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Entrevistas

Six Magics: “Es súper complicado mantener una banda de metal”

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En plena celebración en el bar Rockaxis, con el motivo del lanzamiento de su quinto álbum de estudio, “Falling Angels” (2012), los nacionales de Six Magics conversaron con HumoNegro para contarnos sobre los hitos de su larga trayectoria, sus proyecciones a futuro y entretelones de la grabación de su última placa.

Primero que todo, ¿cómo hacen para mantener durante más de quince años una banda de metal, en un país como Chile, y no morir en el intento?

Erick (Guitarrista): (Risas) Bueno, primero mucho, mucho trabajo y no sólo estar tocando en la casa diez horas, eso también, pero lo principal es ser un buen gestor. Hacer buenos contactos, tratar de promocionar bien a la banda. Me acuerdo que cuando empezamos, yo salía a las calles con una mochila a repartir promos y así hacer conocida a la banda, además de vender mis propias entradas. En el fondo, es súper complicado mantener una banda de metal, pero creo que, si te apasiona y realmente te sacas la mugre para esto, se puede lograr. Además, hay una muy buena relación en la banda, creo que nunca nos hemos peleado, como ocurre en algunas bandas de amigos. Para mí son todos como mis hermanos, algo que nos une caleta y nos permite ser una banda que se ha mantenido durante quince años.

¿Cómo ha sido el feedback que han recibido en la escena nacional metalera, tanto de parte de las bandas, como del público?

Erick: Partiendo por el lado de las bandas, creo que no nos creemos el cuento. Hay muchas bandas de calidad como Delta, Inferis o Húsar, que se dieron cuenta que, más allá de tocar, hay toda una producción de la que hacerse cargo. Iluminadores, sonidista, de la grabación en vivo, de la producción en vivo, y difusión de su trabajo. Eso es algo que ha ido  creciendo cada vez más.

Elizabeth (Vocalista): Yo creo que lo principal son los valores. El respeto, el trabajo y la humildad, son tres cosas que para una banda son fundamentales. El respeto por tus compañeros y colegas, ya sea por las razones que estén haciendo música, debe estar siempre presente. La humildad, con nuestros seguidores y compañeros. Creo que ese es el eje que sostiene a la banda. Erick es nuestro líder y guía, y trabajamos juntos conociendo nuestras destrezas y debilidades. Creo que ese es un gran problema de las bandas, que piensan que porque tocan increíble, todo el mundo debería rendirles pleitesía. Los valores han sido la clave para seguir unidos, pensando que lo que hacemos nos satisface y también a nuestro público.

Durante su carrera, han sufrido una rotación importante de integrantes en la banda. Uno de los más decisivos, fue el ingreso de Elizabeth Vásquez como vocalista principal, tomando el lugar que hasta el momento ocupaba Sergio Domínguez. ¿En qué ha aportado la incorporación de Elizabeth, tanto en la composición, como en su desempeño como frontwoman?

Erick: A mí me gustaría resaltar que siempre me ha gustado la voz de Sergio. Trabajé mucho en las composiciones con él, y siempre pensé que tenía un timbre súper particular. Pero cuando entró Eli, tuvimos una respuesta muy positiva de los medios, sobre todo extranjeros, quienes resaltaban que al ser una vocalista femenina, no era la típica soprano que uno esperaría en este tipo de bandas. La Eli tiene un registro contra alto, y escucha mucho soul y R&B, lo que da un aire completamente diferente, y eso llamo la atención del sello con el que estamos trabajando ahora (Coroner Records), y de revistas internacionales como “Rock Hard”, que escribieron muy buenos reviews de nuestro dos últimos discos. La entrada de Eli se transformó en un plus, porque éramos una banda chilena que tenía una vocalista que no canta como soprano, y empezamos a masificarnos muchos más de lo que pudimos hacer con los discos anteriores. Fue un cambio radical, que nos permitió salir de gira mundial el año2010 a Europa. Por otra parte, su carisma se roba al público. Recuerdo un concierto en Alemania donde una fanática se acercó a Eli y le dijo: “Me encanta cómo dejas parada a la mujer del mundo, en el escenario”. Imagínate el medio honor que significó eso para nosotros. Incluso cuando me ha tocado editar presentaciones en vivo, la Eli no equivoca nunca, y no desafina. Nos ha entregado mucha seguridad y tranquilidad.

Elizabeth, yo sé que te has encargado de escribir gran parte de las letras. ¿De dónde sacas la inspiración y temas para las canciones?

