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Steve Rothery: “Ya nadie disfruta la experiencia de esperar por un álbum”

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La historia de Marillion con nuestro país ya lleva varios capítulos. Sin ir más lejos, fue apenas en mayo de este año cuando Santiago recibió el “Marillion Weekend”, evento realizado durante tres días en el Teatro Caupolicán que pudo ratificar el amor especial que Chile siente por el conjunto británico. Tan solo algunos meses después de eso, su guitarrista Steve Rothery volverá a nuestro país de manera solista, presentando un show que mezcla su material con los clásicos de la primera etapa de Marillion, esa que tuvo al icónico Fish como su frontman.

Con el fin de amenizar la espera para el 4 de diciembre, día en que Rothery se presentará en el Teatro Nescafé De Las Artes, es que conversamos con el legendario guitarrista, quien nos contó sobre sus recuerdos de Santiago, su pasión por la fotografía y el espacio, además de los planes a futuro de Marillion. Te dejamos a continuación con nuestra entrevista completa al destacado compositor británico.

Hola, Steve. ¿Te gustaría que comenzáramos esta entrevista?

Hola, por supuesto, estoy caminando por un parque en estos momentos. Es parte de lo que hago en mis tiempos libres (risas).

Genial, comencemos entonces. Vuelves a tocar en Santiago nuevamente este año. Luego de tu paso con Marillion en mayo, esta vez te presentarás con The Steve Rothery Band. ¿Qué nos puedes contar sobre este show?

Así es, este es un show en dos partes. La primera mitad consiste en canciones de mi álbum “The Ghost Of Pripyat” (2014), que es música muy basada en la guitarra, con pasajes más instrumentales y atmosféricos. Luego de una pequeña pausa, regresamos para tocar canciones de Marillion, enfocándonos en aquellas que ya no tocamos en vivo con la formación actual, principalmente de los primeros cuatro álbumes. Esa parte es como una especie de celebración a la música de la banda, ya que compuse un gran porcentaje de canciones en los primeros años. Para mí es genial poder tocar nuevamente temas como “Fugazi”, “Incubus” o “Cinderella Search”. Tenemos un vocalista invitado para esta gira sudamericana, mi gran amigo Gabriel Agudo, que también es vocalista de Bad Dreams, una banda argentina muy buena. Él es un gran frontman y hace un muy buen trabajo interpretado las canciones de Fish.

Probablemente toquemos algunas canciones de álbumes más recientes, pero básicamente es ese show de dos partes el que hemos tocado alrededor del mundo y funciona muy bien. Creo que será muy especial, Santiago es la plaza que probablemente más espero, es la fanaticada más grande que tenemos en Sudamérica, así que este álbum será una enorme fiesta.

Estuve presente en dos noches del “Marillion Weekend” este año y me sorprendió mucho el inmenso amor que la fanaticada en nuestro país siente por la banda. ¿Qué es lo que más te llama la atención en Chile?

Bueno, tengo algunos amigos en Chile, esta actividad del Marillion Weekend se convirtió en algo más social y la gente no sólo disfrutó el show. De hecho, la última vez tuve la oportunidad de ir al Observatorio Paranal, en el norte de Chile, donde viví una tremenda experiencia al estar en las montañas presenciando las estrellas en el cielo. Y es algo que haré de nuevo este año, ya que al finalizar la gira sudamericana me iré unos días al norte de Chile nuevamente, será muy divertido. Esa vez no tuve la oportunidad de conocer el resto de país, es uno de mis pocos arrepentimientos. Algunos amigos me han dicho lo hermoso que es el sur de Chile, quizás algún día pueda explorar más del país.

Es curioso el interés que varios músicos sienten por el Observatorio Paranal, Brian May lo ha visitado algunas veces, incluso Steven Wilson grabó un videoclip ahí. No tenía idea que tuviste la oportunidad de conocerlo.

