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Sebastián Gallardo de We Are The Grand: “Han pasado siete años desde que comenzamos y hemos aprendido de nuestros errores”

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Con apenas siete años de existencia, los nacionales de We Are The Grand se han ganado un espacio dentro del panorama de la música contemporánea de nuestro país y también, en cierta medida, en el extranjero, donde cuentan con varias actuaciones de toda envergadura, que les han ayudado a avanzar rápidamente en su trayectoria. Este viernes 8, en el Teatro Nescafé de las Artes, lanzarán su nuevo disco de estudio, “Volver”, que es el primer registro del grupo en español y con el que esperan una propagación más grande de su material. Es por esto que hablamos con su vocalista, Sebastián Gallardo, para que nos cuente más acerca del desarrollo del grupo hasta ahora y de sus planes a futuro, conversación que te dejamos a continuación en su integridad.

En relativamente poco tiempo ya cuentan con bastantes actuaciones en el extranjero y, además, se han presentado en múltiples ocasiones frente a audiencias masivas, como el caso del festival Vive Latino, o su participación en Lollapalooza. ¿Cómo describirías la manera en que todo eso se ha traducido en el desarrollo de la banda?

Respecto al Vive Latino, por ejemplo, que ocurrió a finales del año pasado, tocamos en el escenario más chico de los grandes, algo así como lo que sería el Teatro La Cúpula en el Lollapalooza de acá, pero la diferencia es que el de allá era una carpa muy grande, con mucha capacidad, entonces la gente se acomodaba y aumentaba hacia atrás, y habían muchas personas. Nunca esperamos lograr tal convocatoria, estaba lleno, y lo mejor es que un gran grueso del público nos conocía porque nos pidieron canciones por su nombre, y se generó un momento hermoso e interesante a la vez. No estaba dentro de nuestras expectativas una acogida así, porque viajamos a México dos veces, pero a un circuito pequeño, de bares y cosas así. Creo que Vive Latino comparte muchas cosas con Lollapalooza Chile, incluso gran parte del cartel, pero el festival mexicano ocupa un espacio más grande porque abarca más de lo que se utiliza acá del Parque O’Higgins. Por otra parte, la experiencia que tuvimos en el South By Southwest de Austin, Texas, fue diferente porque es otra dinámica: todo el centro de la ciudad, donde están los restaurants, bares y discotecas, se transforma en escenarios para tocatas y hay mil bandas tocando por todos lados y tú ocupas la misma pulsera para todos los locales; algunos lugares son más pequeños, entonces se trata más de descubrir bandas nuevas, porque en su mayoría los artistas nos son tan conocidos. Apunta a un público que busca nuevos sonidos y por ahí nosotros fuimos una sorpresa para varios.

¿Cómo fue la experiencia de su estadía en Liverpool el año 2010?

Fue todo un aprendizaje que hicimos durante el inicio de nuestra carrera, porque ahí llevábamos unos seis meses tocando juntos y teníamos el primer trabajo, así que aprovechamos la oportunidad y allá grabamos “Chasing Lights”, el segundo EP. La intención fue hacer que nuestro comienzo fuese lo mismo que haríamos en Chile, pero en Inglaterra. Tocamos en muchos lugares y aprendimos de todo, por ejemplo, cómo posicionar a la banda, cómo manejarte en las redes sociales y en realidad todas las cosas que tenemos que hacer hoy en día aparte de tocar y crear la música, porque hoy debemos estar a cargo de todo; de autoproducir las sesiones de fotos y los videos, lanzamientos, contactar a la prensa para que nos publiquen, etcétera. Parte de ese proceso fue también ver mucha música en vivo, fuimos espectadores y participantes del Liverpool Sound City de ese año, festival similar al de Texas, pero acá son localidades de la ciudad que se habilitan para conciertos. Todo fue aprendizaje para nosotros a través de la impregnación del ambiente y de las influencias que obtuvimos, lo que se sumó al hecho de que durante ese tiempo vivimos juntos, por lo tanto, nos conocimos mejor entre nosotros y así desarrollamos mejor nuestra labor como banda; juntos pensábamos todo el día en cómo trabajar para el grupo.

