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Steve Von Till de Neurosis: “Nuestro sonido se condice con el espectro de la emoción humana”

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Hablar de Neurosis es exponer el caso de una banda que ha sido capaz de crear su propio espacio, y hasta su propia categoría en el mundo de la música extrema y experimental, por qué no decirlo, sin ceder ni modificar sus convicciones ante la presión de la industria que, como la crítica y la audiencia, vio en ellos a un conjunto único en su especie. Es por eso que en HumoNegro no dejamos pasar la oportunidad de hablar con Steve Von Till, uno de sus miembros fundadores, acerca de la historia del grupo, su legado e influencia en las nuevas generaciones y, por supuesto, de su primera incursión en América Latina y su debut en Chile este 10 de diciembre en Club Blondie. Toda la conversación que mantuvimos con el alma y el fuego que constituyen a una verdadera agrupación legendaria y seminal como Neurosis, queda disponible para ustedes a continuación.

Más allá de los cambios en la alineación que ocurrieron al principio de su carrera, ¿cuál dirías que es la clave para mantener la misma formación por tanto tiempo?

Diría que la clave es tratarnos como hermanos los unos a los otros y la dedicación que le ponemos a este sonido, que sin duda es mucho más grande que nosotros como individuos. Es sólo a través de los filtros únicos de todos nosotros que podemos canalizar estas composiciones y así permitir que esta música salga de la atmósfera.

Ustedes han dicho en otras oportunidades que están conscientes del legado y la influencia de Neurosis en la escena del metal. ¿Cuáles son sus sentimientos al respecto?

Por supuesto que, si alguien más siente que somos una influencia o una inspiración, se trata del más alto honor que podemos recibir. Así como fuimos inspirados por nuestros héroes, esperamos que nuestro legado sea inspirar a otras personas a encontrar su propia voz y poner su corazón y alma en ello, con todo lo que tienen para dar, sin importar lo que piensen los demás.

¿Cómo describirías el cambio de paradigma en la transición del sonido de “Pain Of Mind” (1987) y “The Word As Law” (1990) hacia “Souls At Zero” (1992), y luego hacia lo que hacen actualmente?

Fue básicamente nosotros creciendo y pasando de adolescentes a adultos. Nuestra relación con los instrumentos en el inicio era bastante primitiva y en realidad no sabíamos muy bien cómo expresarnos a través de ellos, entonces lo hicimos de la manera en que lo sentimos en ese momento. Con cada paso aprendimos nuevas cosas que incorporamos en nosotros mismos. Por ejemplo, en “Souls At Zero” la adición de teclados o samples fue una gran revelación para nosotros, sin mencionar el hecho de que al fin ahí nos compramos amplificadores decentes que sonaban como lo que oíamos en nuestras cabezas, lo que nos permitió conseguir una mejor grabación de nuestro sonido real. Esa mentalidad de “crecimiento” ha continuado hasta el día de hoy; en cada álbum somos mayores, tenemos más experiencia y, con suerte, somos más sabios, entonces podemos obtener una mayor profundidad y, al mismo tiempo, ampliar el espectro de cada paso en nuestra evolución. Cada vez que creamos nueva música, se trata de lo mejor que somos capaces de hacer en ese momento de nuestras vidas y es la versión más evolucionada de nosotros mismos. Y así hasta la vez siguiente.

Si miras en retrospectiva, hacia el comienzo de Neurosis, ¿te imaginarías que 30 años después el grupo estaría aún activo y, sobre todo, relevante? ¿Cuáles eran tus expectativas en aquellos días?

En esos días nuestras únicas expectativas eran mantenernos creando música, grabando y sobre todo encontrar el siguiente lugar para tocar. Teníamos la esperanza de llegar a alguna parte con la banda, pero era un sueño más que algo alcanzable. Somos afortunados, aunque todo se debe a nuestro trabajo arduo.

En los shows conmemorativos que dieron el año pasado debido al 30° aniversario, hubo muchas canciones que no tocaban hace mucho tiempo o que simplemente nunca habían tocado. ¿Qué podrías contarnos de aquello? Y, por otra parte, ¿alguna de esas canciones estará presente en los setlists sudamericanos?