Elizabeth: Bueno, yo al principio hacía todas las letras de los discos de Six Magics. Antes escribía a pedido, pero desde “Behind The Sorrow” (2010), que fue un disco más potente, sobre todo en la parte lírica, donde hablábamos de las cosas que nos estaban pasando, cosas que comienzan a importarte cuando ya tienes más de treinta. Creo que yo narro lo que veo, y también lo que siento. En este nuevo disco, podemos encontrar la sensación que nos produce ver la situación de niños de América Central, a quienes les entregan armas para entrar a la guerrilla, o lo que siente una persona que sufre una enfermedad terminal. Todo tiene mucho que ver con contar lo que sentimos y lo que vemos.

“Behind The Sorrow” (2010) estuvo producido por David Prater, quien también trabajó con Dream Theater. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con él?

Erick: Fue una experiencia maravillosa. David es una gran persona, con muy bonitos sentimientos. Un loco, justamente porque es un genio, del que aprendimos enormemente. Personalmente, no era capaz de crear algo simple en la música, eso se ve muy graficado en los primeros discos, donde todos los arreglos que aprendí en la Escuela Moderna, quería meterlos a la fuerza. Prater me enseñó a simplificar la cosa, a trabajar con planos y dar prioridad al sonido y no solamente a la composición, que es algo que se ve reflejado en este disco, mezclando lo aprendido con mis ideas anteriores, tratados de una manera mucho más profesional. Estuvimos viviendo dos meses en una casa con él, algo muy fuerte y enriquecedor. Aprendimos tanto de aspectos musicales, como de la vida misma, a construir temas que salen del corazón más que de la cabeza. Antes era mi partitura y listo, ahora vemos que viene de la armonía, de los sonidos, las frecuencias que nos llaman la atención, y eso lo aprendí de él. Un lujo.

Su nuevo disco fue producido íntegramente por ustedes. ¿Por qué no siguieron trabajando con David?

Erick: Ahí hubo un tema del sello, que no llegó a acuerdo con David, a pesar de que existía la intención. Pero finalmente, con todo lo aprendido y vivido como banda, además de haber producido los discos anteriores, me pidieron que yo me encargara del nuevo disco. Además nos dimos cuenta en la gira alemana, cuando tocábamos temas como “Caleuche” o “El Trauco”, temas que son súper complejos y habíamos dejado de lado en el tercer disco, la gente nos exigía virtuosismo. En uno de los shows, donde tocamos un tema instrumental, Charlie Bauerfeind, que trabajó con Blind Guardian y Angra, se acercó a mí y me dijo: “Erick, si tocas de esa manera, ¿por qué no lo muestras? Y cuando un personaje como él, te dice eso, te queda. Por eso es que, para éste disco, el virtuosismo esta presente, pero mezclado con la producción que nos enseñó Prater.

Ustedes ya realizaron su primera gira europea. ¿Cuáles son las proyecciones que tienen para el futuro, tanto en el plano nacional como internacional?

Mauricio (Bajo): Primero que todo, promocionar al máximo este disco, y estamos preparando un lanzamiento con el sello. La fecha tentativa es en octubre, todavía estamos viendo el lugar y el día. También trataremos de hacer una gira por regiones, donde nos han estado pidiendo desde hace varios años, para que vayamos al norte, un lugar donde nunca hemos ido y que volvamos al sur, donde nos han recibido con mucho agrado. Y también el próximo año preparar una gira para afuera. Todo eso lo estamos planeando paso a paso, en conjunto con el sello y con agencias de booking, para hacer una cosa bien hecha.

“Falling Angels” fue lanzado oficialmente el día 2 de julio y ya está a la venta en tiendas The Knife y Rock Music, y para todo el país a través de Big Store.

Por Sebastián Zumelzu

Entrevistas

Dean Fertita: “Si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás”

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Años de trayectoria con proyectos como Queens Of The Stone Age, The Raconteurs, The Dead Weather o Hello=Fire avalan a Dean Fertita como uno de los músicos más moldeables en el rock, llevando su sello de guitarra y teclado como un aporte distintivo en los artistas con quienes toca. Ahora, el músico se pone por primera vez en la primera plana con el lanzamiento de “Tropical Gothclub”, su primer larga duración como solista, el que no sólo recoge ideas de las tantas sesiones de grabación durante la pandemia, sino que también de los años de carretera tocando en distintos países y con distintos músicos.

La llegada de este trabajo fue suficiente para que nos conectáramos con Fertita a la distancia y conversáramos no sólo sobre la creación del LP, sino que también de la manera que tiene de trabajar, el estado actual del próximo disco de Queens Of The Stone Age, cómo surgieron los conceptos que aborda en esta obra, entre otros temas, que abordamos en esta entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Dean, ¿cómo estás?

