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Steve Rothery: “Ya nadie disfruta la experiencia de esperar por un álbum”

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La historia de Marillion con nuestro país ya lleva varios capítulos. Sin ir más lejos, fue apenas en mayo de este año cuando Santiago recibió el “Marillion Weekend”, evento realizado durante tres días en el Teatro Caupolicán que pudo ratificar el amor especial que Chile siente por el conjunto británico. Tan solo algunos meses después de eso, su guitarrista Steve Rothery volverá a nuestro país de manera solista, presentando un show que mezcla su material con los clásicos de la primera etapa de Marillion, esa que tuvo al icónico Fish como su frontman.

Con el fin de amenizar la espera para el 4 de diciembre, día en que Rothery se presentará en el Teatro Nescafé De Las Artes, es que conversamos con el legendario guitarrista, quien nos contó sobre sus recuerdos de Santiago, su pasión por la fotografía y el espacio, además de los planes a futuro de Marillion. Te dejamos a continuación con nuestra entrevista completa al destacado compositor británico.

Hola, Steve. ¿Te gustaría que comenzáramos esta entrevista?

Hola, por supuesto, estoy caminando por un parque en estos momentos. Es parte de lo que hago en mis tiempos libres (risas).

Genial, comencemos entonces. Vuelves a tocar en Santiago nuevamente este año. Luego de tu paso con Marillion en mayo, esta vez te presentarás con The Steve Rothery Band. ¿Qué nos puedes contar sobre este show?

Así es, este es un show en dos partes. La primera mitad consiste en canciones de mi álbum “The Ghost Of Pripyat” (2014), que es música muy basada en la guitarra, con pasajes más instrumentales y atmosféricos. Luego de una pequeña pausa, regresamos para tocar canciones de Marillion, enfocándonos en aquellas que ya no tocamos en vivo con la formación actual, principalmente de los primeros cuatro álbumes. Esa parte es como una especie de celebración a la música de la banda, ya que compuse un gran porcentaje de canciones en los primeros años. Para mí es genial poder tocar nuevamente temas como “Fugazi”, “Incubus” o “Cinderella Search”. Tenemos un vocalista invitado para esta gira sudamericana, mi gran amigo Gabriel Agudo, que también es vocalista de Bad Dreams, una banda argentina muy buena. Él es un gran frontman y hace un muy buen trabajo interpretado las canciones de Fish.

Probablemente toquemos algunas canciones de álbumes más recientes, pero básicamente es ese show de dos partes el que hemos tocado alrededor del mundo y funciona muy bien. Creo que será muy especial, Santiago es la plaza que probablemente más espero, es la fanaticada más grande que tenemos en Sudamérica, así que este álbum será una enorme fiesta.

Estuve presente en dos noches del “Marillion Weekend” este año y me sorprendió mucho el inmenso amor que la fanaticada en nuestro país siente por la banda. ¿Qué es lo que más te llama la atención en Chile?

Bueno, tengo algunos amigos en Chile, esta actividad del Marillion Weekend se convirtió en algo más social y la gente no sólo disfrutó el show. De hecho, la última vez tuve la oportunidad de ir al Observatorio Paranal, en el norte de Chile, donde viví una tremenda experiencia al estar en las montañas presenciando las estrellas en el cielo. Y es algo que haré de nuevo este año, ya que al finalizar la gira sudamericana me iré unos días al norte de Chile nuevamente, será muy divertido. Esa vez no tuve la oportunidad de conocer el resto de país, es uno de mis pocos arrepentimientos. Algunos amigos me han dicho lo hermoso que es el sur de Chile, quizás algún día pueda explorar más del país.

Es curioso el interés que varios músicos sienten por el Observatorio Paranal, Brian May lo ha visitado algunas veces, incluso Steven Wilson grabó un videoclip ahí. No tenía idea que tuviste la oportunidad de conocerlo.

Si, incluso hay algunas fotografías en mi página de Facebook. Siempre he sido muy apasionado por el espacio, mi próximo proyecto es un álbum con una temática espacial, donde incluso una de las canciones está basada en el Paranal, quizás me inspire a hablar más de él en el álbum final.

¿Cuándo tendremos novedades sobre este lanzamiento?

En algún momento del próximo año, ya que estoy trabajando en muchos proyectos actualmente. Estoy componiendo algunos tracks con Steve Hackett, haremos un álbum nuevo con Marillion en algún punto también, ya sabes, me gusta mantenerme ocupado (risas). Como notarás, siempre están pasando muchas cosas, quizás ahora me embarque en la segunda parte de mi libro de fotografías “Postcards From The Road”, así que se ve un futuro muy ocupado.

