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Steve Hackett: “La música tiene el poder para transformar a las sociedades”

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Año 1970. Genesis triunfaba en la música luego de lanzar “Trespass”, su segundo álbum de estudio, cuando el guitarrista Anthony Philips decide abandonar la banda abruptamente. Para suplirlo, ingresó un joven y poco experto Steve Hackett, quien, desde los tiempos de “Nursery Cryme” (1971), se hizo parte de una de las alineaciones más clásicas dentro de la historia de la banda. Luego de seis álbumes de estudio, abandonó la agrupación para dedicarse de lleno a su carrera solista, lanzando una gran variedad de discos y colaboraciones con otros artistas.

Ahora Steve regresará a nuestro país con su “Genesis Revisited Solo Gems & Gtr 2018”, donde promete un repaso completo a toda su carrera, desde su estadía en la mítica banda inglesa, hasta sus trabajos de estudio con otros artistas. La cita, será el próximo 6 de marzo en el Teatro Nescafé de las Artes, por lo que en HumoNegro, y bajo ese contexto, conversamos con el guitarrista sobre su último disco de estudio, la influencia que The Beatles ejerció en su vida, su trabajo con Genesis, sus colaboraciones en el estudio, entre otras cosas, en una conversación que te dejamos a tu disposición.

Hablemos de “The Night Siren” (2017), tu último álbum, donde decidiste trabajar con músicos de distintas partes del mundo. ¿Cuál fue tu intención detrás de todo esto?

Bueno, estuve trabajando con amigos de todo el mundo. La mejor parte de esto es que pudimos hacer algunas cosas cara a cara, así como otras a distancia, viéndonos por cámara o compartiendo archivos en línea. Así pudimos aprender muchas cosas, distintos instrumentos, géneros, entre otras cosas. Lo hicimos entre veinte personas de todas partes del mundo, por lo que fue todo un logro en términos tecnológicos.

Estoy muy orgulloso de este disco, especialmente por el hecho de que en estos días el nacionalismo parece ser la manera en que hay que ver el futuro para los políticos. En cambio, para la música no hay fronteras, somos todos lo mismo cuando se trata de compartir culturas, podemos celebrar juntos lo mejor de cada nación. En Londres, donde vivo, pasa algo muy similar: puedes ir a restaurantes chinos, indios, franceses, alemanes, suizos, cualquier cosa. Es curioso, luego de que Inglaterra fuera desplazado de Europa en cierta forma con el Brexit, es lo opuesto a como yo me siento. Me gusta celebrar lo mejor de cada país en este mundo.

¿Cómo describirías el poder de la música sobre nuestra sociedad?

Sin duda tiene el poder para transformar a las sociedades. Tienes el ejemplo del tremendo trabajo que The Beatles hizo a mediados de los sesenta, donde demostraron de cierta forma que el concepto de “aldea global” era una realidad. El hecho de que hiciesen esta música tan extraordinaria con elementos de la India, que la desarrollaran con una tendencia, la llevaran al mainstream e inspiraran distintas áreas, desde la música hasta la cocina, es increíble. Incluso a mí me llegó, me interesé mucho por India, visité el país con mi esposa hace un tiempo, conocí su tremenda música, conocí algunos músicos, fue algo fantástico. Se mezcla muy bien con cualquier estilo que haga, rock, pop, jazz, un montón de cosas.

¿Estás preparando algo con esos músicos?

Sí, estamos trabajando en un nuevo álbum. Primero tuvimos “The Night Siren”, seguido de “Wuthering Nights: Live In Birmingham” (2018), que grafica el tour actual que estamos haciendo. Sumado a todo eso, habrá un nuevo disco de estudio que está fluyendo muy bien, me gusta cómo está quedando, es muy diferente. Me gusta trabajar con personas de diferentes países, diferentes razas, todo se trata de celebrar las diferencias.

Steve, ya que mencionaste a The Beatles, sé que influenciaron mucho en ti desde tu juventud. ¿Fueron ellos la principal motivación para dedicarte a la música?

Creo que no sólo a mí, sino que a todas las bandas británicas a contar de fines de los sesenta. Hubo muchos que tomaron algo de ellos: Genesis, Yes, King Crimson, todos eran chicos muy fanáticos de The Beatles. Recuerdo que, cuando era muy joven, compraba discos de The Beatles tal como lo hacía cualquier chico de mi edad. Fue como si hicieran un salto temporal cuando lanzaron “Revolver” (1965), ya que comenzaron a usar instrumentos de la India, o instrumentos clásicos como se ve en “Eleanor Rigby”, que fue todo un suceso por el hecho de que dejaron de tocar sus instrumentos y se acompañaron de dos cuartetos de cuerdas. Creo que eso ayudó mucho a crear una imagen de la canción, que los instrumentos te permitieran imaginar la historia, además de que la canción era muy profunda y filosófica, influenció en mucha gente: escritores, actores, no sólo músicos. Con eso fue como que la música popular por fin había crecido, ya no se hablaba de ser bonito, fuerte y joven, sino que se abordaba la vulnerabilidad, las debilidades. Creo que The Beatles fueron los pioneros en mirar al otro lado de la vida, no de celebrarla, sino que de analizarla. Con esa canción se mostró todo eso, requirió de mucho ejercicio para concretarse, sobre todo en una época en que todo debía ser potencialmente comercial. Ese es el legado de The Beatles para nosotros. Me siento muy afortunado del día en que John Lennon tuvo una entrevista en televisión en 1973, donde dijo que Genesis era una de sus bandas favoritas, ese fue un tremendo impulso para nosotros, nos permitió poder defender nuestra credibilidad como músicos.

