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Tobin Esperance de Papa Roach: “Esta vez no nos perderemos por nada del mundo el show en Chile”

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En la antesala de un debut que se ha hecho esperar más de la cuenta en nuestro país, pero que por fin se concretará el próximo sábado 10 de diciembre en las dependencias del Teatro Cariola, Tobin Esperance, bajista de Papa Roach, se tomó unos minutos de su tiempo para contarnos lo que tienen preparado para su primer concierto en la capital, además de adelantar detalles del nuevo álbum de estudio que están preparando, e incluso hablar de política, a propósito de la reciente elección de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos de América.

¿Cómo estás, Tobin? ¿Cómo han ido los shows de la gira hasta ahora?

He estado genial. Todo ha salido muy bien y hemos estado trabajando duro en el nuevo disco, que saldrá el próximo año. Hace unos días lanzamos un adelanto, “Crooked Teeth”, el que ha tenido una gran acogida por parte de los fanáticos. Por lo demás, nos tiene muy emocionados de poder realizar un tour íntegro por Sudamérica, porque, si no me equivoco, la última vez que estuvimos por allá fue en 2005.

Y por fin vienen a Chile. ¿Por qué les tomó tanto tiempo, teniendo en cuenta que por acá tiene una gran fanaticada?

Sí, definitivamente es algo que se ha hecho esperar. Estamos al tanto de que tenemos muchos fanáticos que están ansiosos por vernos en Sudamérica, sobre todo en Chile. Hace unos años teníamos preparada una gira por su continente, pero lamentablemente Jacoby tuvo que entrar de urgencia a cirugía porque había perdido su voz. Sus cuerdas vocales estaban en malas condiciones y como banda tuvimos que cancelar muchas fechas, y una de las bajas que más nos dolió fue la del tour por Sudamérica. Es por eso que, para esta ocasión, tenemos puesto todo el entusiasmo y las ganas para llevarles nuestro show de una vez por todas.

Sí, recuerdo que la cancelación fue el año 2013, y dejó a muchos muy decepcionados. ¿Y cómo salió la cirugía de Jacoby? ¿Se resolvió todo o han quedado algunas secuelas?

Está excelente y sonando mejor que nunca. Llegó un momento en nuestras carreras en que estábamos haciendo muchos conciertos, recién salidos del estudio, y todo el ajetreo y el estrés le pasaron la cuenta a Jacoby. Creo que era algo que se venía acumulando desde hace mucho tiempo y finalmente explotó. Ahora él tiene una forma totalmente distinta de trabajar: calienta antes de salir al escenario, realiza ejercicios vocales para tener una mejor performance, y también hicimos algunos ajustes en ciertas canciones para que pudieran acomodarse a su voz. Ahora vamos de gira, pero no nos sobre exigimos. Entendemos que él es el vocalista y que su voz es su herramienta de trabajo y una parte esencial del sonido de la banda, por lo que nos preocupamos que se mantenga en buen estado antes que cualquier otra cosa.

Este año ha estado especialmente marcado por las reuniones y regresos discográficos de bandas legendarias. Tomando como ejemplo a dos de sus contemporáneos, Korn acaba de lanzar un álbum que parece haber reconquistado a sus fanáticos, y System Of A Down anunció que están trabajando en material inédito después de años de silencio. Sé que ustedes se han mantenido activos desde su época de oro, pero no me deja de parecer interesante esta especie de “resurgimiento” del nü metal. ¿Qué piensas de este panorama, como miembro de una de las bandas más importantes del estilo?

Me parece genial que muchas bandas hayan podido superar la barrera del tiempo y hayan podido lograr longevidad, además de una gran cantidad de fanáticos. Nosotros hemos sido una de las pocas bandas que constantemente saca nueva música y que siempre está tocando. El poder llevarnos bien como grupo y realizar esta cantidad de trabajo por todos estos años, es algo que no todas las bandas pueden contar. Es difícil llevar más de veinte años en esto y aún tener ganas para seguir haciéndolo, por eso es que me parece fantástico que una banda como Korn siga adelante, y otra como System Of A Down anuncie su retorno. Otros grupos como Disturbed o Slipknot, que empezaron en la misma época que nosotros, todavía siguen adelante y tiene un gran apoyo de sus seguidores. Eso es genial.

Obviamente, gran parte del apoyo que han tenido durante los años viene de parte de sus fans más acérrimos, pero ¿qué pasa con los nuevos fanáticos de Papa Roach? ¿Han podido conectar con las audiencias más jóvenes?

