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Takashi Kato de Tokyo Ska Paradise Orchestra: “Queremos ser los embajadores del ska japonés en el mundo”

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Los shows de Tokyo Ska Paradise Orchestra son una verdadera locura, con todos sus integrantes moviéndose por el escenario y disfrutando cada nota que tocan. Son considerados unas verdaderas leyendas dentro de la escena local nipona, pero ellos buscan ir más allá, dando a conocer su particular visión del ska alrededor del mundo, siendo parte de los más variados festivales de música en lugares como Europa o Estados Unidos.

Luego de casi 30 años de carrera y 20 discos de estudio, Skapara debutará en suelos locales este próximo 4 de ocrubre, cuando lleguen a presentar su disco “Paradise Has No Border” (2017) al escenario del Club Chocolate. Bajo ese contexto, conversamos con Takashi Kato, guitarrista de la banda, quien, al teléfono desde Japón, nos contó sobre sus experiencias durante todos estos años tocando por el mundo, su especial relación con México, además de lo que fue el último disco de la banda. Te dejamos a continuación con la entrevista de manera íntegra, donde además nos adelantó qué se viene para el show aquí en Santiago.

Cuando la banda comenzó en 1989, se volvieron muy populares de inmediato, llegando incluso a tocar sólo un año después en el Budokan, una de las arenas más importantes del país. ¿Por qué creen que la gente amó tanto su música desde el comienzo?

Creemos que la música ska no era muy popular en Japón durante los ochenta, cuando comenzamos. En ese momento éramos muy especiales porque todos usábamos los mismos trajes en el escenario e interpretábamos diferentes tipos de música, eso llamó la atención de la gente en Tokio cuando hacíamos nuestros shows en esos años. Todos se sintieron en shock porque éramos algo bastante novedoso para sus ojos y oídos. Siempre hemos estado pendientes de lo que está pasando en la escena musical japonesa, y también ocupamos nuestro lugar en ella. Queremos ser algo así como los embajadores del ska japonés para el resto del mundo, es por eso que giramos tanto fuera de nuestro país, queremos expresar la música ska en muchos lugares como sea posible.

En países como Brasil, México o Chile, la gente que sigue la música japonesa lo hace por su afición al anime o los videojuegos. Con Skapara, sin embargo, se rompe esa barrera, teniendo fans que muchas veces ni siquiera están familiarizados con la música japonesa. ¿A qué creen que se deba esto? ¿Cuál creen que sea la diferencia entre la música de bandas como Versailles o X Japan y la de ustedes?

Bueno, de hecho, hicimos un opening para un anime, la película “One Piece: Straw Hat Chase” (Hiroyuki Satô, 2011). Aparte de eso, hemos estado relacionados con la música popular japonesa de alguna manera, pero más que nada nos enfocamos en representar el ska y tocar en festivales de Europa o América Latina, porque gracias a eso podemos estar al día con lo que está pasando fuera de Japón. Además, hicimos una colaboración con Asían Kung-Fu Generation, que son muy populares y han girado un par de veces en Sudamérica, también tienen muchas canciones relacionadas al anime. Tocamos junto a ellos, somos amigos, pero no creo que debamos compararnos a otro tipo de bandas.

Entrevista a Tokyo Ska Paradise Orchestra

¿Qué hay de México? ¿Cómo terminaron siendo tan populares allá?

En México aman mucho el ska, me imagino que eso influyó porque he notado que mucha de su música tiene elementos de la nuestra. Estuvimos ahí para el festival Vive Latino hace algunos años, donde tocamos frente a unas 60 mil personas. Es muy divertido cada vez que estamos allá, tenemos un montón de amigos en México, así como nos gustaría hacernos de muchos amigos más cuando estemos en Chile.

Ya que mencionas a Chile, ¿qué podemos esperar del show acá en Santiago? Considerando que en México incluyeron algunas canciones populares del país en su setlist, ¿podrían hacerlo acá también?

Bueno, quizás podrías ayudarnos a pensar qué canción podemos tocar en Chile (risas), la verdad es que no lo sabemos, pero nos gustaría mucho hacerlo. Incluso grabamos una versión de “Cielito Lindo” luego de tocarla en el show en México. Hemos estado pensando en algo especial para Chile; de hecho, somos amigos de Ana Tijoux y nos gustaría mucho tenerla en el show. Sabemos que el país es hermoso, con mucha naturaleza y un muy buen vino, esperamos disfrutar todo eso allá.