Tomando en cuenta que ustedes están encima de todos los aspectos concernientes a la banda, ¿cómo es el momento actual del grupo frente al lanzamiento de su último disco, “Volver”, este próximo 8 de abril y cómo se manifestará este crecimiento profesional en el evento de ese día?

Ya han pasado siete años desde que comenzamos a tocar, y una de las cosas buenas es que hemos aprendido de nuestros errores y sabemos mejor cómo manejarnos. Al mismo tiempo han ocurrido cosas aparte de lo estrictamente musical: se incorporó gente importante a trabajar en nuestro proyecto, como Gustavo, nuestro manager, que va con nosotros a todas y es casi un miembro más del grupo. También hace un tiempo que estamos trabajando con la agencia Charco, donde también han llegado más personas que quieren estar con nosotros, y ahora, hace poco, ingresamos a las filas de un sello discográfico –jamás habíamos estado en uno–, Beast Discos, quienes están muy entusiasmados con el proyecto y nos apoyan de distintas formas, entonces ahora tenemos personas que son especialistas en ciertos temas que nosotros no manejamos.

Igual a mí me gusta estar encima de las cosas, no “hinchando” como se dice, pero sí ayudando porque la banda es nuestra y creo que tiene que haber una conexión y una comunicación entre todas las partes que trabajan en esto y así remar todos para el mismo lado. Por otra parte, nos sirve mucho su criterio porque ahora le hacemos caso a esos consejos y estrategias, debido a que como músicos a veces el ímpetu te gana, te come la ansiedad y quieres hacer las cosas apurado, pero aprendimos que hay que esperar el momento y planificar bien todo, porque, como sabemos, hay harto trabajo detrás de los proyectos artísticos, entonces la idea es que todos estemos bien enfocados en el progreso de la banda.

Hoy, este show en particular de lanzamiento de “Volver”, es por lejos la actuación que más hemos preparado musicalmente y como espectáculo en sí. Tendremos más músicos en escena, en algunas ocasiones serán hasta ocho músicos tocando, algo que nunca hemos hecho antes, y por otra parte, como es el lanzamiento del disco nuevo, el listado de canciones será mucho más largo. El show es nuestro y nos daremos el lujo de tocar lo que queramos. El concierto será extenso porque queremos abarcar desde la gente que enganchó con el primer EP y a los más nuevos, que gustan de lo más reciente. Queremos que todos disfruten el show al igual que lo haremos nosotros también, porque tocaremos lo que sentimos que es necesario y no pondremos material de relleno, para que no se torne aburrido. Será una experiencia nueva, porque estas canciones no las hemos tocado en vivo y hay otras que se tocan en otro formato. Por mi parte usaré una guitarra acústica en algunas canciones y en otras tocaré piano, al igual que Fernando, que también lo hará. Creo que, tras todo este tiempo, estamos más completos como artistas; tenemos más temas y podemos desarrollar distintos momentos en un concierto, como una sección enérgica y otras más emotivas, melancólicas y más oscuras, sumado al apoyo visual que está súper potente, donde hemos puesto mucho trabajo y esfuerzo para que todo quede redondo.

Tras su aparición en el programa “Puro Chile” de TVN, ustedes mismo manifestaron que quedó una extraña sensación respecto a que fueran catalogados como “emergentes”, siendo que en la práctica han avanzado mucho en su camino y siempre lo han hecho de manera profesional. ¿Cómo se sintieron con esa experiencia?

A nosotros nos invitaron bajo esos términos y ese formato, pero yo igual soy de la opinión que no debería haber tanta distinción en un programa así, entre bandas “emergentes” y “consagradas”, y que deberían darle a las bandas jóvenes más espacio para que toquen lo mismo o casi lo mismo que aquellas de mayor trayectoria. Pero claro, ya el hecho de que abran esa ventana y le den la oportunidad a grupos que recién comienzan y a los de siempre, es algo muy bueno. Recuerdo que ese viernes, después de la emisión, nuestras redes sociales explotaron, y es ahí cuando ves y confirmas el poder que tiene un medio de comunicación masivo como un canal de televisión abierta, porque esto ocurrió con sólo una canción y el programa fue transmitido a la medianoche. Espero que surjan más espacios como ese porque le hace muy bien a la música chilena. Hay muchos grupos más o igual de jóvenes que nosotros que podrían participar y llegar a toda esa gente que ve la televisión abierta y así darse a conocer, porque estoy seguro de que al público le gustarán estas bandas y de que hoy en Chile hay muy buena música y de varios estilos.