Estoy muy bien. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, gracias por conversar con nosotros sobre tu nuevo álbum. ¿Dónde estás ahora? ¿Sigues viviendo en Nashville?

Sí. Estoy en mi casa en Nashville en estos momentos.

Partamos hablando de tu nuevo disco, “Tropical Gothclub”. Estuviste trabajando con Dave Feeny, que tiene un estudio en Detroit. ¿Viajaste hasta allá para grabar las canciones?

No, la verdad, con Dave tenemos una relación de trabajo desde hace mucho tiempo. Como antes yo vivía en Detroit, lo conozco hace años. Tenemos una relación al punto de que le mando tracks para que los mezcle, confiando plenamente en que sabe los resultados que busco; tenemos ese tipo de química. Para algunas canciones grabé unas partes allá, en unas tres o cuatro grabamos las baterías allá también. Con un amigo trabajamos en las ideas e hicimos unas versiones largas de las canciones, las que después acorté porque realmente no tenía claro qué hacer, sólo estaba materializando las ideas. El hecho de que todas ellas terminaran siendo un disco, básicamente fue un accidente (risas).

De hecho, te iba a preguntar sobre esto. Entiendo que comenzaste a trabajar en esta música durante la pandemia porque tenías mucho tiempo libre. Ya que dijiste que fue un accidente, ¿cómo llegaste a la idea de hacer un disco?

Nunca lo hice, de hecho. Es interesante. En 2020 estábamos preparándonos para grabar con Queens Of The Stone Age, y para todos fue como: “¿Cuánto irá a durar esta cuarentena? De seguro estaremos de regreso en dos semanas”. En 25 años que me la he pasado girando y grabando, nunca había estado más de seis meses seguidos en casa, así que de pronto me vi con mucho tiempo y entendiendo que las cosas seguirían así. En vez de prepararme para regresar a la vida habitual, preferí seguir siendo productivo y tener algo que hacer, para así al final del día sentir que hice algo más que sentarme a esperar que la situación mejorara, eso fue parte de mi rutina. Tengo un pequeño estudio, muy primitivo, así que llevé estas canciones que en mi mente no eran más que demos, y nunca pensé en una colección de canciones que se transformaran en un disco. Estas ideas estaban pensadas para terminar en algún otro lugar, pero no lo hicieron por distintas circunstancias. De pronto, fui persuadido por mis amigos de que debía publicar estas canciones como un álbum, así que confié en su opinión (risas).

¿Por qué decidiste que este álbum estuviera firmado con tu nombre y no con un pseudónimo o un nombre para el proyecto?

Interesantemente, luché porque el disco fuera sólo con el proyecto Tropical Gothclub, esa era la idea, no quería que se interpusiera mi nombre en el camino porque no era algo que había estado preparando ni nada, nunca estuvo concebido como un álbum solista. Así que, nuevamente, por consejo de mis amigos puse mi nombre en el disco y aquí estamos (risas).

También dijiste que el concepto de este disco es la “nostalgia futurista”. Quisiera que nos contaras un poco del significado de esto.

Lo de la nostalgia futurista es porque pasaron varias cosas cuando empecé a trabajar en este material. Eso me dio una oportunidad para realmente pensar en situaciones que han ocurrido en mi vida que me llevaron donde estoy ahora, así que me obsesioné con el hecho de volver a experimentar cosas que hice cuando era joven. Crecí durante los 70, así que volví a toda esa música que escuchaba, me reconecté con elementos que me unen a mis amigos y que se han transformado en parte importante de lo que soy actualmente. No sólo música, también hablo de arte, películas, y cosas por el estilo. Todo eso, sumado al período tan único que estábamos viviendo, el que espero que nunca más tengamos que vivir, me marcó de una forma en que en 20 años más, o incluso ahora mismo, miro profundamente porque realmente definió la forma de ver la vida, hizo que algunas cosas se aclararan, lo que es importante y todo eso. Estoy consciente de que actualmente vivo un período al que recordaré con nostalgia, por lo que de ahí viene el concepto, es lo que rodeaba mi cabeza cuando trabajaba en estas canciones.

¿Por qué nombraste el disco como “Tropical Gothclub”?