Precisamente me gustaría conversar sobre tu pasión por la fotografía. Lanzaste un libro con fotografías que has tomado durante las giras, capturando la esencia y el contexto de lo que te rodea. ¿Pudiste hacer algo de eso en nuestro país? ¿Algo que quizás quieras usar en algún otro libro a futuro?

Una de las principales razones por las que vuelvo al Paranal es para hacer fotos, las que probablemente sean usadas en mi álbum sobre el espacio. Quizás haga un videoclip también, ya que me inspiré mucho durante las horas que estuve ahí.

¿Cómo surgió en ti esa pasión por la fotografía? ¿Fue antes o después de la música?

Creo que fue al mismo tiempo. Como a los quince aprendí a tocar guitarra, y más o menos a esa edad es que obtuve una antigua cámara Zenith rusa, y justo vivo en una ciudad pesquera en el norte de Yorkshire que es muy fotogénica. Solía tomar fotos de los alrededores, y luego, gracias a Marillion, tuve el dinero para comprar una cámara decente, así que mi técnica fue progresando con el correr de los años. Me gusta mucho tomar fotos en blanco y negro, creo que de eso será el segundo volumen del libro.

Pasemos a tu álbum “The Ghost Of Pripyat”, el que realizaste mediante una campaña de crowdfunding a través de Kickstarter, siendo un pionero en esta forma de grabar un disco. ¿Por qué decidiste hacerlo de esa manera?

Tuve la idea de hacer un álbum instrumental durante casi 20 años. Miles Copeland se me acercó para hacer un disco en 1993 más o menos, luego fui invitado a tocar en un festival en Bulgaria en 2013, donde acepté inmediatamente. Ahí me di cuenta de que debía componer algo de música y tener una banda para poder tocar, por lo que junté a algunos amigos con los que había buena química y compusimos algunas cosas. Dave Foster también estuvo presente en las sesiones, creamos algunas ideas juntos, fue por eso que decidí hacer un álbum. Tenía la opción de hacerlo rápido y barato, o tomarme mi tiempo y que fuera algo especial, por lo que la mejor opción para lo segundo era el crowdfunding, considerando que Marillion fue pionera de ese modelo. Logramos el 50 por ciento de la meta en uno o dos días, recaudando más de tres veces lo que se necesitaba finalmente, eso me ayudó a transformar mi estudio y entregarle un mejor lugar de trabajo a mi banda, además de que fuimos a un estudio de clase mundial para grabar y componer durante unos cuatro días. Es algo bastante curioso, hay gente que apoya estas iniciativas porque les gusta estar involucradas en el proyecto, aunque también está el caso cuando Marillion hizo un crowdfunding y la gente se quejó. Son diferentes tipos de personas, es bueno igualmente saber qué hay gente que se siente cómoda con su nombre en el booklet o con estar presentes en el lanzamiento, o lo que sea.

Hablando de Marillion, tu eres el único miembro que permanece desde el inicio de la banda. Luego de todos estos años, ¿te sientes como el responsable de mantener a la Marillion con vida?

(Risas) Bueno, igual nos consideramos un colectivo, básicamente. Trabajamos muy bien juntos la mayor parte del tiempo, creo que ya van una cantidad considerable de años con esta formación. Todos somos un poco peculiares, o excéntricos, pero nos entendemos entre nosotros, que es lo importante. Mantener una banda activa durante tantos años es un logro significativo, además de que artísticamente aún estamos en nuestro peak. Creo que “Fuck Everyone And Run (F E A R)” (2016) es uno de los mejores discos que hemos hecho, y comercialmente estuvo muy bien, lo que demuestra el momento en que estamos como banda.

Estuvimos tocando en Londres hace algunos días y fue un gran éxito. Nos sentimos como si llegó nuestro momento de nuevo; tal vez seamos una especie de sobrevivientes, porque con el ascenso de las redes sociales las grandes compañías ya no existen más y los artistas ya no tienen mucho control sobre su trabajo como antes. Hoy en día se está más expuesto y es mucho más fácil que alguien acceda a tu música.

Gracias al fenómeno de internet y las plataformas de streaming, los chicos hoy en día tienen toda la información sobre una banda, accediendo a discografías completas sin mayores problemas. Producto de eso, hay ocasiones en que ni siquiera logran evidenciar la evolución de una banda, el cambio de estilo entre un álbum y otro, ente otras cosas, porque todo está ahí al alcance. Considerando esa instantaneidad, ¿sientes que es más difícil hacer nuevos fans en la actualidad?