Si, incluso hay algunas fotografías en mi página de Facebook. Siempre he sido muy apasionado por el espacio, mi próximo proyecto es un álbum con una temática espacial, donde incluso una de las canciones está basada en el Paranal, quizás me inspire a hablar más de él en el álbum final.

¿Cuándo tendremos novedades sobre este lanzamiento?

En algún momento del próximo año, ya que estoy trabajando en muchos proyectos actualmente. Estoy componiendo algunos tracks con Steve Hackett, haremos un álbum nuevo con Marillion en algún punto también, ya sabes, me gusta mantenerme ocupado (risas). Como notarás, siempre están pasando muchas cosas, quizás ahora me embarque en la segunda parte de mi libro de fotografías “Postcards From The Road”, así que se ve un futuro muy ocupado.

Precisamente me gustaría conversar sobre tu pasión por la fotografía. Lanzaste un libro con fotografías que has tomado durante las giras, capturando la esencia y el contexto de lo que te rodea. ¿Pudiste hacer algo de eso en nuestro país? ¿Algo que quizás quieras usar en algún otro libro a futuro?

Una de las principales razones por las que vuelvo al Paranal es para hacer fotos, las que probablemente sean usadas en mi álbum sobre el espacio. Quizás haga un videoclip también, ya que me inspiré mucho durante las horas que estuve ahí.

¿Cómo surgió en ti esa pasión por la fotografía? ¿Fue antes o después de la música?

Creo que fue al mismo tiempo. Como a los quince aprendí a tocar guitarra, y más o menos a esa edad es que obtuve una antigua cámara Zenith rusa, y justo vivo en una ciudad pesquera en el norte de Yorkshire que es muy fotogénica. Solía tomar fotos de los alrededores, y luego, gracias a Marillion, tuve el dinero para comprar una cámara decente, así que mi técnica fue progresando con el correr de los años. Me gusta mucho tomar fotos en blanco y negro, creo que de eso será el segundo volumen del libro.

Pasemos a tu álbum “The Ghost Of Pripyat”, el que realizaste mediante una campaña de crowdfunding a través de Kickstarter, siendo un pionero en esta forma de grabar un disco. ¿Por qué decidiste hacerlo de esa manera?

Tuve la idea de hacer un álbum instrumental durante casi 20 años. Miles Copeland se me acercó para hacer un disco en 1993 más o menos, luego fui invitado a tocar en un festival en Bulgaria en 2013, donde acepté inmediatamente. Ahí me di cuenta de que debía componer algo de música y tener una banda para poder tocar, por lo que junté a algunos amigos con los que había buena química y compusimos algunas cosas. Dave Foster también estuvo presente en las sesiones, creamos algunas ideas juntos, fue por eso que decidí hacer un álbum. Tenía la opción de hacerlo rápido y barato, o tomarme mi tiempo y que fuera algo especial, por lo que la mejor opción para lo segundo era el crowdfunding, considerando que Marillion fue pionera de ese modelo. Logramos el 50 por ciento de la meta en uno o dos días, recaudando más de tres veces lo que se necesitaba finalmente, eso me ayudó a transformar mi estudio y entregarle un mejor lugar de trabajo a mi banda, además de que fuimos a un estudio de clase mundial para grabar y componer durante unos cuatro días. Es algo bastante curioso, hay gente que apoya estas iniciativas porque les gusta estar involucradas en el proyecto, aunque también está el caso cuando Marillion hizo un crowdfunding y la gente se quejó. Son diferentes tipos de personas, es bueno igualmente saber qué hay gente que se siente cómoda con su nombre en el booklet o con estar presentes en el lanzamiento, o lo que sea.

Hablando de Marillion, tu eres el único miembro que permanece desde el inicio de la banda. Luego de todos estos años, ¿te sientes como el responsable de mantener a la Marillion con vida?