Si bien hicimos un comentario, no fue por polemizar, sino simplemente que para darle apoyo a todas esas bandas que no han tenido la oportunidad que nosotros sí. En el programa nos trataron súper bien y no tenemos nada más que decir, pero respecto a esa situación de “emergente-versus-consagrado”, es raro porque tal vez tampoco nos sentimos emergentes, debido a que hemos hecho hartas cosas y llevamos siete años tocando, pero tampoco nos sentimos consagrados para nada, porque aún nos quedan cosas por hacer y por alcanzar. Sólo nos importa hacer mejores discos y seguir tocando mucho más, entonces tal vez un término intermedio sería lo más adecuado. También espero que crezcan más espacios así para las bandas más jóvenes, porque las que lo hicimos dejamos una buena impresión, demostrando que nos tomamos las cosas muy en serio, que se trabaja harto y eso se nota, porque los grupos suenan bien en vivo y en las grabaciones. Además, hoy el nivel está más parejo porque esos presupuestos millonarios que antes había –en los noventas, por ejemplo, por parte de los sellos para las bandas consagradas– ya no existen, y todos grabamos casi con los mismos gastos. Hay muchas bandas buenas por ahí y no sólo lo digo por un tema  de gustos, sino que me refiero a la forma de trabajar y de hacer las cosas bien.

Hablando de los planes a futuro, pero dejando de lado el próximo lanzamiento del 8 de abril, ¿cómo se viene la agenda para We Are The Grand?

Esperamos que la promoción del disco dure harto tiempo, por eso ya tenemos más fechas agendadas que no daremos a conocer aún, sino que después del próximo concierto. Habrá más conciertos por Chile en lugares que no hemos visitado antes, también viajaremos otra vez a México donde tocaremos en unas seis ciudades, y después queremos seguir con otras tocatas más en nuestro país, donde también habrá una participación más adelante en un festival en el segundo semestre, lo que responde a que nos gusta mucho tocar en vivo e iremos siempre a los lugares donde nos inviten. Con el disco nuevo se están abriendo varias puertas y esperamos visitar países de Latinoamérica donde no hemos ido, como Argentina, Ecuador, Colombia o cualquier otro del continente, o volver a México siempre o a Perú, además porque yo al menos no he visto críticas negativas hacia el disco, sino que muy buena onda de todo el mundo y eso nos tiene muy contentos y motivados para seguir tocando por un buen rato.

Esperamos que siga todo bien, les deseamos éxito en su próximo concierto y gracias por tu tiempo.

Gracias a ustedes por la entrevista y por apoyar la nueva música chilena. Y gracias también a la gente que nos sigue y que va a nuestras tocatas. ¡Nos vemos este viernes!

Por Hans Oyarzún

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Jason Pierce de Spiritualized: “Uno hace arte en un contexto donde nada es para siempre”

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Los últimos meses han sido extensamente ocupados para Jason Pierce, el hombre a cargo de Spiritualized y quien ha encontrado el vehículo perfecto para expresar ideas, sensaciones, conceptos y metáforas a través de su música, muchas veces catalogada como desestructurada, pero también efectista en su ejecución. Lejos de todas esas contradicciones, y en plena etapa de recuperación de su catálogo a través de la serie de reediciones bautizadas como “The Spaceman Reissue Program”, Pierce concreta un trabajo de años con el lanzamiento de “Everything Was Beautiful”, nuevo trabajo de estudio que fue publicado el pasado 22 de abril a través del sello Bella Union.

Trabajado casi a la par con “And Nothing Hurt” de 2018, en este disco el artista se aventura en un estrepitoso viaje de siete canciones grabadas con más de 30 músicos en once estudios diferentes. Por si eso fuera poco, el mismo Pierce se encarga de tocar 16 instrumentos distintos en esta producción. Todo esto es motivo suficiente para que el pasivo e intrigante artista se tomara unos minutos para conversar telefónicamente con nosotros, donde platicamos distintos tópicos, como el encierro de la pandemia, su metodología de trabajo, la creación y grabación de este nuevo disco, entre muchos otros detalles, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jason, primero quiero preguntarte como estás. La pandemia ha tenido un impacto en todo el mundo, ¿cómo has estado durante estos dos años?

