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Entrevistas

Steven Wilson: “Mi música tiene más afinidad en Latinoamérica que en EE.UU. o Europa”

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El vínculo entre el público nacional y Steven Wilson se ha hecho cada vez más fuerte desde que el británico visitó Chile por primera vez en el año 2012. Cada uno de sus conciertos ha vendido todas sus entradas, suscitando la atención de la prensa y de la crítica, que no duda en catalogarlo de genio y en atribuirle el título de ser una de las mentes más creativas en la historia de la música.

Precedido de un éxito de proporciones en nuestro país y con el respaldo de los medios especializados, este viernes 18 de marzo en el Teatro Caupolicán será el día en que, por séptima ocasión, Wilson deleite a sus seguidores con parte de un repertorio tan amplio como variado. Es por esto que en HumoNegro no perdimos la oportunidad de conversar personalmente con un artista que nos recibió con amabilidad y que no tuvo reparos en hablar de todo lo que le preguntamos.

A continuación te dejamos con la transcripción íntegra, para que comprendas algo más de la versatilidad y la trascendencia de un hombre como Steven Wilson.

¿Qué tan cierto es que eres un artista y productor autodidacta?

Es verdad. Lo que pasa es que al principio no sabía exactamente qué era lo que quería o en qué debía instruirme, por lo tanto nunca tomé clases de ningún tipo. Ya tenía algo de conocimiento acerca del teclado y la guitarra, pero por otra parte siempre hubo amigos, en la juventud, que sabían tocar algún instrumento y que te podían enseñar. Es así cómo recogí la información necesaria, y listo. Pero nunca tuve un entrenamiento formal, porque en ese entonces no sabía qué era lo que quería aprender; mi única idea era hacer discos. Tuve que comprender cómo es la construcción de álbumes y luego encontrar mi propia manera.

Junto con ser un músico exitoso, eres reconocido por tus habilidades como productor. Esta pasión por la producción, ¿de qué manera afecta tu enfoque hacia la música?

Cada vez que hago un disco o mezclo el de alguien más, ya sea un trabajo antiguo de los 70 o algo nuevo de una banda más pop, por ejemplo, aprendo algo, porque trabajo con muchos estilos de música. Consecuentemente, hay técnicas muy diversas entre sí, por lo tanto cada álbum tiene su enfoque, su mundo sónico propio. He aprendido demasiado de las remezclas, particularmente de los años 70 y 80, porque es un trabajo totalmente distinto; no tenían computadoras y todo el equipamiento era análogo. Era un proceso en nada parecido al actual, del que me nutrí mucho, debido a que tuve que averiguar por mi cuenta cómo hicieron esos sonidos, porque sus creadores no lo recuerdan. Les he preguntado a algunos artistas cómo lo hicieron, pero no se acuerdan porque han pasado treinta o cuarenta años, así que investigué por mis propios medios; algo así como un detective. Después toda esa información pasó a ser parte de mi conocimiento, que luego vierto sobre mi música.

Han pasado 15 años desde la primera vez que trabajaste con Opeth, en el álbum “Blackwater Park”. ¿Cómo se desarrolló desde ese día tu relación profesional con Mikael Åkerfeldt? ¿Trabajarías de nuevo con alguna banda de metal?

