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Entrevistas

Steven Wilson: “Mi música tiene más afinidad en Latinoamérica que en EE.UU. o Europa”

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El vínculo entre el público nacional y Steven Wilson se ha hecho cada vez más fuerte desde que el británico visitó Chile por primera vez en el año 2012. Cada uno de sus conciertos ha vendido todas sus entradas, suscitando la atención de la prensa y de la crítica, que no duda en catalogarlo de genio y en atribuirle el título de ser una de las mentes más creativas en la historia de la música.

Precedido de un éxito de proporciones en nuestro país y con el respaldo de los medios especializados, este viernes 18 de marzo en el Teatro Caupolicán será el día en que, por séptima ocasión, Wilson deleite a sus seguidores con parte de un repertorio tan amplio como variado. Es por esto que en HumoNegro no perdimos la oportunidad de conversar personalmente con un artista que nos recibió con amabilidad y que no tuvo reparos en hablar de todo lo que le preguntamos.

A continuación te dejamos con la transcripción íntegra, para que comprendas algo más de la versatilidad y la trascendencia de un hombre como Steven Wilson.

¿Qué tan cierto es que eres un artista y productor autodidacta?

Es verdad. Lo que pasa es que al principio no sabía exactamente qué era lo que quería o en qué debía instruirme, por lo tanto nunca tomé clases de ningún tipo. Ya tenía algo de conocimiento acerca del teclado y la guitarra, pero por otra parte siempre hubo amigos, en la juventud, que sabían tocar algún instrumento y que te podían enseñar. Es así cómo recogí la información necesaria, y listo. Pero nunca tuve un entrenamiento formal, porque en ese entonces no sabía qué era lo que quería aprender; mi única idea era hacer discos. Tuve que comprender cómo es la construcción de álbumes y luego encontrar mi propia manera.

Junto con ser un músico exitoso, eres reconocido por tus habilidades como productor. Esta pasión por la producción, ¿de qué manera afecta tu enfoque hacia la música?

Cada vez que hago un disco o mezclo el de alguien más, ya sea un trabajo antiguo de los 70 o algo nuevo de una banda más pop, por ejemplo, aprendo algo, porque trabajo con muchos estilos de música. Consecuentemente, hay técnicas muy diversas entre sí, por lo tanto cada álbum tiene su enfoque, su mundo sónico propio. He aprendido demasiado de las remezclas, particularmente de los años 70 y 80, porque es un trabajo totalmente distinto; no tenían computadoras y todo el equipamiento era análogo. Era un proceso en nada parecido al actual, del que me nutrí mucho, debido a que tuve que averiguar por mi cuenta cómo hicieron esos sonidos, porque sus creadores no lo recuerdan. Les he preguntado a algunos artistas cómo lo hicieron, pero no se acuerdan porque han pasado treinta o cuarenta años, así que investigué por mis propios medios; algo así como un detective. Después toda esa información pasó a ser parte de mi conocimiento, que luego vierto sobre mi música.

Han pasado 15 años desde la primera vez que trabajaste con Opeth, en el álbum “Blackwater Park”. ¿Cómo se desarrolló desde ese día tu relación profesional con Mikael Åkerfeldt? ¿Trabajarías de nuevo con alguna banda de metal?