Sí, ha sido loco, ¿cierto? Ha sido muy difícil para todos, y asumo que es algo todavía muy presente. No sé cómo será en tu país, pero pareciera que parte de la gente no está preocupada del bienestar de los otros, no entienden que hay gente trabajando muy duro para que no se pierdan más vidas, salvando vidas incluso cuando muchos no se lo toman en serio y ni siquiera consideran los peligros. Creo que eso ha sido lo más complicado, cualquier cosa que pase está ligada a la tristeza que generan estas personas que se comportan de manera muy egoísta.

Totalmente. Entiendo que, cuando comenzaron las cuarentenas, salías a caminar por las calles y verlas vacías te inspiró a hacer este nuevo disco. ¿Es correcto eso? ¿Qué nos puedes contar del proceso creativo de este álbum?

Sí, fue algo así. Es de esas cosas extrañas que pasan con la música, porque todos parecieran hacer la mejor música cuando se apartan del mundo, cuando el ambiente se calma. Cuando los artistas están en el estudio trabajan mejor tarde en la noche, cuando ya todos duermen, el mundo está en silencio y no hay una lógica con eso porque estás en una habitación con aislación, por ende, no se escucha nada y el mundo siempre estará en silencio, pero sin duda que es algo que se siente cuando el mundo verdaderamente está en silencio afuera. Supongo que así es todo el tiempo; parte de tu cerebro agradece la tranquilidad a veces. Suelo bromear con que durante la cuarentena no había que preocuparse de excusas cuando te invitaran a una fiesta. Esa tranquilidad me permitió enfocarme y decir “realmente puedo terminar esto ahora”, puedo finalizarlo y no hacer nada más porque no hay otra cosa que se pueda hacer más que estar encerrado, sobre todo con esa sensación de desesperanza acechando constantemente con tanta gente sufriendo afuera. Todo fue el escenario propicio para finalizar este disco.

Leía el comunicado de prensa para este disco, donde dices que te sentías como que llevabas entrenando toda tu vida para esto, para el confinamiento y la tranquilidad.

Sí, lo que pasa con el comunicado es que simplemente quise incluir ese chiste corto. Siento que no es tan diferente este período a estar sentado en la parte trasera del bus, en esos momentos de soledad. Hay cierta soledad en el ejercicio de tocar música de todas formas, lo que no se ve tan diferente a esto. Por momentos sentí como si hubiese entrado a una máquina del tiempo, miraba el cielo y prácticamente era el mismo cielo que miraban los romanos; no había aviones, no había humo, ningún elemento disruptivo del medioambiente, el río era casi prehistórico, todo muy silencioso y quieto. Eso no es algo que puedas tener en la ciudad, a no ser que te muevas fuera de ella. Tenías este ambiente natural, pero con la ciudad todavía ahí, con esa grandeza arquitectónica, estos edificios, todo vacío, inhabitable. Hay algo extrañamente convincente en todo eso.

Sí, es muy extraño ver las calles vacías. La primera vez que presencié eso no fue por la pandemia, de hecho, fue por las protestas en Chile en 2019. El gobierno puso un toque de queda a mitad de la tarde, por lo que ver las calles sin gente a esa hora del día fue muy extraño. Pero siempre persiste ese elemento de paz en el panorama, quizás al momento de notar que se puede trabajar mejor en ese contexto.

Sí, sí, también lo siento así. De hecho, creo que estuve en Chile antes de eso, estaba con mi hija en la calle tratando de regresar al hotel cuando estaban todos los militares en la calle por las protestas, supongo que esa calma que te dan esas calles vacías son algo que ayuda. Me obsesiono mucho cuando hago música y no puedo enfocarme en nada más, me siento casi como si me estuviera volviendo absolutamente loco. La pandemia permitió que esa calma pudiera pasar, no había ninguna distracción que me sacara de ese estado y realmente pude concentrarme y volverme loco con la música. De igual forma es algo que te consume, pero fue la única manera en que lograría completar este disco, estaba desesperado por terminarlo. Diría que durante los últimos siete años he estado desesperado por terminar tantas cosas como me sea posible, necesitaba completar eso para estar tranquilo nuevamente y pensar en lo que haría con mi futuro, tratar de completar cada canción que espera por ser terminada.