Veamos, porque son varias preguntas. Primero, nuestra camaradería es muy antigua. Mikael es muy cercano, somos muy amigos y hemos mucha cosas juntos: he trabajado en cinco discos de Opeth, hicimos un álbum juntos y es invitado de mis obras. Lo más positivo de nuestra relación es que tenemos un sentido de la curiosidad y sus posibilidades creativas en la música, que es muy parecido: a él no le interesa el estancamiento y a mí tampoco, algo que entendimos el uno del otro desde el comienzo de nuestra amistad, así que siempre nos alentamos mutuamente. Es importante estar rodeado de gente que te desafíe, porque la mayoría, incluyendo a los seguidores, aunque sea triste decirlo, quieren que los músicos hagamos lo mismo una y otra vez. Siempre es bueno estar junto a gente que te genere admiración, y yo a Mikael lo respeto mucho, como humano y artista. Él me incentiva y me dice “oye, esto está bueno” o “sigue así”, entonces te desarrollas y tocas lo que es importante para ti, sin preocuparte por si no le gustas a la gente, a los representantes o a los sellos discográficos. Él ha sido un aporte para mí, como yo creo serlo para él, que ha dado un paso hacia adelante unos dos discos atrás, cuando decidió que ya no estaba interesado en el metal, al igual que yo. No tengo nada en contra del estilo, pero desde mi punto de vista su vocabulario es muy acotado: ese sonido metalero, creativamente hablando, está agotado, a tal punto que ya ni siquiera es pesado. Creo que hay otras cosas que son más densas que el metal extremo. Recuerdo que, cuando apareció el “Reign In Blood” de Slayer (1986), eso era lo mejor dentro de la música heavy, lo más potente que alguien hubiese escuchado. Sin embargo, ahora hay tanto de eso que ya no produce impacto alguno. De hecho, creo que hay más música maléfica y tenebrosa hecha con instrumentos acústicos, como lo que hicimos con Storm Corrosion, que casi no posee elementos del rock tradicional y es profundamente siniestro, es un disco muy oscuro. Es mucho más pesado, a su manera, que si hubiésemos hecho algo más cercano al metal, que es lo que creo la gente espera. Mikael y yo creemos que esa música perdió su impacto porque hoy es muy masiva, hay muchas bandas haciendo lo mismo. Acerca de la otra pregunta, nunca diría “nunca” porque es posible que me contacte algún grupo de metal que me haga reconsiderarlo, si hay posibilidades de hacer algo muy original, muy fresco, muy impactante, aunque no he escuchado algo así en los últimos… ¿10 años? Debo reconocer mi ignorancia en el tema y que deben haber buenos discos que no conozco. Hubo un momento en que Meshuggah me voló la mente, o el primer álbum de The Dillinger Escape Plan, aunque eso fue hace 15 años y desde entonces nada me ha impresionado.

¿Has escuchado a Gojira?

Podría ser; son buenos, pero para mí son como unos “niños-Meshuggah”, lo que está bien, aunque Meshuggah ya hizo eso.

Como lo que dijo Devin Townsend…

No sé lo que dijo. ¿Qué fue?

Que Meshuggah ya lo ha hecho todo en la música extrema.

Bueno, claro. Puedes escuchar las primeras épocas de Meshuggah y encontrar la influencia de Metallica fácilmente. Hay una línea que va desde “…And Justice For All”, que pasa por Meshuggah y llega hasta Gojira, pero ¿puedes llevar eso aún más lejos? No estoy seguro de que se pueda, Meshuggah no pudo. Siendo justos, creo que no fueron capaces de avanzar más y se estancaron. No me tergiversen, pero basándome en sus últimos tres discos, creo que han hecho lo mismo una y otra vez, algo que es un problema que les afecta a muchas bandas del estilo: su vocabulario es muy limitado. Ese típico sonido de batería, de bajo, de guitarras, más el mismo enfoque vocal de siempre (gritar), todo está preestablecido. Entonces te preguntas cómo podrían llegar a una carrera como la que tuvo Led Zeppelin o a lo que es The Rolling Stones. Es más difícil para exponentes de música extrema porque su estilo lengua es mucho más limitado, por lo tanto creo que Mikael tomó la decisión correcta.

¿Qué sentimientos tienes después del trabajo que hiciste con Åkerfeldt bajo el nombre de Storm Corrosion? ¿Cuáles son tus impresiones respecto a cómo lo recibió la prensa? ¿Lanzarán algún disco otra vez?

Estoy muy orgulloso de lo que hicimos con Mikael en ese disco, porque fue lo último que la gente se imaginó que haríamos, y no sé cuál fue la reacción de los medios. ¿Cuál fue?

En su mayoría fue una reacción positiva.

¡Eso espero! Lo que pasa es que lo hicimos para nosotros de una manera un tanto egoísta, porque creemos que no debemos pensar en lo que quieren los seguidores. Me enorgullezco del trabajo que hicimos y no estaba al tanto de la opinión de la crítica, aunque, siendo honestos, ni siquiera me importó su opinión, porque Mikael y yo amamos lo que hicimos, sin importarnos el resto. Además, sabíamos que habría gente que odiaría el disco de todas formas, debido a que no entregamos lo que la mayoría esperaba, metal progresivo de esta especie de “supergrupo”, y de hecho hicimos todo lo contrario. Siempre supimos que habría haters pero no nos importó. ¿Si habrá material nuevo? ¡Eso espero! Me sorprendería si no lo intentáramos, si no nos juntamos al menos.

Estuve en el tercero de los conciertos que diste el año pasado en Santiago, día en que decidiste tocar algunas canciones extras en relación a las otras dos presentaciones, como la versión acústica de “Trains”, publicada a través de Porcupine Tree. ¿Por qué lo hiciste ese día particularmente?