Veamos, porque son varias preguntas. Primero, nuestra camaradería es muy antigua. Mikael es muy cercano, somos muy amigos y hemos mucha cosas juntos: he trabajado en cinco discos de Opeth, hicimos un álbum juntos y es invitado de mis obras. Lo más positivo de nuestra relación es que tenemos un sentido de la curiosidad y sus posibilidades creativas en la música, que es muy parecido: a él no le interesa el estancamiento y a mí tampoco, algo que entendimos el uno del otro desde el comienzo de nuestra amistad, así que siempre nos alentamos mutuamente. Es importante estar rodeado de gente que te desafíe, porque la mayoría, incluyendo a los seguidores, aunque sea triste decirlo, quieren que los músicos hagamos lo mismo una y otra vez. Siempre es bueno estar junto a gente que te genere admiración, y yo a Mikael lo respeto mucho, como humano y artista. Él me incentiva y me dice “oye, esto está bueno” o “sigue así”, entonces te desarrollas y tocas lo que es importante para ti, sin preocuparte por si no le gustas a la gente, a los representantes o a los sellos discográficos. Él ha sido un aporte para mí, como yo creo serlo para él, que ha dado un paso hacia adelante unos dos discos atrás, cuando decidió que ya no estaba interesado en el metal, al igual que yo. No tengo nada en contra del estilo, pero desde mi punto de vista su vocabulario es muy acotado: ese sonido metalero, creativamente hablando, está agotado, a tal punto que ya ni siquiera es pesado. Creo que hay otras cosas que son más densas que el metal extremo. Recuerdo que, cuando apareció el “Reign In Blood” de Slayer (1986), eso era lo mejor dentro de la música heavy, lo más potente que alguien hubiese escuchado. Sin embargo, ahora hay tanto de eso que ya no produce impacto alguno. De hecho, creo que hay más música maléfica y tenebrosa hecha con instrumentos acústicos, como lo que hicimos con Storm Corrosion, que casi no posee elementos del rock tradicional y es profundamente siniestro, es un disco muy oscuro. Es mucho más pesado, a su manera, que si hubiésemos hecho algo más cercano al metal, que es lo que creo la gente espera. Mikael y yo creemos que esa música perdió su impacto porque hoy es muy masiva, hay muchas bandas haciendo lo mismo. Acerca de la otra pregunta, nunca diría “nunca” porque es posible que me contacte algún grupo de metal que me haga reconsiderarlo, si hay posibilidades de hacer algo muy original, muy fresco, muy impactante, aunque no he escuchado algo así en los últimos… ¿10 años? Debo reconocer mi ignorancia en el tema y que deben haber buenos discos que no conozco. Hubo un momento en que Meshuggah me voló la mente, o el primer álbum de The Dillinger Escape Plan, aunque eso fue hace 15 años y desde entonces nada me ha impresionado.

¿Has escuchado a Gojira?

Podría ser; son buenos, pero para mí son como unos “niños-Meshuggah”, lo que está bien, aunque Meshuggah ya hizo eso.

Como lo que dijo Devin Townsend…

No sé lo que dijo. ¿Qué fue?

Que Meshuggah ya lo ha hecho todo en la música extrema.

Bueno, claro. Puedes escuchar las primeras épocas de Meshuggah y encontrar la influencia de Metallica fácilmente. Hay una línea que va desde “…And Justice For All”, que pasa por Meshuggah y llega hasta Gojira, pero ¿puedes llevar eso aún más lejos? No estoy seguro de que se pueda, Meshuggah no pudo. Siendo justos, creo que no fueron capaces de avanzar más y se estancaron. No me tergiversen, pero basándome en sus últimos tres discos, creo que han hecho lo mismo una y otra vez, algo que es un problema que les afecta a muchas bandas del estilo: su vocabulario es muy limitado. Ese típico sonido de batería, de bajo, de guitarras, más el mismo enfoque vocal de siempre (gritar), todo está preestablecido. Entonces te preguntas cómo podrían llegar a una carrera como la que tuvo Led Zeppelin o a lo que es The Rolling Stones. Es más difícil para exponentes de música extrema porque su estilo lengua es mucho más limitado, por lo tanto creo que Mikael tomó la decisión correcta.

¿Qué sentimientos tienes después del trabajo que hiciste con Åkerfeldt bajo el nombre de Storm Corrosion? ¿Cuáles son tus impresiones respecto a cómo lo recibió la prensa? ¿Lanzarán algún disco otra vez?

Estoy muy orgulloso de lo que hicimos con Mikael en ese disco, porque fue lo último que la gente se imaginó que haríamos, y no sé cuál fue la reacción de los medios. ¿Cuál fue?

En su mayoría fue una reacción positiva.

¡Eso espero! Lo que pasa es que lo hicimos para nosotros de una manera un tanto egoísta, porque creemos que no debemos pensar en lo que quieren los seguidores. Me enorgullezco del trabajo que hicimos y no estaba al tanto de la opinión de la crítica, aunque, siendo honestos, ni siquiera me importó su opinión, porque Mikael y yo amamos lo que hicimos, sin importarnos el resto. Además, sabíamos que habría gente que odiaría el disco de todas formas, debido a que no entregamos lo que la mayoría esperaba, metal progresivo de esta especie de “supergrupo”, y de hecho hicimos todo lo contrario. Siempre supimos que habría haters pero no nos importó. ¿Si habrá material nuevo? ¡Eso espero! Me sorprendería si no lo intentáramos, si no nos juntamos al menos.

Estuve en el tercero de los conciertos que diste el año pasado en Santiago, día en que decidiste tocar algunas canciones extras en relación a las otras dos presentaciones, como la versión acústica de “Trains”, publicada a través de Porcupine Tree. ¿Por qué lo hiciste ese día particularmente?

