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Takashi Kato de Tokyo Ska Paradise Orchestra: “Queremos ser los embajadores del ska japonés en el mundo”

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Los shows de Tokyo Ska Paradise Orchestra son una verdadera locura, con todos sus integrantes moviéndose por el escenario y disfrutando cada nota que tocan. Son considerados unas verdaderas leyendas dentro de la escena local nipona, pero ellos buscan ir más allá, dando a conocer su particular visión del ska alrededor del mundo, siendo parte de los más variados festivales de música en lugares como Europa o Estados Unidos.

Luego de casi 30 años de carrera y 20 discos de estudio, Skapara debutará en suelos locales este próximo 4 de ocrubre, cuando lleguen a presentar su disco “Paradise Has No Border” (2017) al escenario del Club Chocolate. Bajo ese contexto, conversamos con Takashi Kato, guitarrista de la banda, quien, al teléfono desde Japón, nos contó sobre sus experiencias durante todos estos años tocando por el mundo, su especial relación con México, además de lo que fue el último disco de la banda. Te dejamos a continuación con la entrevista de manera íntegra, donde además nos adelantó qué se viene para el show aquí en Santiago.

Cuando la banda comenzó en 1989, se volvieron muy populares de inmediato, llegando incluso a tocar sólo un año después en el Budokan, una de las arenas más importantes del país. ¿Por qué creen que la gente amó tanto su música desde el comienzo?

Creemos que la música ska no era muy popular en Japón durante los ochenta, cuando comenzamos. En ese momento éramos muy especiales porque todos usábamos los mismos trajes en el escenario e interpretábamos diferentes tipos de música, eso llamó la atención de la gente en Tokio cuando hacíamos nuestros shows en esos años. Todos se sintieron en shock porque éramos algo bastante novedoso para sus ojos y oídos. Siempre hemos estado pendientes de lo que está pasando en la escena musical japonesa, y también ocupamos nuestro lugar en ella. Queremos ser algo así como los embajadores del ska japonés para el resto del mundo, es por eso que giramos tanto fuera de nuestro país, queremos expresar la música ska en muchos lugares como sea posible.

En países como Brasil, México o Chile, la gente que sigue la música japonesa lo hace por su afición al anime o los videojuegos. Con Skapara, sin embargo, se rompe esa barrera, teniendo fans que muchas veces ni siquiera están familiarizados con la música japonesa. ¿A qué creen que se deba esto? ¿Cuál creen que sea la diferencia entre la música de bandas como Versailles o X Japan y la de ustedes?

Bueno, de hecho, hicimos un opening para un anime, la película “One Piece: Straw Hat Chase” (Hiroyuki Satô, 2011). Aparte de eso, hemos estado relacionados con la música popular japonesa de alguna manera, pero más que nada nos enfocamos en representar el ska y tocar en festivales de Europa o América Latina, porque gracias a eso podemos estar al día con lo que está pasando fuera de Japón. Además, hicimos una colaboración con Asían Kung-Fu Generation, que son muy populares y han girado un par de veces en Sudamérica, también tienen muchas canciones relacionadas al anime. Tocamos junto a ellos, somos amigos, pero no creo que debamos compararnos a otro tipo de bandas.

Entrevista a Tokyo Ska Paradise Orchestra

¿Qué hay de México? ¿Cómo terminaron siendo tan populares allá?

En México aman mucho el ska, me imagino que eso influyó porque he notado que mucha de su música tiene elementos de la nuestra. Estuvimos ahí para el festival Vive Latino hace algunos años, donde tocamos frente a unas 60 mil personas. Es muy divertido cada vez que estamos allá, tenemos un montón de amigos en México, así como nos gustaría hacernos de muchos amigos más cuando estemos en Chile.

Ya que mencionas a Chile, ¿qué podemos esperar del show acá en Santiago? Considerando que en México incluyeron algunas canciones populares del país en su setlist, ¿podrían hacerlo acá también?

Bueno, quizás podrías ayudarnos a pensar qué canción podemos tocar en Chile (risas), la verdad es que no lo sabemos, pero nos gustaría mucho hacerlo. Incluso grabamos una versión de “Cielito Lindo” luego de tocarla en el show en México. Hemos estado pensando en algo especial para Chile; de hecho, somos amigos de Ana Tijoux y nos gustaría mucho tenerla en el show. Sabemos que el país es hermoso, con mucha naturaleza y un muy buen vino, esperamos disfrutar todo eso allá.

Me gustaría pasar al último disco de la banda, “Paradise Has No Border” (2017). ¿Qué nos puedes contar de este álbum?

Este es nuestro álbum de estudio número 20, fue lanzado en Japón en marzo y colaboramos con muchos artistas japoneses, como Ken Yokoyama de la legendaria banda japonesa de post-rock, Hi-Standard, además de otros artistas como Rina Takahira o TAKUMA de la banda 10-FEET. Estamos actualizados en cuanto a música japonesa, sabemos lo que está pasando y nos gusta colaborar con muchos artistas nuevos. Este disco también fue lanzado en Sudamérica, e incluimos dos bonus tracks, uno con el artista mexicano Inspector, con quien hicimos “Más Allá Del Universo” y la otra es “World Rude Connection”, junto a la banda argentina Los Auténticos Decadentes. Para esas canciones incorporamos voz, algo que no solemos hacer mucho. Queremos trascender las fronteras con nuestra música y las colaboraciones son una buena forma de conectarnos con el resto del mundo.

¿El título del álbum guarda relación con eso? Se lee como un juego de palabras que da a entender que es la banda la que no tiene límites.

Sí, definitivamente. Quisimos hacer algo que se pudiera entender de esa manera, ese era nuestro mensaje, aunque también queremos expresar que las fronteras no existen como tal, ni en la música, la religión, las razas, el sexo, las culturas, lo que sea. No queremos encerrar a nadie ni nada en una categoría, buscamos derribar esas barreras y lograr esos objetivos de expresar la música como un lenguaje universal.

Pensando en el futuro de la banda, ¿se encuentran trabajando en un nuevo álbum?

Si, incluso ya grabamos algunos nuevos singles para ser lanzados a futuro. Ahora mismo venimos del estudio, donde estábamos mezclando el último de ellos. Esperamos que el primero sea lanzado en noviembre y, una vez que termine la gira, nos dedicaremos a terminar el álbum.

Bueno, Takashi, lamentablemente se nos acaba el tiempo. ¿Les gustaría decir algo a sus fans en Chile para terminar esta entrevista?

Realmente gozaremos tocando para todos ustedes, nuestra música es bastante alegre y divertida, así que disfrutemos todos juntos. Estamos muy felices de ir a Chile, sabemos que son muy apasionados por la música y queremos sentir eso cuando estemos allá.

Por Manuel Cabrales

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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