Me gustaría pasar al último disco de la banda, “Paradise Has No Border” (2017). ¿Qué nos puedes contar de este álbum?

Este es nuestro álbum de estudio número 20, fue lanzado en Japón en marzo y colaboramos con muchos artistas japoneses, como Ken Yokoyama de la legendaria banda japonesa de post-rock, Hi-Standard, además de otros artistas como Rina Takahira o TAKUMA de la banda 10-FEET. Estamos actualizados en cuanto a música japonesa, sabemos lo que está pasando y nos gusta colaborar con muchos artistas nuevos. Este disco también fue lanzado en Sudamérica, e incluimos dos bonus tracks, uno con el artista mexicano Inspector, con quien hicimos “Más Allá Del Universo” y la otra es “World Rude Connection”, junto a la banda argentina Los Auténticos Decadentes. Para esas canciones incorporamos voz, algo que no solemos hacer mucho. Queremos trascender las fronteras con nuestra música y las colaboraciones son una buena forma de conectarnos con el resto del mundo.

¿El título del álbum guarda relación con eso? Se lee como un juego de palabras que da a entender que es la banda la que no tiene límites.

Sí, definitivamente. Quisimos hacer algo que se pudiera entender de esa manera, ese era nuestro mensaje, aunque también queremos expresar que las fronteras no existen como tal, ni en la música, la religión, las razas, el sexo, las culturas, lo que sea. No queremos encerrar a nadie ni nada en una categoría, buscamos derribar esas barreras y lograr esos objetivos de expresar la música como un lenguaje universal.

Pensando en el futuro de la banda, ¿se encuentran trabajando en un nuevo álbum?

Si, incluso ya grabamos algunos nuevos singles para ser lanzados a futuro. Ahora mismo venimos del estudio, donde estábamos mezclando el último de ellos. Esperamos que el primero sea lanzado en noviembre y, una vez que termine la gira, nos dedicaremos a terminar el álbum.

Bueno, Takashi, lamentablemente se nos acaba el tiempo. ¿Les gustaría decir algo a sus fans en Chile para terminar esta entrevista?

Realmente gozaremos tocando para todos ustedes, nuestra música es bastante alegre y divertida, así que disfrutemos todos juntos. Estamos muy felices de ir a Chile, sabemos que son muy apasionados por la música y queremos sentir eso cuando estemos allá.

Por Manuel Cabrales

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Entrevistas

Peter Hayes de Black Rebel Motorcycle Club: “Hemos logrado dejar nuestros egos de lado”

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Peter Hayes

En el rock & roll no se necesita de mucho para poder propagar un mensaje, tal como Black Rebel Motorcycle Club lo ha demostrado durante dos décadas de trayectoria. Siempre que lo que se comunique sea fuerte y claro, basta con tener un norte dilucidado sobre cómo hacer las cosas, en contra de cualquier parámetro preestablecido por la industria. Con un sonido rebelde, callejero e incluso psicodélico, los californianos derrochan actitud junto a una imagen que podría caer en clichés del género, como las chaquetas de cuero, los anteojos de sol o el constante cigarrillo en la boca, pero que increíblemente deja esa atractiva caracterización en segundo plano para enfocar toda la atención en lo bien que tocan sus instrumentos, generando una catarsis colectiva conducida por una tonalidad garage distorsionada y consistente sonoramente.

Luego de pasar por algunos momentos bastante complicados, B.R.M.C. regresa a la acción con “Wrong Creatures” (2018), el octavo álbum de su carrera. Gracias a un sonido en constante evolución, los norteamericanos desarrollaron un álbum impregnado de la vibra que siempre predomina en sus composiciones, entregando un rock agresivo y directo, apelativos predominantes en sus veinte años de existencia. Bajo la promoción de este nuevo trabajo, es que conversamos en exclusiva con Peter Hayes, uno de los componentes de este power trio, quien nos comentó muy pausadamente (y quizás con algo de resaca) sobre el proceso detrás de este nuevo trabajo, sus prácticamente nulos recuerdos en torno a sus visitas a Chile, su mirada de la situación política actual de Estados Unidos, entre otras cosas, en una conversación que dejamos de manera integra a continuación.