Porque entendí que parte del público iría a los tres conciertos. Empecé a sentirme culpable, debido a que ellos pagaron su entrada para verme por tres días, mientras yo toco el mismo material una y otra vez, así que pensé que esa ocasión debía ser diferente y resultó muy divertido, de hecho. Fue material que no había tocado, fue todo un experimento y salió bien. Entonces, esa es la razón, estar consciente de que estás pagando. Durante el segundo show, le pregunté a la audiencia: “¿Hay alguien que haya venido ayer y que lo hará mañana también?”, y la respuesta fue enorme, probablemente unas 200 o 300 personas, entonces comprendí que era necesario hacer algo distinto para esa ocasión.

¿Qué sientes luego de la visita del año pasado, en que diste tres conciertos con entradas agotadas, considerando que el rock más progresivo no es tan popular en términos masivos en la actualidad?

Por alguna razón, parece que tengo una buena audiencia en países latinoamericanos. En México pasa lo mismo, y es algo magnífico que en realidad no entiendo bien por qué sucede, pero es maravilloso. La gente de Latinoamérica tiene mucha afinidad con la música que hago, que no es sólo prog rock, yo no usaría ese término, porque no suelo describir mi música como algo en particular; siempre he creído que mis composiciones son fáciles de disfrutar, como canciones de pop. Si piensas en “Hand. Cannot. Erase.”, o incluso en “4 ½”, verás que hay temas que son pop con arreglos electrónicos, otros son interludios ambientales, todos bajo un gran sentido de la melodía: para mí es algo así como una invitación abierta a todos para que la disfruten. Al final no se trata de cuál estilo tocas, sino de cuánta cantidad de cobertura en el mainstream tienes permitido. Creo que hay más apoyo en países de Latinoamérica que en algunos lugares de Europa o de Estados Unidos. En este último, mi música es casi invisible en los medios, no hay emisoras que la toquen y, siendo justos, no sólo a mí, sino que a ningún otro artista de rock contemporáneo, a menos que seas Foo Fighters; de lo contrario, olvídate de que tendrás apoyo o difusión en los medios estadounidenses. Esa es la diferencia: aquí tengo presencia en las radios más importantes, algo en la televisión, mis conciertos son reseñados por la prensa masiva, así que estoy mucho más visible para la gente, lo que explica que haya llegado a una audiencia mayor. No tiene nada que ver con el género, los amantes de la música no piensan así, no se aferran a un estilo de música: si escuchan a Adele en la radio, van y compran su disco, si escuchan a The Rolling Stones, van y compra su disco, lo mismo con Metallica. Al final creo que se trata de cuánta exposición obtienes y siempre ha sido más duro para la música rock. O sea, no siempre, pero sí en los últimos 20 años, el conseguir cobertura de los medios de comunicación masivos. La última vez que ocurrió fue con… ¿el grunge? Nirvana fue un gran fenómeno a nivel mainstream: su música influenció películas, a la moda, incluso la política; fue algo muy masivo. Después Kurt Cobain muere y con su partida se diluye el grunge. Desde entonces el rock no ha vuelto a tener la misma exposición mediática. Incluso Foo Fighters es una banda que proviene de Nirvana. Pensando en una banda de rock, ¿Muse podría ser también? Ellos son enormes, pero todavía se siente como si fueran una banda underground, es casi de culto; son capaces de llenar estadios, pero aun así no llegan al nivel de cobertura que tuvo Nirvana, o Led Zeppellin en su momento, o Bon Jovi también. Es un tema muy complejo, pero estoy muy feliz de Chile acoja mi música.

Finalmente, ¿cuáles son tus expectativas respecto a esta nueva visita, y qué nos puedes adelantar del concierto?

Espero que la audiencia sea igual de apasionada y entusiasta que las veces anteriores, porque es lo que me motiva a seguir visitándolos. Los conciertos en sí serán un poco diferentes  de los pasados: están divididos en dos partes, donde la primera mitad es una interpretación completa de “Hand. Cannot. Erase.”, probablemente por última ocasión, porque en algún punto pasaremos a otro disco, entonces no habrá otra oportunidad de escucharlo completo. La siguiente parte está dedicada al material más reciente, y por supuesto habrá cosas antiguas. Tocaré algo de mediados de los 90, canciones que escribí en esa época originalmente para Porcupine Tree. Tal vez habrá algo de Storm Corrosion; lo he hecho en cada concierto porque lo ensayé antes, aunque con Mikael, por septiembre, así que puede ser que aparezca algo.

Esto es todo, Steven. Muchas gracias por tu tiempo, fuiste muy amable con nosotros. Fue un gusto conocerte.

De nada. Fue un gusto hablar con ustedes y muchas gracias por la cobertura que siempre me han dado y sobre todo por el apoyo que me entregan. ¡Nos vemos el viernes!