Absolutamente, estoy de acuerdo contigo. Eso es algo que depende de muchos factores. En Santiago, por ejemplo, sonamos en las radios, por ende nuestro público tiene entre 18 a 60 años. En algunos lugares de Europa, por ejemplo, ves al público y ellos tienen entre 40 a 50 años. El problema con todas estas plataformas, más allá de que descubres una banda de la forma que me mencionas, es que nadie disfruta la experiencia de esperar por un álbum. Con toda la instantaneidad y el rápido acceso a la música, se genera un fenómeno en que las bandas más antiguas terminan rindiéndose, o incluso las más jóvenes ni siquiera se esfuerzan por llegar a la cima, ven esto como un trabajo de medio tiempo porque no pueden luchar contra la ausencia de compañías discográficas y la clase exposición que tienes actualmente.

Esto es un periodo de transición, aún hay bandas que tienen un catálogo razonable y pueden tocar frente a una gran cantidad de público. Lo siento más por los artistas nuevos, porque es difícil mantener el interés de la gente y, por ende, es mucho más difícil que logren trascender en el tiempo.

Marillion siempre ha destacado por crear música inspirándose en el contexto social que atraviesa el mundo en un momento determinado. Con tantas cosas pasando a nivel político y social actualmente, ¿hay motivación de componer un álbum nuevo?

La hay, pero el problema es que aún estamos muy ocupados. Hemos estado girando durante todo el año, todavía nos quedan algunos shows en Inglaterra, luego tomaremos un descanso. En esa pausa yo iré a Sudamérica para hacer mis shows, y el próximo año ya está más o menos ocupado. Marillion no tendrá tiempo para trabajar en un nuevo álbum probablemente hasta septiembre, si es que tenemos suerte. En febrero haremos un show en un crucero para un gran festival que se hará en el mar, luego tendré una gira europea con mi banda solista, y con Marillion también tendremos varios shows en Norteamérica. Si te soy realista, yo no esperaría por un nuevo álbum de la banda hasta 2020, posiblemente 2021, eso dependerá de cuán fácil se dé el proceso de composición. Estamos muy ocupados aún.

Bueno, Steve, estamos terminando esta entrevista. ¿Quieres decirle algo a quienes esperan por ti acá en nuestro país?

Por supuesto. Espero que vengan al concierto porque será algo realmente especial. Estoy muy ansioso por volver a tocar allá, en el mismo teatro donde tocamos con Marillion hace algunos años. Vengan y disfruten nuestra música, estoy seguro de que nadie se sentirá decepcionado.

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Entrevistas

Philip Selway de Radiohead: “Queremos volver a Sudamérica, pero no hay nada concreto por el momento”

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Philip Selway

No hay duda de que Radiohead es una de las bandas más queridas por los chilenos, algo comprobado durante los dos shows que los británicos realizaron en Santiago el año 2009. Ahora, ocho años después, sus fanáticos todavía siguen esperando por buenas noticias de parte de Thom Yorke y compañía, ya que la gira de su álbum “The King Of Limbs” (2011) no pasó por Sudamérica, y en cuanto al periplo que promociona “A Moon Shaped Pool” (2016), su último trabajo, todavía no da pistas de llegar a nuestro territorio. En estos momentos, gran parte de sus integrantes se encuentran trabajando en proyectos de carácter solista, como es el caso del baterista Philip Selway, que en octubre lanzó el soundtrack para la película “Let Me Go” (Polly Steele, 2017), su tercer trabajo de manera solitaria dentro de su carrera.

Bajo ese contexto, tuvimos la oportunidad única de entrevistar a Selway, quien nos atendió amablemente al teléfono desde Londres para contarnos sobre sus proyectos actuales y la manera en que trabaja al momento de entrar al estudio, entre otras cosas. Siempre alegre y muy abierto a responder todas nuestras interrogantes, el músico nos comentó sobre la creación de su último disco, por qué decidió hacer álbumes de manera solista, en qué se encuentra Radiohead en estos momentos, como fue el proceso detrás de “A Moon Shaped Pool”, su pequeño cameo en una película de Harry Potter, y lo que todos quieren saber: qué tan posible es tener a Radiohead en sudamérica durante 2018. Te dejamos a continuación con la conversación entre HumoNegro y Phil Selway.

Acabas de lanzar en octubre el soundtrack de la película “Let Me Go”, ¿qué nos puedes contar sobre el proceso detrás de él?