Sí, tenemos una gran fanaticada y hemos podido enganchar con muchos seguidores jóvenes. Lo más interesante es que son de una gran diversidad, porque ya no sólo tocamos para una audiencia “tradicional”, sino que podemos presentarnos en un festival de metal, en otros que tienen una tendencia más alternativa, e incluso en festivales de hip hop. Durante nuestros veinte años de trayectoria hemos podido compartir escenario con nombres como Eminen o Motley Crüe, lo que ha hecho que nuestro rango de fanáticos sea bastante amplio y podamos conectar no sólo con gente joven, sino que también con aquellos que no están acostumbrados a escuchar bandas de nuestro estilo.

Uno de los movimientos que realizaron para poner su música al tanto de lo que se está haciendo hoy en día, fue agregar sintetizadores electrónicos, tipo dubstep, en algunas canciones del disco “The Connection” (2012), algo que también han replicado en su más reciente placa hasta la fecha, “F.E.A.R.” (2015). Al igual como ocurrió con Korn y sus colaboraciones con Skrillex, ustedes recibieron críticas de un gran número de fanáticos “vieja escuela”, quienes vieron en esta nueva dirección musical una mera estrategia comercial para atraer a los millenials. ¿Qué opinas al respecto?

Bueno, para empezar, todos los discos de la banda son distintos entre sí y nunca pondríamos algo en ellos que no nos guste. Siempre estamos tratando de experimentar y divertirnos cuando componemos música, eso es todo lo que nos importa. Todos los demás pueden tener su opinión con respecto a nuestro trabajo, pero a fin de cuentas lo que decidimos nosotros es lo único que importa. Nuestro último disco es muy distinto a “The Connection”; y el que lanzaremos el próximo año será distinto a todos los otros. Esa es la forma en que hacemos música, esa es la forma en que nos divertimos, y sólo es nos interesa. No nos preocupan ni la moda ni cualquier otro elemento externo a lo que hacemos. Sólo queremos divertirnos creando música.

Han colaborado con algunas bandas jóvenes, como In This Moment o Memphis May Fire. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos y cuál ha sido la influencia que su música ha jugado en estas agrupaciones?

Es genial. Nos pasa con muchas de esas bandas, que somos fanáticos mutuamente. Cuando nos conocemos es como: “oigan, nos encanta lo que hacen”, y ellos nos responden: “nosotros crecimos escuchándolos a ustedes”. Algunos de ellos incluso aprendieron a tocar sus instrumentos con nuestras canciones. Ver la influencia que Papa Roach ha tenido en estas nuevas bandas es algo fabuloso.

Su último disco lleva por nombre “F.E.A.R.”, una palabra que mucha gente ha estado usando durante estos últimos días en Estados Unidos a raíz de la elección de Donald Trump como presidente de su país. ¿Qué opinión tienes al respecto?

Es como una de esas cosas donde sólo hay que tener fe en que la gente a cargo se va a reunir y va a tratar de hacer lo correcto por el país. No tengo control sobre eso, y lo que me he estado planteando durante estos días, más allá de la postura política, es tratar de hacer lo mejor para mi familia, proveer para ellos y pensar en qué puedo hacer yo para afectar a la gente de forma positiva. Eso es todo lo que puedo decir.

Volviendo a su debut en nuestro país, sé que están todavía con la promoción de “F.E.A.R.”, pero quería saber si podremos escuchar todos los clásicos que hemos esperado escuchar en vivo desde hace mucho tiempo.

Sí, definitivamente. De hecho, tocaremos algo de cada uno de los álbumes que hemos lanzado. Será una mezcla de lo mejor de nuestro primer disco, sumado a todo lo que vino después, hasta llegar al último álbum. Y quién sabe, en una de esas también dejamos caer una que otra sorpresa.

Perfecto. Por último, ¿podrías enviar un mensaje a todos los fanáticos que esperan ver en vivo a Papa Roach el próximo 10 de diciembre?

Por supuesto. A todos los fanáticos chilenos queremos decirles que estamos muy emocionados de ir a tocar para ustedes y no podemos esperar a conocerlos. Sé que ha sido una espera larga, pero por fin vamos a ir para allá. Les prometo que estaremos ahí y no nos lo perderemos por nada del mundo. Vamos a romperla, porque sabemos que nuestros fanáticos en Sudamérica tienen una pasión gigante, más que la de cualquier otro fanático alrededor del mundo. Es cosa de ver los mensajes que nos dejan en redes sociales, el cariño y el apoyo que nos brindan, por lo que estamos muy felices de ir a entregarles uno de nuestros shows en vivo.