Porque entendí que parte del público iría a los tres conciertos. Empecé a sentirme culpable, debido a que ellos pagaron su entrada para verme por tres días, mientras yo toco el mismo material una y otra vez, así que pensé que esa ocasión debía ser diferente y resultó muy divertido, de hecho. Fue material que no había tocado, fue todo un experimento y salió bien. Entonces, esa es la razón, estar consciente de que estás pagando. Durante el segundo show, le pregunté a la audiencia: “¿Hay alguien que haya venido ayer y que lo hará mañana también?”, y la respuesta fue enorme, probablemente unas 200 o 300 personas, entonces comprendí que era necesario hacer algo distinto para esa ocasión.

¿Qué sientes luego de la visita del año pasado, en que diste tres conciertos con entradas agotadas, considerando que el rock más progresivo no es tan popular en términos masivos en la actualidad?

Por alguna razón, parece que tengo una buena audiencia en países latinoamericanos. En México pasa lo mismo, y es algo magnífico que en realidad no entiendo bien por qué sucede, pero es maravilloso. La gente de Latinoamérica tiene mucha afinidad con la música que hago, que no es sólo prog rock, yo no usaría ese término, porque no suelo describir mi música como algo en particular; siempre he creído que mis composiciones son fáciles de disfrutar, como canciones de pop. Si piensas en “Hand. Cannot. Erase.”, o incluso en “4 ½”, verás que hay temas que son pop con arreglos electrónicos, otros son interludios ambientales, todos bajo un gran sentido de la melodía: para mí es algo así como una invitación abierta a todos para que la disfruten. Al final no se trata de cuál estilo tocas, sino de cuánta cantidad de cobertura en el mainstream tienes permitido. Creo que hay más apoyo en países de Latinoamérica que en algunos lugares de Europa o de Estados Unidos. En este último, mi música es casi invisible en los medios, no hay emisoras que la toquen y, siendo justos, no sólo a mí, sino que a ningún otro artista de rock contemporáneo, a menos que seas Foo Fighters; de lo contrario, olvídate de que tendrás apoyo o difusión en los medios estadounidenses. Esa es la diferencia: aquí tengo presencia en las radios más importantes, algo en la televisión, mis conciertos son reseñados por la prensa masiva, así que estoy mucho más visible para la gente, lo que explica que haya llegado a una audiencia mayor. No tiene nada que ver con el género, los amantes de la música no piensan así, no se aferran a un estilo de música: si escuchan a Adele en la radio, van y compran su disco, si escuchan a The Rolling Stones, van y compra su disco, lo mismo con Metallica. Al final creo que se trata de cuánta exposición obtienes y siempre ha sido más duro para la música rock. O sea, no siempre, pero sí en los últimos 20 años, el conseguir cobertura de los medios de comunicación masivos. La última vez que ocurrió fue con… ¿el grunge? Nirvana fue un gran fenómeno a nivel mainstream: su música influenció películas, a la moda, incluso la política; fue algo muy masivo. Después Kurt Cobain muere y con su partida se diluye el grunge. Desde entonces el rock no ha vuelto a tener la misma exposición mediática. Incluso Foo Fighters es una banda que proviene de Nirvana. Pensando en una banda de rock, ¿Muse podría ser también? Ellos son enormes, pero todavía se siente como si fueran una banda underground, es casi de culto; son capaces de llenar estadios, pero aun así no llegan al nivel de cobertura que tuvo Nirvana, o Led Zeppellin en su momento, o Bon Jovi también. Es un tema muy complejo, pero estoy muy feliz de Chile acoja mi música.

Finalmente, ¿cuáles son tus expectativas respecto a esta nueva visita, y qué nos puedes adelantar del concierto?

Espero que la audiencia sea igual de apasionada y entusiasta que las veces anteriores, porque es lo que me motiva a seguir visitándolos. Los conciertos en sí serán un poco diferentes  de los pasados: están divididos en dos partes, donde la primera mitad es una interpretación completa de “Hand. Cannot. Erase.”, probablemente por última ocasión, porque en algún punto pasaremos a otro disco, entonces no habrá otra oportunidad de escucharlo completo. La siguiente parte está dedicada al material más reciente, y por supuesto habrá cosas antiguas. Tocaré algo de mediados de los 90, canciones que escribí en esa época originalmente para Porcupine Tree. Tal vez habrá algo de Storm Corrosion; lo he hecho en cada concierto porque lo ensayé antes, aunque con Mikael, por septiembre, así que puede ser que aparezca algo.

Esto es todo, Steven. Muchas gracias por tu tiempo, fuiste muy amable con nosotros. Fue un gusto conocerte.

De nada. Fue un gusto hablar con ustedes y muchas gracias por la cobertura que siempre me han dado y sobre todo por el apoyo que me entregan. ¡Nos vemos el viernes!

Por Hans Oyarzún

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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