Por Hans Oyarzún

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Entrevistas

Robin Zander de Cheap Trick: “Es un honor que los jóvenes escuchen nuestras canciones”

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Robin Zander

Con casi medio siglo de carrera, Cheap Trick acaba de publicar el álbum “In Another World”, el que se anota el mérito de ser el número 20 de su catálogo. Con ese antecedente, no cabe duda de que la agrupación encabezada por el vocalista Robin Zander sigue adelante gracias a una vida completa en los escenarios, manteniendo siempre fresca la inspiración con el objetivo de no encasillarse en los clásicos eternos y, de esa forma, traspasando el legado de la banda a las nuevas generaciones.

Gracias a esa constante actividad conversamos a la distancia con el vocalista para revisar algunos puntos de este nuevo álbum, con Zander contándonos también sobre su vida hogareña en pandemia, sus inicios con la banda, la forma en que su entorno lo mantiene inspirado día a día, su opinión sobre la nueva generación de fans de Cheap Trick y su fallida gira mundial de 2020, entre muchas otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Robin, te hablo desde Santiago, y quiero que comencemos conversando por lo obvio: ¿cómo has estado durante esta pandemia mundial que vivimos?

Hola, Manuel. Bueno, ha sido muy desafiante, como para ti, para todos. Hemos sido acechados por este enemigo llamado COVID-19, que está ahí afuera tratando de matarnos a todos, eso es aterrador y hace que no queramos salir de casa, ni seguir haciendo nuestras vidas. Mentalmente eso tiene sus problemas en la sociedad cuando te aíslas de esa manera, pero te hace apreciar las cosas que sólo la libertad puede darte. Así que espero que pronto podamos tener esa libertad de vuelta, cuando derrotemos este terrible virus.

Leí una entrevista donde mencionas que nunca habías tenido tanto tiempo libre como ahora.

Nunca me había tomado un año libre, no. Eso es algo que Cheap Trick tiene muy marcado, nunca quisimos hacerlo, somos una banda de giras, amamos lo que hacemos, así que el hecho de que nos quiten lo que más amamos hacer es devastador.

¿Has disfrutado todo este tiempo en casa o ya quieres volver a girar como antes?

Bueno, es como un arma de doble filo. Finalmente tuve la oportunidad de conocer a mi esposa luego de 28 años (risas), me encanta estar con ella, me encanta estar en mi casa, en mi propia cama y no tener que viajar todos los días. Al mismo tiempo, extraño mucho salir de gira y tocar para nuestros fans, eso me llena. Así que es como si casi la mitad de mi vida hubiera sido interrumpida.

Quiero que pasemos al nuevo disco de la banda, “In Another World”. Entiendo que estaba listo, pero no lo quisieron lanzar en 2020 por la pandemia.

Exactamente, lo pusimos en pausa.

¿Qué nos puedes comentar sobre el proceso creativo de este disco?

Bueno, diría que la mejor forma de describirlo es el hecho de que estamos siempre componiendo canciones; hay tres compositores en la banda, estoy rodeado de genios, debo decir eso. Supongo que es lo que siempre ha sido, es lo que se da naturalmente en nosotros. Si no compusiéramos ni fuéramos tan constantes creativamente hablando, entonces ¿cuál es el punto de seguir adelante? Ya sabes, es algo que siempre nos mueve.

Sin duda se sintió como un cambio total de planes. Asumo que hay muchos compromisos que, debido a la pandemia, debieron ser puestos en pausa.

Este disco fue grabado hace dos años, se supone que lo publicaríamos en esta misma fecha el año pasado, después haríamos una gira por Sudamérica, Europa, y luego por Estados Unidos y Canadá entre los meses de junio y diciembre. En cierta forma fuimos asaltados (risas), pero algunos de esos shows, como los que haríamos con Rod Stewart y ZZ Top, fueron postergados para 2022, es lo único que sigue vigente.

No me malinterpretes, pero me sorprende que lancen un disco este año, ya que Cheap Trick es una banda que no tiene nada que demostrar, son indudablemente un esencial en la historia del rock. ¿De donde nace la motivación para seguir haciendo música en este punto de tu carrera?

Como dije, es lo que hacemos. Nos inspiramos entre todos, tenemos diferentes influencias, nos enviamos ideas y así vamos inspirándonos para seguir componiendo. Cada disco que hacemos es como un bebé nuevo, un nuevo libro, una nueva película, seguimos entusiasmados luego de tanto tiempo componiendo y publicando álbumes. Este es nuestro disco número 20, es un montón de trabajo, piensa en eso.

Si, es bastante.