Por Sebastián Zumelzu

Foto por D. Lakin Basses

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Jason Pierce de Spiritualized: “Uno hace arte en un contexto donde nada es para siempre”

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Los últimos meses han sido extensamente ocupados para Jason Pierce, el hombre a cargo de Spiritualized y quien ha encontrado el vehículo perfecto para expresar ideas, sensaciones, conceptos y metáforas a través de su música, muchas veces catalogada como desestructurada, pero también efectista en su ejecución. Lejos de todas esas contradicciones, y en plena etapa de recuperación de su catálogo a través de la serie de reediciones bautizadas como “The Spaceman Reissue Program”, Pierce concreta un trabajo de años con el lanzamiento de “Everything Was Beautiful”, nuevo trabajo de estudio que fue publicado el pasado 22 de abril a través del sello Bella Union.

Trabajado casi a la par con “And Nothing Hurt” de 2018, en este disco el artista se aventura en un estrepitoso viaje de siete canciones grabadas con más de 30 músicos en once estudios diferentes. Por si eso fuera poco, el mismo Pierce se encarga de tocar 16 instrumentos distintos en esta producción. Todo esto es motivo suficiente para que el pasivo e intrigante artista se tomara unos minutos para conversar telefónicamente con nosotros, donde platicamos distintos tópicos, como el encierro de la pandemia, su metodología de trabajo, la creación y grabación de este nuevo disco, entre muchos otros detalles, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jason, primero quiero preguntarte como estás. La pandemia ha tenido un impacto en todo el mundo, ¿cómo has estado durante estos dos años?

Sí, ha sido loco, ¿cierto? Ha sido muy difícil para todos, y asumo que es algo todavía muy presente. No sé cómo será en tu país, pero pareciera que parte de la gente no está preocupada del bienestar de los otros, no entienden que hay gente trabajando muy duro para que no se pierdan más vidas, salvando vidas incluso cuando muchos no se lo toman en serio y ni siquiera consideran los peligros. Creo que eso ha sido lo más complicado, cualquier cosa que pase está ligada a la tristeza que generan estas personas que se comportan de manera muy egoísta.

Totalmente. Entiendo que, cuando comenzaron las cuarentenas, salías a caminar por las calles y verlas vacías te inspiró a hacer este nuevo disco. ¿Es correcto eso? ¿Qué nos puedes contar del proceso creativo de este álbum?

Sí, fue algo así. Es de esas cosas extrañas que pasan con la música, porque todos parecieran hacer la mejor música cuando se apartan del mundo, cuando el ambiente se calma. Cuando los artistas están en el estudio trabajan mejor tarde en la noche, cuando ya todos duermen, el mundo está en silencio y no hay una lógica con eso porque estás en una habitación con aislación, por ende, no se escucha nada y el mundo siempre estará en silencio, pero sin duda que es algo que se siente cuando el mundo verdaderamente está en silencio afuera. Supongo que así es todo el tiempo; parte de tu cerebro agradece la tranquilidad a veces. Suelo bromear con que durante la cuarentena no había que preocuparse de excusas cuando te invitaran a una fiesta. Esa tranquilidad me permitió enfocarme y decir “realmente puedo terminar esto ahora”, puedo finalizarlo y no hacer nada más porque no hay otra cosa que se pueda hacer más que estar encerrado, sobre todo con esa sensación de desesperanza acechando constantemente con tanta gente sufriendo afuera. Todo fue el escenario propicio para finalizar este disco.

Leía el comunicado de prensa para este disco, donde dices que te sentías como que llevabas entrenando toda tu vida para esto, para el confinamiento y la tranquilidad.

Sí, lo que pasa con el comunicado es que simplemente quise incluir ese chiste corto. Siento que no es tan diferente este período a estar sentado en la parte trasera del bus, en esos momentos de soledad. Hay cierta soledad en el ejercicio de tocar música de todas formas, lo que no se ve tan diferente a esto. Por momentos sentí como si hubiese entrado a una máquina del tiempo, miraba el cielo y prácticamente era el mismo cielo que miraban los romanos; no había aviones, no había humo, ningún elemento disruptivo del medioambiente, el río era casi prehistórico, todo muy silencioso y quieto. Eso no es algo que puedas tener en la ciudad, a no ser que te muevas fuera de ella. Tenías este ambiente natural, pero con la ciudad todavía ahí, con esa grandeza arquitectónica, estos edificios, todo vacío, inhabitable. Hay algo extrañamente convincente en todo eso.

Sí, es muy extraño ver las calles vacías. La primera vez que presencié eso no fue por la pandemia, de hecho, fue por las protestas en Chile en 2019. El gobierno puso un toque de queda a mitad de la tarde, por lo que ver las calles sin gente a esa hora del día fue muy extraño. Pero siempre persiste ese elemento de paz en el panorama, quizás al momento de notar que se puede trabajar mejor en ese contexto.