Estoy sorprendido por todo lo que logras ver en una canción, esto que comentas me demuestra que te fijas en aspectos mucho más allá de la música y las letras. Con todo lo aprendido gracias a The Beatles y otras bandas, ¿cómo aplicaste esos conocimientos en Genesis?

Como éramos fanáticos de muchos géneros, eso nos permitió poder componer temas como “Dancing With The Moonlit Knight” del álbum “Selling England By The Pound” (1973), comenzamos a ser más inclusivos, mezclar muchos estilos, de diferentes autores de música clásica, también de muchas técnicas. Esa canción fue una invitación a experimentar nuevas cosas, fuimos afortunados que a muchos les gustara. La estoy tocando en mis shows junto con otras canciones más, estoy haciendo el material más ambicioso de Genesis, canciones de “Nursery Cryme” (1971), entre otras cosas.

¿Cómo será el show en Santiago? ¿Tendrás un set especial enfocado en Genesis?

Sí, estaré tocando de todo. Canciones de Genesis, mi material solista, también algunas cosas de GTR, el proyecto que hice con Steve Howe a mediados de los ochenta. Tuvimos mucho éxito con nuestra canción “When The Heart Rules The Mind”; de hecho, la regrabé y la tocamos con algunos arreglos que hizo Steve Rothery y Amanda Lehmann, ya que en el escenario tocamos con cinco coristas que van haciendo las diferentes partes en las canciones. Es una canción muy ambiciosa, fue un éxito en su momento y estoy seguro de que lo sería en la actualidad.

¿Te sientes cómodo tocando canciones de Genesis o preferirías enfocarte en tus trabajos como solista?

Me gusta hacer ambos, el legado de Genesis es tremendo y todos los álbumes que hice mientras estuve en la banda fueron importantes. Intento comprimir y poder incluir todo lo que sea relevante en mi carrera, por eso está el material de GTR también. Somos como tres bandas en una, tenemos un nuevo bajista que tocará con una banda que lo hace increíblemente bien. Será un buen concierto.

Durante tu carrera has trabajado con Brian May, Steve Howe, y muchos otros tremendos músicos. ¿Tienes alguna colaboración favorita entre todas las que has hecho hasta ahora?

Tengo muchas favoritas, he trabajado con músicos fantásticos de todo el mundo. De cierta forma, el trabajo que hice en “The Night Siren” es mi colaboración favorita, pude trabajar con gente como Kobi Farhi, de la banda de metal israelí Orphaned Land, también con Mira Awad, que también proviene de Israel, fue maravilloso hacer algo que los políticos no hacen: colaborar entre nosotros. Me encantó trabajar con Richie Havens también, eso fue hace muchos años, en esos momentos hicimos algo que mezclaba la música progresiva europea con la música americana. Lamentablemente, Richie ya no está con nosotros, al igual que muchos de mis amigos con los que he trabajado, siento que todos somos hermanos en espíritu, fue un privilegio trabajar con ellos en vida.

Me llama la atención cada vez que alguien lanza un álbum solista mientras sigue activo con su banda. En tu caso fue con “Voyage Of The Acolyte” (1975), tu primer material solista aun estando en Genesis. ¿Por qué quisiste grabar por tu cuenta en ese momento?

En ese momento habíamos perdido a Peter Gabriel, quien se había marchado de Genesis. Como parecía ser que él era la estrella de la banda, no sabíamos quién podría reemplazarlo, por lo que decidimos parar un poco. Ahí realicé mi carrera solista, mientras los demás también hicieron sus cosas por separado. Fue una oportunidad para todos de probar algo diferente. Con ese disco disfruté el proceso de decidir por mi cuenta y hacer un trabajo solista.

Hablemos del crucero de música progresiva “Cruise To The Edge”, en el que participaste este año. ¿Cómo estuvo eso?

Estuvo tremendo, se pasó muy bien. Fueron como tres mil personas en alta mar. Además, estaban todos mis amigos, así que pude reunirme con ellos y compartir, y volví muy inspirado, con nuevas ideas y proyectos a futuro. Fue una experiencia tremenda, de mucha amistad y camaradería. Mucha música también. Fue incluso mejor que la primera vez que toqué allá.

Odio preguntarte esto, pero es necesario: ¿crees que Genesis se reúna alguna vez?

No hay planes de momento, quizás algún día. La verdad es que por ahora no creo que exista esa intención.

Muy bien, Steve, esa fue la última pregunta. ¿Te gustaría finalizar esta entrevista saludando a tus fans en Chile?

Estoy ansioso por volver a ese gran país, es un privilegio tocar allá después de tantos años. Les mando un montón de amor y espero verlos en el show, les prometo que no se decepcionarán. ¡Muchas gracias, adiós!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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