(Risas) Bueno, igual nos consideramos un colectivo, básicamente. Trabajamos muy bien juntos la mayor parte del tiempo, creo que ya van una cantidad considerable de años con esta formación. Todos somos un poco peculiares, o excéntricos, pero nos entendemos entre nosotros, que es lo importante. Mantener una banda activa durante tantos años es un logro significativo, además de que artísticamente aún estamos en nuestro peak. Creo que “Fuck Everyone And Run (F E A R)” (2016) es uno de los mejores discos que hemos hecho, y comercialmente estuvo muy bien, lo que demuestra el momento en que estamos como banda.

Estuvimos tocando en Londres hace algunos días y fue un gran éxito. Nos sentimos como si llegó nuestro momento de nuevo; tal vez seamos una especie de sobrevivientes, porque con el ascenso de las redes sociales las grandes compañías ya no existen más y los artistas ya no tienen mucho control sobre su trabajo como antes. Hoy en día se está más expuesto y es mucho más fácil que alguien acceda a tu música.

Gracias al fenómeno de internet y las plataformas de streaming, los chicos hoy en día tienen toda la información sobre una banda, accediendo a discografías completas sin mayores problemas. Producto de eso, hay ocasiones en que ni siquiera logran evidenciar la evolución de una banda, el cambio de estilo entre un álbum y otro, ente otras cosas, porque todo está ahí al alcance. Considerando esa instantaneidad, ¿sientes que es más difícil hacer nuevos fans en la actualidad?

Absolutamente, estoy de acuerdo contigo. Eso es algo que depende de muchos factores. En Santiago, por ejemplo, sonamos en las radios, por ende nuestro público tiene entre 18 a 60 años. En algunos lugares de Europa, por ejemplo, ves al público y ellos tienen entre 40 a 50 años. El problema con todas estas plataformas, más allá de que descubres una banda de la forma que me mencionas, es que nadie disfruta la experiencia de esperar por un álbum. Con toda la instantaneidad y el rápido acceso a la música, se genera un fenómeno en que las bandas más antiguas terminan rindiéndose, o incluso las más jóvenes ni siquiera se esfuerzan por llegar a la cima, ven esto como un trabajo de medio tiempo porque no pueden luchar contra la ausencia de compañías discográficas y la clase exposición que tienes actualmente.

Esto es un periodo de transición, aún hay bandas que tienen un catálogo razonable y pueden tocar frente a una gran cantidad de público. Lo siento más por los artistas nuevos, porque es difícil mantener el interés de la gente y, por ende, es mucho más difícil que logren trascender en el tiempo.

Marillion siempre ha destacado por crear música inspirándose en el contexto social que atraviesa el mundo en un momento determinado. Con tantas cosas pasando a nivel político y social actualmente, ¿hay motivación de componer un álbum nuevo?

La hay, pero el problema es que aún estamos muy ocupados. Hemos estado girando durante todo el año, todavía nos quedan algunos shows en Inglaterra, luego tomaremos un descanso. En esa pausa yo iré a Sudamérica para hacer mis shows, y el próximo año ya está más o menos ocupado. Marillion no tendrá tiempo para trabajar en un nuevo álbum probablemente hasta septiembre, si es que tenemos suerte. En febrero haremos un show en un crucero para un gran festival que se hará en el mar, luego tendré una gira europea con mi banda solista, y con Marillion también tendremos varios shows en Norteamérica. Si te soy realista, yo no esperaría por un nuevo álbum de la banda hasta 2020, posiblemente 2021, eso dependerá de cuán fácil se dé el proceso de composición. Estamos muy ocupados aún.

Bueno, Steve, estamos terminando esta entrevista. ¿Quieres decirle algo a quienes esperan por ti acá en nuestro país?

Por supuesto. Espero que vengan al concierto porque será algo realmente especial. Estoy muy ansioso por volver a tocar allá, en el mismo teatro donde tocamos con Marillion hace algunos años. Vengan y disfruten nuestra música, estoy seguro de que nadie se sentirá decepcionado.

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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