Sí, sí, también lo siento así. De hecho, creo que estuve en Chile antes de eso, estaba con mi hija en la calle tratando de regresar al hotel cuando estaban todos los militares en la calle por las protestas, supongo que esa calma que te dan esas calles vacías son algo que ayuda. Me obsesiono mucho cuando hago música y no puedo enfocarme en nada más, me siento casi como si me estuviera volviendo absolutamente loco. La pandemia permitió que esa calma pudiera pasar, no había ninguna distracción que me sacara de ese estado y realmente pude concentrarme y volverme loco con la música. De igual forma es algo que te consume, pero fue la única manera en que lograría completar este disco, estaba desesperado por terminarlo. Diría que durante los últimos siete años he estado desesperado por terminar tantas cosas como me sea posible, necesitaba completar eso para estar tranquilo nuevamente y pensar en lo que haría con mi futuro, tratar de completar cada canción que espera por ser terminada.

¿Qué hay del título del disco? ¿Cuál es el significado de “Everything Was Beautiful”?

Es una cita. No sé si debería hablar de esto, pero siempre es así con los títulos de Spiritualized. Mi intención cuando comencé esto era tener una tener una gran obra entre este álbum y el anterior, todas las canciones comenzaron a trabajarse al mismo tiempo. Mi compañía no quería un disco doble, ya que el lapso de atención de la gente es muy corto, pero también históricamente los álbumes dobles quedan perdidos; hay tanta información, que quedan en el olvido y son redescubiertos 20 años después de su lanzamiento. “Exile On Main St.” de The Rolling Stones es un ejemplo. Descubrí que ese disco tenía valor muchos años después, además que está la presión de que debes vender discos en este negocio, así que ellos me pidieron que no hiciera uno doble. De cierta forma funcionó, porque terminé la mitad que se transformó en un álbum, y las otras canciones recién las terminé ahora. Si hubiera sido doble, estaría todavía trabajando con todo el material a la vez. También fue algo arbitrario, no elegí qué canciones estarían en una parte y las que estarían en otra, creo que más bien incluí las que me faltaba menos por completar, ya sabes, “A Perfect Miracle” o “The Prize”.

¿Podríamos decir que este nuevo álbum es una continuación de “And Nothing Hurt”?

No, no diría que este disco es una Parte 2 o los descartes de ese disco. No hay descartes, todas son canciones que estaba componiendo, todas son canciones importantes. Además, cuando terminé lo que sería “And Nothing Hurt”, estas otras canciones iban por una dirección completamente distinta, por ende, tenía que ser un disco completamente distinto.

Para este disco trabajaste en once estudios diferentes. Eso es algo que se siente al escuchar el álbum, es como un viaje donde tú eres el personaje principal que se va impregnando de distintos elementos a medida que pasan las canciones. ¿Eso tiene algo que ver con el hecho de que trabajaste en muchos lugares distintos?

Supongo que es algo con los estudios, porque es difícil encontrar gente en la música que esté dispuesta a recorrer ciertas distancias. La mayoría de las personas en la música quieren trabajar bajo escenarios cómodos, donde puedan mostrar lo que son capaces de hacer. Muchos productores y personas en la música te dicen “me gusta lo que hiciste en tu último disco” o cosas así y, si bien yo no hago música para esperar eso, prefiero trabajar en un buen espacio donde pueda ir recogiendo las mejores partes antes de moverme al siguiente, de esa forma no hay un lugar definido para estas canciones. Hay productores que sólo producen una banda y luego buscan otra y la ponen en el mismo lugar, con la misma estructura, y yo obviamente no quiero eso. Soy más de aclarar y decir “esto es lo que hago”, prefiero que sea a mi manera. Muchos de esos estudios donde trabajé no funcionaron del todo, por eso tomé lo que me parecía interesante y me lo llevé hasta el siguiente, eso es algo difícil de calzar.

También se produjo la situación que por distancias había que trabajar en lugares diferentes, ¿no es así?

Sí, también ese fue un factor. Ciertos estudios estaban cerca del lugar en que estaban algunos integrantes de mi banda y ahí fue algo netamente geográfico, ya que necesitaba conseguir un estudio cerca de donde estuvieran para que trabajáramos. El resultado final, respondiendo a tu pregunta anterior, tiene que ver con que el disco es algo así como un collage; de hecho, son prácticamente dos mezclas puestas una encima de otra: una estaba sin finalizar, la otra estaba casi finalizada, pero tan pronto como las junté, puso todo el disco en un lugar que no podía reconocer, y me sorprendí a mí mismo con el resultado. No escuchaba mi trabajo en la misma forma que esperaba, a veces me gusta conservar los demos, por lo que hay una canción que está construida en base al demo, otra que está hecha a partir de una grabación en vivo que alguien hizo de nosotros y que encontramos en YouTube, ya que no podíamos dar con el sonido preciso. Todo se trata de aferrarse a los fragmentos que me gustan y hacerlos funcionar de modo que se transformen en una canción.