Bueno, este fue mi primer soundtrack, así que tuve que aprender muchas cosas. Se acercaron a mí cuando recién estaban iniciando el proceso de hacer la película, conversé con la directora Polly Steele y la productora Lizzie Pickering cuando apenas estaban consiguiendo el financiamiento. Polly había trabajado en el guion por varios años y tenía la idea de preguntarme si yo estaba interesado en trabajar haciendo la música. Así se dio todo, básicamente estuve involucrado durante casi toda la producción, en un principio sólo tenía algunas ideas de lo que iba a realizar.

En cierto punto estaba trabajando paralelamente en el último álbum de Radiohead, “A Moon Shaped Pool”, así que durante las mañanas lo hacía en lo del soundtrack. Discutimos varias ideas y presencié mucho de lo que ocurrió en la producción, conocí al casting, e incluso revisé la cinematografía con el fin de incorporar esos elementos dentro de la banda sonora, ya que eso afecta el tono de la música. Como te dije, tuve que aprender muchas cosas porque este fue mi primer –y único– soundtrack hasta el momento, pero haber tenido la posibilidad de estar envuelto desde prácticamente el principio fue una experiencia muy enriquecedora, aprendí mucho sobre cómo hacer una OST y también sobre cómo se hace una película.

¿Es más complicado hacer música específicamente para una película en vez de un álbum solista o con Radiohead?

No es tanto más complicado como podría parecer; de hecho, creo que es bastante interesante trabajar sin los parámetros de ese “esfuerzo creativo” de alguien más, eso es algo que se tiene cuando eres parte de una banda. Aquí se hace un trabajo más personal, utilizas tu propia manera para conseguir el tono adecuado, el ambiente ideal para las escenas, por ende, estás trabajando con un molde predeterminado, lo que es muy inspirador y, a su vez, como no estás trabajando un álbum solista, debes encontrar un camino especifico para desarrollar la música.

No todo lo que pienses para el soundtrack debe funcionar realmente, ahí está la diversión cuando trabajas con parámetros ya establecidos. Cuando haces un disco solista o un disco con tu banda puedes ir en cualquier dirección, lo que es más liberador, pero también más intimidante. Esa presión al trabajar es buena, y es genial que te pidan hacer una colaboración de esa manera.

Quiero pasar a tu primer álbum solista, “Familial” (2010), donde pudiste colaborar con varios músicos. ¿Por qué quisiste hacer un álbum solista en ese momento?

Hace unos diez años me surgió la idea de hacer un álbum solista. De hecho, en 2007 comencé a componer cosas para “Familial”; siempre estaba planteando algunas ideas en la banda y algunas se iban desarrollando. En cierto momento tuve una colección de canciones y sentía que no estaría del todo bien adaptarlas al contexto de Radiohead porque iban en una dirección diferente musicalmente. Estar en Radiohead es fantástico, todos estamos muy orgullosos de eso, pero ahí tengo un rol en específico que es ser el baterista. Había un montón de elementos músicales que quería explorar, además de algunas canciones que eran de carácter más personal para mí, así que todo terminó dándose de manera natural. Era lo más sensato hacer un álbum como solista.

Sé que hacer un soundtrack siempre fue tu sueño. Ahora que ya lograste cumplirlo, ¿qué es lo que sigue en tu carrera solista?

Hacer más soundtracks, espero (risas). Quiero hacer más álbumes solistas porque cada colaboración artística en que uno se involucra presenta nuevos desafíos, expande tu espectro de maneras que quizás no esperarías. Encuentro que todo eso es muy emocionante, tengo muchas cosas por aprender todavía. Cuando tocas o compones, siempre será de la forma que tú quieras, y con Radiohead también pasa lo mismo. Siempre hay algún objetivo que alcanzar en la música, eso es lo que motiva a continuar adelante.

¿Cómo va todo con Radiohead? ¿En qué punto se encuentran en estos momentos?

Actualmente, estamos discutiendo la posibilidad de girar el próximo año, y es necesario conversarlo porque casi todos estamos haciendo cosas de manera solista. Una vez que podamos dilucidar lo que queremos hacer en términos musicales durante el próximo año, será algo así como una culminación, ya que pasará un buen tiempo antes de hacer otras cosas; es importante pensar bien la forma que le daremos a la música que vayamos realizando. Ya estamos acostumbrados a trabajar durante un período muy largo de tiempo, lo hemos hecho durante los últimos 15 años. Entre comenzar a hacer un álbum, grabarlo, irnos de gira, y otras cosas, eso nos toma una buena cantidad de años, luego nos alejamos un poco de aquello para pensar lo que haremos a continuación. Estamos bien ocupados con nuestros proyectos, lo estamos disfrutando y no estamos pensando realmente en lo que viene para el futuro.

