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Tres obras esenciales de Jean-Michel Jarre

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El próximo martes 14 de noviembre en Movistar Arena viviremos el histórico debut del francés Jean-Michel Jarre en Chile, una de las eminencias de la música electrónica a nivel mundial, dueño de un legado imprescindible, que por fin, después de décadas de espera, podrá mostrar en vivo en un escenario nacional. “Electronica Tour 2017” se llama la gira que viene promocionando Jarre alrededor del mundo, cuyo repertorio pone énfasis en los dos discos que lanzó el año 2016, “Electronica 1: The Time Machine” y “Electronica 2: The Heart Of Noise”, pero que no deja de lado las composiciones que hicieron de su nombre sinónimo de revolución a fines de los años setenta y principios de los ochenta, época en que Jarre dio a luz sus obras esenciales, las que revisaremos a continuación.

Oxygène (1976)

El disco más popular de Jarre, también es el que siempre se lleva los mayores elogios. Dividido en seis partes, “Oxygène” es la placa más oreja del músico, gracias a una serie de melodías brillantes que, a día de hoy, se han transformado en himnos de la música popular, siendo “Oxygène (Part IV)” el corte más memorable de todos.

A pesar de haber sido vapuleado en su lanzamiento por la crítica especializada, que durante ese período estaba más orientada hacia los nuevos sonidos que ofrecía el punk, “Oxygène” trascendió en el tiempo gracias a su capacidad de crear una atmósfera espacial inigualable, en una odisea sonora que estableció al francés como un virtuoso del estilo con la capacidad de conquistar los oídos de un público masivo. Además de ser un gran álbum, el tercer disco de Jean-Michel Jarre funciona como una completa introducción a la electrónica cósmica y con gran sentido de la atmósfera.

Les Chants Magnétiques (1981)

Llegó por estos lados con el nombre traducido al inglés, “Magnetic Fields”, y es el quinto lanzamiento de estudio del músico que, para la víspera del año 2000, congregó a más de 120.000 personas para un concierto suyo en las pirámides de Giza en Egipto. “Les Chants Magnétiques” rompió los esquemas en la forma de componer del músico, dejando de lado los sintetizadores análogos para explotar al máximo los instrumentos digitales.

Jarre se transformó en uno de los pioneros en el uso del “sampling”, complementando su música con sonidos de metales chocando entre sí, de marchas de maquinaria pesada y sonidos de la naturaleza. Durante los cinco tracks que componen este LP nos encontramos con un músico mucho más abierto a la experimentación y a la exploración sonora, sin perder la esencia que lo hizo popular durante sus primeros años de carrera.

Zoolook (1984)

Totalmente inmerso en el mundo de los instrumentos digitales, “Zoolook” es otro paso adelante en la evolución musical de Jean-Michel Jarre. En su séptimo larga duración, el hombre nacido en Lyon volvió a romper los esquemas manipulando con su tecnología voces humanas e incorporándolas a su música. Destacan en el repertorio temas como “Zoolookologie”, cuya vibra dance dejaba ver el lado más pop de Jarre, faceta que continuaría explorando en futuros lanzamientos. A pesar de ser uno de sus álbumes menos exitosos comercialmente hasta la fecha, “Zoolook” marca el punto de inflexión entre el Jarre más experimental y osado musicalmente, y el que busca llegar a oídos más masivos.

En el tintero se nos quedan placas igual de destacables, como “Équinoxe” (1978) o “Musique Pour Supermarché” (1983), e incluso algunos que lanzó durante la década de los noventa, como “Chronologie” (1993), y posterior –aunque muchos concuerdan que en ese punto ya entró en un declive creativo–. Los tres álbumes brevemente presentados en esta lista son la base para poder comprender el cósmico universo musical de Jean-Michel Jarre, uno que podremos conocer en plenitud el próximo 14 de noviembre, cuando el legendario músico francés realicé su ansiado primer show en la capital.



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3 Comentarios

3 Comments

  1. Dan Bane

    09-Nov-2017 en 10:48 pm

    Gracias por escribir sobre Jarre.
    Pero es una de las peores notas que el leído sobre él.
    Oxygene (1976) no es el tercer disco… fue el primero INTEGRAMENTE DE ESTUDIO. Los 2 anteriores eran música incidental de Peliculas y no tienen sentido como albumos conceptuales. TAMPOCO ES EL MAS OREJA…
    Equinoxe, Oxygene 7-13 (1995), Revolutions…. son mucho mas FACILMENTE ESCUCHABLES (y GENIALES!) que el de 1976. No solo tienen un mayor porcentaje de temas lindos y recordables… sino que además son Conceptuales al mango y un sonido único y diferente.

    Puede entender que el cronista NO PUEDA saber todos los discos de todos los artistas del mundo…. pero Oxygene es un gran disco porque cambió la forma de usar la Electrónica en la música…. pero DE NINGUNA MANERA porque sea el mejor de JMJ.
    Un abrazo.

    • Claudio Tapia

      11-Nov-2017 en 2:07 pm

      Puedes entregar cualquier argumento, pero oficialmente Oxygène es el tercer disco de Jarre

  2. Dan Bane

    09-Nov-2017 en 11:12 pm

    Ah me olvidaba… “Musique Pour Supermarché” (1983) no existe como disco. Solo se imprimió un solo LP y se subastó. Con eso Jarre entró al Guiness de los Records como el disco con MENOR CANTIDAD DE COPIAS. Un juego…. Solo se puede escuchar en Mono, ni siquiera Stero.

    Pero si Chronologie…. gran disco.
    //

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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