¿Qué hay del título del disco? ¿Cuál es el significado de “Everything Was Beautiful”?

Es una cita. No sé si debería hablar de esto, pero siempre es así con los títulos de Spiritualized. Mi intención cuando comencé esto era tener una tener una gran obra entre este álbum y el anterior, todas las canciones comenzaron a trabajarse al mismo tiempo. Mi compañía no quería un disco doble, ya que el lapso de atención de la gente es muy corto, pero también históricamente los álbumes dobles quedan perdidos; hay tanta información, que quedan en el olvido y son redescubiertos 20 años después de su lanzamiento. “Exile On Main St.” de The Rolling Stones es un ejemplo. Descubrí que ese disco tenía valor muchos años después, además que está la presión de que debes vender discos en este negocio, así que ellos me pidieron que no hiciera uno doble. De cierta forma funcionó, porque terminé la mitad que se transformó en un álbum, y las otras canciones recién las terminé ahora. Si hubiera sido doble, estaría todavía trabajando con todo el material a la vez. También fue algo arbitrario, no elegí qué canciones estarían en una parte y las que estarían en otra, creo que más bien incluí las que me faltaba menos por completar, ya sabes, “A Perfect Miracle” o “The Prize”.

¿Podríamos decir que este nuevo álbum es una continuación de “And Nothing Hurt”?

No, no diría que este disco es una Parte 2 o los descartes de ese disco. No hay descartes, todas son canciones que estaba componiendo, todas son canciones importantes. Además, cuando terminé lo que sería “And Nothing Hurt”, estas otras canciones iban por una dirección completamente distinta, por ende, tenía que ser un disco completamente distinto.

Para este disco trabajaste en once estudios diferentes. Eso es algo que se siente al escuchar el álbum, es como un viaje donde tú eres el personaje principal que se va impregnando de distintos elementos a medida que pasan las canciones. ¿Eso tiene algo que ver con el hecho de que trabajaste en muchos lugares distintos?

Supongo que es algo con los estudios, porque es difícil encontrar gente en la música que esté dispuesta a recorrer ciertas distancias. La mayoría de las personas en la música quieren trabajar bajo escenarios cómodos, donde puedan mostrar lo que son capaces de hacer. Muchos productores y personas en la música te dicen “me gusta lo que hiciste en tu último disco” o cosas así y, si bien yo no hago música para esperar eso, prefiero trabajar en un buen espacio donde pueda ir recogiendo las mejores partes antes de moverme al siguiente, de esa forma no hay un lugar definido para estas canciones. Hay productores que sólo producen una banda y luego buscan otra y la ponen en el mismo lugar, con la misma estructura, y yo obviamente no quiero eso. Soy más de aclarar y decir “esto es lo que hago”, prefiero que sea a mi manera. Muchos de esos estudios donde trabajé no funcionaron del todo, por eso tomé lo que me parecía interesante y me lo llevé hasta el siguiente, eso es algo difícil de calzar.

También se produjo la situación que por distancias había que trabajar en lugares diferentes, ¿no es así?

Sí, también ese fue un factor. Ciertos estudios estaban cerca del lugar en que estaban algunos integrantes de mi banda y ahí fue algo netamente geográfico, ya que necesitaba conseguir un estudio cerca de donde estuvieran para que trabajáramos. El resultado final, respondiendo a tu pregunta anterior, tiene que ver con que el disco es algo así como un collage; de hecho, son prácticamente dos mezclas puestas una encima de otra: una estaba sin finalizar, la otra estaba casi finalizada, pero tan pronto como las junté, puso todo el disco en un lugar que no podía reconocer, y me sorprendí a mí mismo con el resultado. No escuchaba mi trabajo en la misma forma que esperaba, a veces me gusta conservar los demos, por lo que hay una canción que está construida en base al demo, otra que está hecha a partir de una grabación en vivo que alguien hizo de nosotros y que encontramos en YouTube, ya que no podíamos dar con el sonido preciso. Todo se trata de aferrarse a los fragmentos que me gustan y hacerlos funcionar de modo que se transformen en una canción.