Además de esos once estudios, trabajaste con más de 30 músicos y cantantes. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Les indicas “toca esto” o “canta esto”, o más bien son ellos poniendo su propio enfoque a las canciones?

Siempre es lo segundo, incluso si les pido qué tocar. Hay ocasiones en que yo les digo “toca esto” o “canta esto”, pero incluso ahí ellos ponen su estampa personal a la estructura, lo que da una idea de dónde puede ir la canción. Las cosas que hacen funcionar la música que amo están muy cercanas a las cosas que hacen funcionar a la música que no amo, eso es algo que siempre noto. Por ejemplo, una banda puede hacer un cover con los mismos instrumentos, configuración, equipos y arreglos que la versión original, pero puede que siga sonando horrible. De cierta forma, intento guiar a la gente, incluso si son músicos con los que trabajo hace mucho tiempo, siempre es necesaria una especie de guía. Eso al final también hace que ellos, como músicos, puedan encontrar su camino y aplicar sus ideas a lo que están tocando, y es inevitable que ellos traigan su habilidad a la música que están interpretando.

Jason, quisiera que pasemos a otro tema, puntualmente preguntarte sobre “The Spaceman Reissue Program”. ¿Cómo surgió esa idea?

Fue idea de Matthew Johnson, quien maneja mi sello en América, Fat Possum Records. Él comenzó a reeditar el catálogo de ciertos artistas y consideraba que era importante que los discos fueran propiedad de los artistas. Él se preocupó de todo eso, especialmente con mis discos, que siempre me decía que estaban un tanto olvidados y sin amor porque fueron publicados por un sello donde ya no estoy y nunca se preocuparon, no los reeditaban ni nada. Me di cuenta de que algunas de las reediciones que hicieron quedaron muy mal, por lo que era tiempo de botar todo eso y quisimos establecer que estos discos son importantes, son mi vida y mi historia. Realmente todo partió como una forma de darle el valor que merece mi trabajo, además de ponerlos a disposición de la gente nuevamente, ya que no lo estaban hace tiempo y los originales son muy caros actualmente por su rareza.

Definiste estos vinilos como las “ediciones definitivas”. ¿Podríamos decir que estos son los álbumes de la manera que pretendías que sonaran al momento de su lanzamiento?

Sí, algo así. Podríamos discrepar en el sentido de si fueron publicados como era mi intención en su momento, ya que en ese tiempo el mundo estaba más enfocado en el CD y la gente ahora está interesada en los vinilos. Supongo que eso le da un valor, además de que me gusta el hecho de que la portada sea respetada con una reestructuración, así como también el contenido del disco. Me gusta saber que uno hace arte en un contexto en donde nada es para siempre, las cosas envejecen, un disco se puede desgastar, el papel de la portada puede estar rayado o trizado, me gusta saber que el paso del tiempo afecte a una pieza de arte como un disco en cierta forma.

Bueno, Jason, esa fue la última pregunta. Quiero agradecerte por tu tiempo, por supuesto, pero también preguntarte si quieres enviarle un mensaje a tus fans chilenos que esperan verte nuevamente por acá algún día.

Sí, por supuesto. No tengo ningún mensaje preparado, pero sí siento que tengo una conexión especial con Chile, porque los primeros shows que hicimos en Sudamérica fue gracias a dos chicas chilenas que vinieron a Europa y conocí en un bar cerca de mi casa. Les pregunté si conocían a alguien que pudiera armar un show y afortunadamente una de ellas conocía al promotor que hizo posible nuestro primer concierto en Sudamérica, y se sintió que una vez que llegáramos no podrían cerrarnos la puerta. Ese fue el momento más importante para concretar nuestra llegada a Sudamérica. Ahora ya lo hemos visitado algo así como tres veces. Siempre ha sido importante ir allá, en estos momentos no es tan complejo para nosotros poder ir a tocar allá, pero necesitamos alguien que esté dispuesto a hacer el show y ayudarnos a concretar todo.

Esperamos verte pronto algún día.

Yo también espero que eso sea pronto.

Muchas gracias, Jason. ¡Cuídate mucho!

Igualmente. Nos vemos.

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