceso que involucró confidencia y atención a todo lo que ocurría. Diría que la principal diferencia es que el segundo disco fue más ambicioso, mientras que el primero fue más de aprendizaje.

¿Fue más fácil para ustedes hacer “Wiped Out!” en comparación con el primer álbum?

Bueno, la primera vez estábamos preocupados de cómo aprender a hacer el álbum, saber todo lo que conlleva. Con el segundo fue un trabajo de dos años, donde adquirimos mucha experiencia girando antes de entrar al estudio. Como que ahí recién nos dimos cuenta de que podíamos hacerlo, estábamos preocupados de no poder replicar la experiencia, eso hubiese sido embarazoso.

¿Siempre es un trabajo colaborativo entre ustedes? ¿Cómo enfrentan el proceso creativo?

Si, básicamente la inspiración está en todos lados. A veces estamos todos enfocados en desarrollar una canción, pero también hay ocasiones en que uno tiene una idea y va guiando al resto a través de ella.

El año pasado lanzaron el EP “Hard” (2017) y desde el viernes pasado está disponible el EP “To Imagine” (2018). ¿Estos son adelantos de un álbum completo o sólo pretenden seguir con el lanzamiento de EPs por separado?

Llevamos trabajando en el estudio casi un año, hemos compuesto un montón de música. Los EPs son como una parte de todo lo que hemos hecho ahí, queremos que la gente se enfoque más en la música que en el concepto del álbum como un todo. Definitivamente habrá un álbum, tenemos mucha música para lanzar.

Zach, me llama la atención el hecho de que la banda tiene una imagen muy basada en el blanco y negro, colores que son utilizados para todo, desde las portadas, las fotografías, y otros elementos. ¿Cuál fue la intención artística detrás de esto?

Eso lo hicimos para dar un contexto más oscuro y melancólico. Aquello finalmente involucra la música y nuestro sonido, que lo miramos como si fuera en blanco y negro también.

Tanto la banda como todos sus integrantes son muy activos en redes sociales, principalmente en Twitter o Instagram. ¿Cuán importantes son estas vías de comunicación para ustedes?

Es muy importante, es cómo te conectas con los fans en estos días y también es cómo llegas a la gente. Por ejemplo, nunca hemos estado en Brasil ni en Sudamérica en la vida, y aun así hay mucha gente que nos está esperando para vernos allá. Creo que eso es lo verdaderamente importante de las redes sociales.

The Neighbourhood ha logrado muchos reconocimientos en un corto período de tiempo, ya que aún son una banda joven. ¿Qué piensas de tu carrera hasta ahora?

Estamos muy agradecidos, hemos tenido mucho éxito en estos pocos años. También agradezco todo el amor de los fans. Vienen muchas cosas en el futuro

El show en Lollapalooza Chile será la primera vez de la banda en Santiago, así como en Sudamérica. ¿Qué esperas del público latino? Estuvieron en México el año pasado, por lo que imagino debes estar al tanto de lo apasionados que somos por acá.

(Risas) Oh, sí. No me gusta ir a un lugar con expectativas, porque eso arruina la experiencia. Solamente iremos concentrados en lo nuestro, dándolo todo y esperando lo mejor para que nuestro público lo pase muy bien. En diciembre fuimos a México y fue una locura (risas), el país era increíble, la gente también, lo pasamos muy bien y espero que tengamos buenos recuerdos de allá también.

¿Pretendes ver alguna banda en el festival?

¡Por supuesto! Tengo muchas ganas de ver a Liam Gallagher, también a Mac DeMarco. Tenemos muchas ganas de disfrutar un poco de quienes están en el cartel.

Bien, Zach, se nos acaba el tiempo. Para terminar, ¿te gustaría decirle algo a tus fans aquí en Santiago?

Muchas gracias por todo, estamos muy contentos por finalmente tocar allá. Ojalá no sea la única vez, esperamos poder hacer otro tour con shows independientes y tocar nuevamente en el futuro. ¡Nos vemos en marzo!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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