El nombre proviene de algo totalmente ajeno a la música. Durante la pandemia pasé mucho tiempo con mi hija, ya que girando por 25 años me perdí de muchas cosas importantes con ella. Cuando comenzamos a trabajar en el próximo disco de Queens Of The Stone Age, con mi familia nos mudamos a California, que era preciso para estar durante ese tiempo porque había una playa cerca. Cada vez que salíamos a la playa, no podíamos evitar pensar en el entorno tan maravilloso, vibrante y soleado, así como en el contraste con el período tan oscuro y depresivo que se vivía, por lo que empezamos a bromear de que íbamos al “Tropical Gothclub” (Club Gótico Tropical) cada vez que salíamos. Luego de que empezamos a bromear con eso, con mi hija comenzamos a tomar fotos en blanco y negro de las cosas más coloridas y alegres que encontráramos, y eso terminó mezclándose con la música en la que estaba trabajando.

Genial. Este es, sin duda, un disco muy ligado a lo que viviste estos años.

Sí, además de eso hay algo más filosófico, en el sentido de que estas ideas de lo bueno y malo, sombra y luz, el hecho de conocerse con lo bueno y lo malo, son cosas muy introspectivas que influyeron mucho. Todas estas cosas son más grandes y personales para mí, por lo que son importantes.

Cuando escucho las canciones de este disco, me recuerda a muchas de las cosas que has hecho en tu carrera, se sienten las influencias de artistas con los que has tocado. De hecho, siempre que he escrito sobre algo en donde estás involucrado, ya sea un show o un disco, te destaco como el “arma secreta” de la banda…

Oh, muchas gracias (risas).

Con todo esto, se me viene a la mente el saber cómo te enfocas a la hora de componer. ¿Tratas de aportar tu enfoque o más bien buscas cómo adaptarte a la situación?

Siempre habrá algo de adaptación cuando trabajas con otros músicos, pero pasa de una forma tan natural, que muchas veces no lo notas. Creo que la forma en que veo las cosas es de siempre aportar algo, si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás. Hay que sentirse muy cómodo con saber quién es uno y en qué puede ayudar. Cuando trabajaba en estas canciones, esa fue mi intención. Sabía que QOTSA haría otro disco y quería tener algo que aportar, mantenerme en forma como compositor y estar constantemente haciendo cosas, esperando que alguna pudiera funcionar y se complementara con otra idea. Por el otro lado, es interesante que todo esto probablemente no habría partido si no fuera por una conversación que tuve con Alison Mosshart, ya que después de terminar la gira con The Raconteurs, pensamos que quizás sería divertido trabajar en algunas ideas con The Dead Weather, debido a que estábamos todos en casa. Nos enviamos algunos demos, ella me envió una canción llamada “Street Level”, que era solamente su voz y una guitarra, y me encantó la idea y la reinterpreté para incluirla como lado B en el primer single de este disco. Eso me puso en la disposición para trabajar y ayudó mucho, sin duda.

Dean, hablemos de Queens Of The Stone Age, ya que justo un poco antes de que te llamara se confirmaron los primeros shows para 2023. ¿Eso significa un tour completo? ¿Un nuevo álbum? ¿Qué nos puedes contar del futuro de la banda?

Teóricamente, significa todo eso (risas). Vamos acercándonos a la etapa final del disco y estamos totalmente enfocados en terminarlo. De hecho, hace unos días regresé luego de estar durante unas semanas trabajando junto a la banda. Estoy muy entusiasmado, creo que el próximo año será muy divertido.

¿Están pensando en qué fecha de 2023 para publicar el disco?

Depende de cuando esté todo listo, pero idealmente ya estará disponible cuando giremos el próximo verano por distintos países.

Dean, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Antes de terminar, quisiera que nos contaras si estás enfocado en algún otro proyecto en estos momentos.

En estos momentos estoy enfocado en terminar el disco de QOTSA, es lo único en lo que pienso por ahora. He tenido conversaciones para hacer algunos shows un poco menos convencionales en torno al disco que lanzaré, pero tengo que pensarlo, ya que está ligado a la agenda que tendré con QOTSA, y espero tener más claridad de eso pronto.

Qué bueno que me dices esto, ya que en el comunicado de prensa del disco dices que no quieres hacer la promoción habitual para esta placa, sino que pensar en algo diferente.

Exacto. He pensado un poco en cómo me gustaría llevar estas canciones a un formato en vivo, lo que me da una oportunidad para llevar a cabo esas ideas y ver si es que funcionan y a la gente le gusta. Tengo también algunos proyectos con amigos, en los que no hemos podido trabajar por la falta de tiempo, pero eso no lo hace menos importantes. Definitivamente tengo que encontrar un espacio para dedicarme a ellos.

Muchas gracias por tu tiempo, espero verte el próximo año acá en Chile.

Esperemos que sí. Muchas gracias, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

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