Hola, Peter, ¿cómo estás?

Muy bien, Manuel. ¿Cómo estás tú?

Muy bien también, gracias. Quisiera preguntarte primero por la última época de la banda. Hace algunos años falleció el padre de Robert, quien fue como un mentor para ustedes, luego ocurrió la cirugía de Leah, por lo que no han sido tiempos muy fáciles. ¿Cómo han logrado llevar estas situaciones?

Esa es una pregunta razonable, y creo que es porque hacemos lo que amamos, sabemos muy bien cómo hacerlo (risas). Nos enfocamos en tocar música y comprender desde dónde viene y cómo se refleja el apoyo que aquello nos da durante tiempos difíciles, así como también lo hace la música de otras personas. Cuando tocas, se convierte en una voz para expresar lo que piensas; la música nos ha ayudado a darnos cuenta de las cosas y la vida en general.

Este año será el aniversario número veinte de la banda. ¿Cómo evalúas la experiencia de tocar junto a Robert por tantos años?

Él es como mi hermano, se convirtió en mi familia. Nos conocemos hace mucho tiempo y, en cierta forma, estoy orgulloso de que hayamos sobrevivido todo este tiempo con altos y bajos, peleas y altercados. Hemos logrado dejar nuestros egos de lado y solucionar todo siempre.

Cuando comenzaron la banda, tocaste paralelamente junto a Anton Newcombe en The Brian Jonestown Massacre, yéndote con ellos en su primera gira norteamericana. Considerando que estabas recién iniciándote en el mundo de la música, ¿qué aprendizaje obtuviste de esa experiencia?

Cuando comencé con ellos ya estaba haciendo música con Robert, así que lo tomé como una oportunidad para saber qué se sentía salir de gira. La idea era hacer un tour y conocer esas experiencias, siempre estuvo la intención de seguir junto a Robert, pero fue una experiencia muy divertida, más aún porque era fan de la banda. Creo que me enseñaron qué hacer y qué no hacer, aunque claramente hay lecciones que no aprendí muy bien (risas). Nunca me sentí parte de la banda ni tampoco quise serlo realmente, siempre estuve ahí con la intención de apoyar. Todos esperaban que el guitarrista original regresara, yo sólo fui un reemplazo.

Estuve escuchando el último disco, “Wrong Creatures”, y debo decirte que está muy bueno. “Echo” es una de mis canciones favoritas, pero también me llamó la atención “Circus Bazooko”, que es muy diferente a lo que suelen hacer. ¿Cuál fue la intención detrás de ese sonido?

Muchas gracias, me alegra que te haya gustado. Sobre la canción, surgió un día que yo iba atrasado al ensayo, Robert y Leah comenzaron a improvisar sobre esa idea mientras me esperaban, y se hizo en base a capas de guitarra, con un pedal que hace loops, así que lo que tú escuchas en realidad son muchas capas de guitarra, no hay un órgano sonando ahí. La idea era experimentar con los sonidos de la guitarra, algo que solemos hacer, buscábamos tener una canción que se basara en el sonido y no fuera sólo una sucesión de acordes, por ende, sentimos que funcionó muy bien.

¿Qué significa el nombre del álbum?

Teníamos algunas ideas para el nombre y esa fue la menos abstracta y que, a la vez, podía ir dirigida en varias direcciones, nos gusta hacer eso. Preferimos dejar todo a la interpretación, mantener las cosas lo más abstractas posibles, a veces puede ser personal, otras veces puede que el nombre refleje lo que el álbum es, aunque en este caso no creo que quiera decir que está todo mal (risas). Depende del día.

Peter, ya has estado varias veces en Chile, tocando desde shows en solitario hasta festivales. ¿Qué recuerdos tienes de nuestro país?

(Piensa) A ver, no recuerdo el festival. ¿Cómo se llamaba?

Fue en 2011, se llamaba Maquinaria. Tocaron alrededor de las tres de la tarde bajo un sol terrible. Estaba Alice In Chains y Faith No More, también.