Todavía tenemos ese sentimiento, no puedo explicarlo de otra forma. Es lo mismo que sentíamos cuando comenzamos a ensayar en la cochera del papá de Rick (Nielsen, guitarrista), luego de tres ensayos salimos a tocar y nunca más paramos hasta ahora.

Estuve escuchando el álbum antes de la entrevista y lo siento con una energía muy de los primeros discos de la banda, pero también se siente como un disco actual. ¿Te inspiras por lo que está sonando a tu alrededor o compones las canciones con las ideas que tienes en mente?

Eso es parcialmente cierto, ya que amamos la música, toda la música. En mi caso, mis dos hijos son músicos, mi hija incluso es actriz, me inspiro mucho gracias a ellos, me siento inspirado por mis compañeros de banda, por la nueva música que escucho en la radio, por las noticias, los diarios, la televisión, ya sabes, soy un producto de toda la información que me llega diariamente. Todo eso me inspira a ser más creativo.

El primer álbum de Cheap Trick cumplirá 45 años, así que me gustaría llevarte hasta 1977 y que nos cuentes qué recuerdas de esos inicios con la banda.

Los setenta son mi década favorita, obviamente. Fue cuando nos contrataron y pudimos hacer un álbum, giramos con bandas como AC/DC, Ramones, salimos al mismo tiempo que esas bandas, ya sabes, Sex Pistols, Foreigner, Kansas. En esos momentos el rock estaba en la cima del mundo, era el género más importante. La música disco también era exitosa, pero existía cierto rechazo contra ella, al menos donde yo crecí.

Conocí a la banda con “Surrender” en el videojuego “Guitar Hero 2”, cuando tenía unos 12 o 13 años, eso sin duda fue como una introducción para cierta generación de fans. ¿Cómo te sientes al ver a las nuevas generaciones en los shows de Cheap Trick cantando tus canciones?

Cuando son niños de unos 8 o 9 años los subo al escenario cada vez que los veo cantando “mommy’s alright, daddy’s alright”, porque estoy realmente asombrado de que incluso siendo tan pequeños se sepan nuestras canciones (risas). Es sorprendente interactuar con gente tan joven, incluso ahora que me estás haciendo esta entrevista siendo mucho más joven que yo. Para mí la música es contagiosa, es una experiencia religiosa, una fuerza sanadora. Me siento honrado de que los jóvenes escuchen nuestras canciones.

Robin, sé que a mucha gente no le interesa el Rock And Roll Hall Of Fame, pero ustedes tuvieron la oportunidad de ser inducidos en 2016. ¿Cómo te tomaste ese reconocimiento?

Debo decirte que éramos de esas personas a las que no les interesaba. No estábamos en contra, pero no nos afectaba para nada porque Cheap Trick es una banda que se concentra en salir a tocar y componer canciones. Siempre componemos esperando que a la gente le gusten. Pasaron 25 años desde que publicamos nuestro primer disco y ese es el requisito principal para el Hall Of Fame, así que en ese momento lo conversamos en plan “de acuerdo, ahora somos elegibles, quizás nos llamen, no es gran cosa”. Luego de eso pasaron cinco años y dijimos “bueno, todavía tenemos oportunidad de estar ahí”, y así pasaron más años y fue como “no entraremos nunca”. Siguió pasando el tiempo y ya estábamos tipo “al diablo con ellos, de todas formas no tienen idea de nada” (risas). Luego recibes esa llamada y todo está perdonado, tienes tu trofeo, lo que sea que te dan, tienes la oportunidad de agradecer y en ese sentido es bueno tener ese reconocimiento. Igualmente, hay muchos artistas que lo merecen más que nosotros, deben estar rascándose la cabeza ahora pensando por qué aun no entran (risas).

De todas formas, la gente puede votar, pero también está el comité que selecciona las bandas que podrían ser inducidas.

Oh, sí. Según entiendo, hay un montón de gente de la industria que puede votar, creo que los fans también, no lo sé. Para ser sincero, no sé como llegamos ahí, la verdad. Será un misterio para siempre (risas).

Bueno, Robin, se nos acabó el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fans de Cheap Trick en nuestro país que puedan estar leyendo esta entrevista?

La última vez que estuvimos en Santiago con Deep Purple nos trataron muy bien. Me encanta Chile y me encanta Santiago, lo pasamos muy bien allá. Espero volver lo antes posible a tocar para ustedes, estoy seguro de que nos divertiremos. Habrá mucha energía porque todos nos sentimos despiertos nuevamente, hemos estado dormidos por mucho tiempo debido a esta pandemia.

Gracias por tu tiempo, Robin, fue un gran honor poder conversar contigo.

Gracias a ti por la entrevista, cuídate mucho.

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