Definitivamente nuestra mirada está puesta en el presente y en el futuro, y no miramos hacia atrás muy a menudo. Parece que nuestras canciones tienen una vida útil determinada, y cuando la energía comienza a desvanecerse, las guardamos o las enterramos. Se siente mal interpretar algo que no nos inspira, que no nos permita abstraernos y perdernos en la profundidad de sus acordes. Fue divertido y nostálgico hacerlo esa vez, volver a tocar cosas muy viejas para el 30° aniversario; aprendimos que las primeras cosas definitivamente están muertas y que quizá nunca más volveremos a tocar material de los primeros dos álbumes. De todas formas, nos sorprendió encontrar un par de temas de “Souls At Zero” y de “Enemy Of The Sun” que aún se siente que tienen un poco de vida, por lo tanto, tocaremos algo de eso en Sudamérica.

Considerando toda la discografía de Neurosis, ¿hay alguno que sea especial para ti por alguna razón?

El disco más reciente siempre es el más especial porque es el más inspirado y el más representativo de quienes somos, de lo que hacemos en esta época, en este momento. Por lo tanto, me quedo con “Fires Within Fires” (2016).

¿Qué puedes decirnos sobre la forma en que los tópicos oscuros y sombríos influyen en el desarrollo de la música de la banda, considerando el hecho de que han pasado más de tres décadas y hoy todo es diferente?

¿Acaso no es así la vida realmente? La vida es oscuridad y es luz, así es nuestra música también. Siento que nuestro sonido se condice con el espectro de la emoción humana y la profundidad de lo que significa la capacidad de pensar, de sentir y de ser humanos en este mundo, mientras contemplamos y analizamos nuestro lugar en él. Pero tienes razón, es probable que nos inclinemos hacia el lado más oscuro en general, aunque creo que esta música es una salida positiva para tales emociones, y nos permite limpiarnos enfrentando esos aspectos más oscuros de nosotros mismos.

Es posible decir que en la última década Neurosis apenas sale de gira y publica discos con poca frecuencia, principalmente porque para ustedes no es algo de tiempo completo, como lo fue en los noventa, por ejemplo. ¿Cómo describirías la forma en que este distanciamiento ha dado forma a sus nuevas composiciones?

Dejamos de hacer giras de tiempo completo hace aproximadamente 17 años. Para nosotros, la vida estaba desequilibrada como padres, maridos e incluso como miembros de Neurosis. Esta música requiere un nivel de honestidad que no permite que se convierta en parte de una industria o algo así, todo tiene que ser puro y nos dimos cuenta de eso. Entonces, retrocedimos lo suficiente para mantener las cosas balanceadas y bajo nuestro control sin influencias externas. En la última década, de hecho, hemos encontrado y aumentado una frecuencia para este aspecto; realizamos alrededor de 25 a 30 presentaciones al año y seguimos tocando en todo Estados Unidos y Europa a nuestro propio ritmo, lo que tiene sentido con nuestras vidas, empleos y familias, sin mencionar que en los últimos años hemos tocado en más lugares nuevos, que no habíamos visitado antes, como América del Sur, por ejemplo.

Los seguidores latinoamericanos, y sobre todo los chilenos, están muy entusiasmados por la visita de Neurosis, y además se sienten privilegiados de verlos en vivo gracias a esta gira que los trae por primera vez a esta parte del continente. Considerando todos los años de espera, ¿tienen algo especial preparado y cuáles son sus expectativas frente a la fecha en Chile?

Lo especial será el hecho de que habrá un par de temas relativamente antiguos que no solíamos tocar. Por otra parte, nuestras expectativas son simples: esperamos encontrar espíritus similares a nosotros y fanáticos de la música, en un lugar nuevo en el que nunca hemos estado antes. De verdad nos sentimos muy agradecidos por la oportunidad de entregarles la música más sincera, intensa y emocional que podamos.

Se nos acaba el tiempo. Muchas gracias, Steve, y nos vemos el domingo.

Gracias a ustedes. Nos vemos en el concierto.

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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