Quisiera que hablemos de “A Moon Shaped Pool”, el último álbum de Radiohead. Considero que este disco logra reflejar la sólida capacidad de composición que tiene la banda, demostrando que trabajan muy bien entre todos. ¿Fue un proceso demasiado exigente para lograr un resultado así de satisfactorio?

Hicimos una buena cantidad de sesiones en nuestro estudio. Inicialmente nos restringimos a trabajar en sólo ocho canciones, pero eso se expandió a dieciséis porque estábamos muy enfocados en desarrollar lo que estábamos haciendo. Construimos un montón de canciones y durante la edición tuvimos que decidir con cuáles nos moveríamos, eso le dio un impulso a nuestro trabajo. Es un privilegio entendernos tan bien entre nosotros musicalmente hablando, aunque en cierto punto debes tomar decisiones y llegar a un acuerdo, por lo que las sesiones ayudaron a regresar esa disciplina de trabajo. En resumidas cuentas, todo eso colaboró en el proceso, fue bueno enfocarse en mantener esa disciplina y comprender el arte de llegar a un consenso (risas).

Phil, sé que aún están hablando sobre el futuro de la banda, pero debo preguntarte lo que todos quieren saber: ¿tendremos la posibilidad de ver a Radiohead en Sudamérica el próximo año?

Realmente espero que así sea. Es algo que hemos estado conversando con la banda en estos días; queremos volver a Sudamérica, pero no hay nada concreto para anunciar o comentarte en estos momentos. Ha pasado mucho tiempo, desde 2009 que no vamos para allá, y desde mi punto de vista siento que ya ha pasado demasiado, así que espero volver.

Esperemos que esto se concrete, tenemos muchas ganas de verlos acá. ¿Cuáles son tus mejores recuerdos de la gira sudamericana en 2009?

Hicimos muchos shows en una cantidad de tiempo muy corta y todos fueron maravillosos. Buenos Aires fue un concierto increíble, estoy agradecido de haber llegado a lugares que no es tan fácil ir. Cuando acaba un concierto regresas a casa, pero tu música no, sigue allá con los fans y, como es muy bien recibida, termina significando algo para la gente, la acompaña todos los días. En el momento que estás allá es realmente increíble presenciar lo mucho que tu música significa en sus vidas, para una banda tener ese privilegio es algo increíble.

Desde que vi tu cameo junto a Jonny Greenwood y Jarvis Cocker en “Harry Potter And The Goblet Of Fire” (Mike Newell, 2005), siempre quise preguntarte esto: ¿cómo terminaron siendo parte de la saga “Harry Potter”?

Bueno, recibimos una carta desde Hogwarts y ese fue el inicio de nuestro viaje (risas). Sería genial contarte esa historia, pero fue así: había una banda ficticia que debía aparecer en la película, The Weird Sisters, y tocaban en Hogwarts. En un principio, nos invitaron junto a Jonny para hacer algunas sesiones de estudio, las que resultaron muy bien, por ende, nos invitaron a ser parte de la película. Estuvimos alrededor de tres días grabando nuestras escenas en un enorme estudio ubicado en Leeds, Inglaterra, donde hacen la mayoría de las películas, y fue increíble, realmente nos sentimos como si vivimos toda esa magia del mundo de Harry Potter durante nuestra estadía (risas).

Además de la batería, también tocas la guitarra. ¿Por qué optaste por perfeccionarte más en el primer instrumento?

Desde siempre amé la batería, era algo que me interesaba dentro de la música. Me especialicé mucho en ella y al mismo tiempo igual estaba tocando guitarra. Pero cuando llegué a Radiohead ahí todos tocan guitarra y no había un baterista, así que tuve que ocupar ese puesto (risas).

Phil, creo que nos estamos quedando sin tiempo, esta entrevista se pasó volando. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a tus fans en Chile para finalizar?

Espero que podamos cantar juntos muy pronto, lo pasé muy bien cuando estuvimos en Santiago. Realmente quiero volver a Chile, les agradezco por seguir interesados en nuestra música y en la banda.

Muchas gracias por tu tiempo, Phil, esperamos verte pronto por acá.

Gracias a ti por tu tiempo, Manuel. Cuídate mucho. ¡Hasta pronto!

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