Además de esos once estudios, trabajaste con más de 30 músicos y cantantes. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Les indicas “toca esto” o “canta esto”, o más bien son ellos poniendo su propio enfoque a las canciones?

Siempre es lo segundo, incluso si les pido qué tocar. Hay ocasiones en que yo les digo “toca esto” o “canta esto”, pero incluso ahí ellos ponen su estampa personal a la estructura, lo que da una idea de dónde puede ir la canción. Las cosas que hacen funcionar la música que amo están muy cercanas a las cosas que hacen funcionar a la música que no amo, eso es algo que siempre noto. Por ejemplo, una banda puede hacer un cover con los mismos instrumentos, configuración, equipos y arreglos que la versión original, pero puede que siga sonando horrible. De cierta forma, intento guiar a la gente, incluso si son músicos con los que trabajo hace mucho tiempo, siempre es necesaria una especie de guía. Eso al final también hace que ellos, como músicos, puedan encontrar su camino y aplicar sus ideas a lo que están tocando, y es inevitable que ellos traigan su habilidad a la música que están interpretando.

Jason, quisiera que pasemos a otro tema, puntualmente preguntarte sobre “The Spaceman Reissue Program”. ¿Cómo surgió esa idea?

Fue idea de Matthew Johnson, quien maneja mi sello en América, Fat Possum Records. Él comenzó a reeditar el catálogo de ciertos artistas y consideraba que era importante que los discos fueran propiedad de los artistas. Él se preocupó de todo eso, especialmente con mis discos, que siempre me decía que estaban un tanto olvidados y sin amor porque fueron publicados por un sello donde ya no estoy y nunca se preocuparon, no los reeditaban ni nada. Me di cuenta de que algunas de las reediciones que hicieron quedaron muy mal, por lo que era tiempo de botar todo eso y quisimos establecer que estos discos son importantes, son mi vida y mi historia. Realmente todo partió como una forma de darle el valor que merece mi trabajo, además de ponerlos a disposición de la gente nuevamente, ya que no lo estaban hace tiempo y los originales son muy caros actualmente por su rareza.

Definiste estos vinilos como las “ediciones definitivas”. ¿Podríamos decir que estos son los álbumes de la manera que pretendías que sonaran al momento de su lanzamiento?

Sí, algo así. Podríamos discrepar en el sentido de si fueron publicados como era mi intención en su momento, ya que en ese tiempo el mundo estaba más enfocado en el CD y la gente ahora está interesada en los vinilos. Supongo que eso le da un valor, además de que me gusta el hecho de que la portada sea respetada con una reestructuración, así como también el contenido del disco. Me gusta saber que uno hace arte en un contexto en donde nada es para siempre, las cosas envejecen, un disco se puede desgastar, el papel de la portada puede estar rayado o trizado, me gusta saber que el paso del tiempo afecte a una pieza de arte como un disco en cierta forma.

Bueno, Jason, esa fue la última pregunta. Quiero agradecerte por tu tiempo, por supuesto, pero también preguntarte si quieres enviarle un mensaje a tus fans chilenos que esperan verte nuevamente por acá algún día.

Sí, por supuesto. No tengo ningún mensaje preparado, pero sí siento que tengo una conexión especial con Chile, porque los primeros shows que hicimos en Sudamérica fue gracias a dos chicas chilenas que vinieron a Europa y conocí en un bar cerca de mi casa. Les pregunté si conocían a alguien que pudiera armar un show y afortunadamente una de ellas conocía al promotor que hizo posible nuestro primer concierto en Sudamérica, y se sintió que una vez que llegáramos no podrían cerrarnos la puerta. Ese fue el momento más importante para concretar nuestra llegada a Sudamérica. Ahora ya lo hemos visitado algo así como tres veces. Siempre ha sido importante ir allá, en estos momentos no es tan complejo para nosotros poder ir a tocar allá, pero necesitamos alguien que esté dispuesto a hacer el show y ayudarnos a concretar todo.

Esperamos verte pronto algún día.

Yo también espero que eso sea pronto.

Muchas gracias, Jason. ¡Cuídate mucho!

Igualmente. Nos vemos.

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