Ah, sí, sí, creo que recuerdo eso. Hubo algunos festivales que hicimos en Sudamérica junto a ellos. Tuvimos unos días libres en Santiago, no recuerdo claramente nada de eso, pero creo que no hice nada malo (risas).

¿Qué hay de la última vez? Eso fue apenas en 2016.

Si, tampoco lo recuerdo muy bien. Tuvimos algo de tiempo libre, pero… (piensa). No, no puedo. No me acuerdo de nada, lo siento (risas).

No hay problema. Peter, todos queremos saber lo siguiente: ¿volverán a Chile con este nuevo álbum?

Esperamos que sí. Y si no nos invitan, nosotros trataremos de ir para allá. Siempre nos gusta ir a Sudamérica, esperamos que alguien nos invite. Aunque, de todos modos, si nos llevan a un festival o algo así, la idea sería poder realizar un show aparte por nuestra cuenta, nos gusta hacer eso.

Recuerdo que para la última vez de la banda aquí anunciaron un show en Argentina y todos nos lamentábamos, porque la fecha se acercaba y no teníamos novedades de un concierto en Santiago. Luego lo anunciaron con muy poco tiempo de anticipación, así que nos sentimos aliviados de que sí venían.

Genial, qué bueno que nos esperaban (risas).

En 2008, la primera vez, yo tenía sólo 15 años y me quedé embobado con la puesta en escena de la banda, es increíble que se mantengan así de frescos por tanto tiempo.

¡Vaya! Qué bueno que aún recuerdes eso después de tanto tiempo (risas). ¿Cuánto llevas trabajando en esto que estás haciendo ahora?

Tres años, algo así.

¿Te gusta esto? ¿Todo ha ido bien? Me imagino que tienes la oportunidad de ir a un montón de conciertos y todo eso.

Si, mucho. De hecho, el último show de B.R.M.C. en Santiago fue mi primer review de un show en vivo.

Oh, ¿en serio? ¡Qué increíble coincidencia! (risas)

Sigamos con la entrevista, Peter. B.R.M.C. se destaca por tener un sonido en vivo muy potente, ¿cómo logran capturar esa esencia dentro del estudio?

La verdad es que eso es algo que todavía tratamos de lograr, no podemos hacer que nuestros discos suenen diferentes al show en vivo, se trata de capturar la energía del ambiente. Para un álbum en vivo es divertido capturar esa complicidad con la audiencia, pero en estudio es muy diferente, el ambiente es otra cosa. Para mí es como tener tres mundos: el show en vivo como tal, el disco en vivo y el disco en estudio. Son tres oportunidades para hacer algo completamente diferente, y eso está bien. Aunque al grabar un disco en vivo nunca capturarás realmente la forma en que sonamos, debes estar ahí para sentirlo. También en un álbum de estudio es algo completamente experimental.

Se nos está acabando el tiempo, pero quisiera preguntarte algo más. En 2003, el álbum “Take Them On, On Your Own” fue lanzado en medio de la administración de George Bush como presidente, por ende, tuvo un contexto más político en sus letras, ya que Estados Unidos no estaba pasando un muy buen momento por aquellos días. Actualmente, la historia parece repetirse con Trump como presidente, ¿cómo sientes el país en estos días?

Deprimente, frustrante, vergonzoso, aunque trato de no pensar mucho en ello. No sé si alguna administración sea mejor que la otra, no soy de apoyar toda esa cultura de la política. Eso de vender el “Sueño Americano” creo que es un concepto absolutamente falso. Creo que es obvio, con ver todo lo que está pasando, para mí es más importante pensar en una solución e intentar vivir con eso. Está claro que muchos americanos tienen un problema por adelantado al apoyar esto, pero estamos todos en el mismo bote de cierta forma.

Bueno, Peter, creo que esa fue la última pregunta. Te agradezco por el tiempo, fue un agrado hablar contigo. ¿Te gustaría decir algunas palabras a tus fans en Sudamérica para terminar?

Gracias, y espero que vayamos pronto para allá, definitivamente eso está en nuestros planes. Les agradezco mucho a todos por el apoyo.

Foto principal por Erich Bouccan

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