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Sebastián Fernández de Stone Giant: “El rock no ha muerto, sólo falta ver quién continúa ese legado”

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Uno de los carteles más nutridos y parejos en calidad que hemos visto en los últimos meses en la intensa oferta musical es el del festival En Órbita, que tiene muy buenos nombres en la parte nacional y en la internacional. Incluso, hay bandas que se contraponen ante estos grupos, teniendo algo de ambos a la vez, como Stone Giant, un conjunto multinacional con miembros de Chile, Argentina, Portugal y Brasil, y un sonido de otros lares. Rock, psicodelia, mucho de clásico y poco de viejo es lo que tiene Stone Giant, y sobre sus planes próximos y la forma de ver la música es que nos pudo responder el vocalista y guitarrista Sebastián Fernández, en una entrevista que te dejamos de manera íntegra a continuación.

Primero, me llama la intención cómo su álbum debut fue masterizado en Abbey Road, considerando que lo grabaron en Hoboken, y de dónde viene cada uno. ¿Lo consideran un logro? ¿Cuál es la historia detrás de poder trabajar y que su material esté en espacios tan diferentes?

Lo consideramos como un logro importante porque es una historia bastante original. Haber masterizado en Abbey Road nunca lo hubiera pensado, y pasó, y estuvimos ahí, en el estudio de Los Beatles, el estudio 2, que todavía tiene olor a viejo y donde se siente la energía. Fue una experiencia increíble, todo lo que representa ese estudio y todo lo que significa haber trabajado ahí. El disco se compuso en Boston, se grabó en Hoboken en Nueva Jersey, después se mezcló en Nueva York y llegó a Abbey Road. Estuvo en todas partes. Es bueno tener una visión de distintas personas y distintas opiniones, porque eso dio otras visiones. Veremos qué plan hacemos para el segundo disco para que salga poderoso en 2018.

Cuando escuchamos sus canciones estas son muy poderosas, pero nunca sobrepasan los límites o se desgastan en riffs y distorsiones innecesarias. Es un sonido bastante maduro. ¿Son ustedes maduros, viéndolo de una manera más espiritual? ¿Podríamos relacionar sus personalidades con que el sonido sea así?

Al nombrar la palabra espiritual se necesita cierta madurez, aunque llega a ser muy abierta y no cerrado a algo religioso o algo tan estricto. Viéndolo de una manera espiritual estamos más maduros como personas, como músicos, como nos entendemos el uno al otro, cómo compositores al momento de escribir la canción. Uno va madurando, aunque no tiene nada que ver con la edad. Uno puede ser maduro siendo más joven, y luego no, pero siento que en nuestra música exista cierta madurez que, para tocarla y componerla, debes tener cierto conocimiento de lo que estás tratando de hacer. Todo tiene cierta madurez, cierto trabajo. Es lo que hicimos toda la vida para tocar. Mientras uno madure, la música también lo hará. No sé en qué nuestras personalidades influye en el sonido. Nos ligamos con la música que nos gusta y esa es la energía que nos sigue yendo, y ahí metemos nuestra personalidad con las características de la música, lo que nos gusta tocar en vivo, y ahí se ve más.

Hoy pareciera que la música psicodélica está de moda, marcando tendencias, pero lo hace ligada al pop. ¿Qué piensan de esta alquimia a un sonido clásico?

Me parece que sí hay mucha ligazón con el pop, y también pensaba que nadie le da bola al rock, pero no es así. Lo que pasa es que sólo uno está ligado a que el triunfo es ser Justin Bieber. No poder salir de la casa y llenar estadios a ese nivel. Hay artistas de rock que lo siguen haciendo. El acto más popular, más misterioso y más fuerte fue Guns ’N Roses. Sin público de rock, ¿quién te llena 90 mil asientos en estadios de todo el mundo? ¿Qué hacen estas personas ahí? ¿Qué hacen todos en festivales cuando toca Royal Blood, Rival Son o Black Sabbath? El rock no ha muerto, sólo falta ver quién continúa ese legado y quién va a tomar la posta. Obviamente el pop creció muchísimo. Piensa que antes Justin Bieber era Jimi Hendrix, One Direction era The Beatles. Pop es popular, pero nuevamente no creo que se haya ido todo el rock.

Hablando de rock y psicodelia, cuando se analizan sus canciones da la impresión de que se pudiera viajar en ellas, con sensaciones y escenas particulares. ¿Dónde encuentran su inspiración? ¿Qué los influencia?

Nosotros tratamos de crear secciones en las canciones y las dinámicas de que una canción empiece abajo y termine arriba, como es “The Cave”, y crear ciertos munditos dentro de la misma. Creo que nuestra madurez es seguir explorando estos mundos, cada vez haciendo que una canción sea una entidad en vez de que en una haya muchas entidades. Creo que es el gran desafío de un compositor porque a veces quieres meter todo.

¿Están trabajando en nuevo material? ¿Cómo están enfrentándose a esa tarea, considerando el nivel que lograron en su primer disco?

Estamos justamente en el momento de escribirlo. Nos juntamos a escribir, a veces todos juntos, o por separado y trayéndolo a ensayo. Venimos con más madurez como escritores. Sabemos qué funciona y qué no funciona, y analizamos lo que hacen bandas de hoy como Queens Of The Stone Age, a ver qué música sacan ellos. Subimos los tempos de las canciones, pensando que el primero es más pesado. Tenemos una presión, pero queremos elevar el nivel. Queremos que tenga un impacto fuerte, y ahí nos instalamos para armarlo.

Ustedes son una banda que viene desde distintos lugares, un chileno, un argentino, un portugués y un brasileño. Imagino que la controversia contra los inmigrantes y la gente que busca mejorar su vida y aportar a diferentes culturas es algo que les genera una sensibilidad especial.

Es una gran parte de nuestra comunidad, cómo nos llevamos. Hablamos en inglés, portugués, español. Tenemos esa picardía del latino y comunicamos en nuestro lenguaje, pese a que cantemos en inglés, vivamos en EE.UU. y seamos considerados una banda americana. No influye mucho en la música porque no traemos elementos musicales de nuestros países, pero sí en la comunidad.

Con el conocimiento de sus países de origen, ¿han podido identificar aspectos comunes en el estado del rock y la música en general en sus espacios locales? ¿Qué creen que pasa que el rock no pareciera ser un estilo que congregue tanta gente como antaño?

Esto vuelve a lo que dije antes, y más pensando en Chile y Argentina, que son mecas de rock en el mundo. No sé, obviamente ya no existe al nivel de popularidad como es Katy Perry, y no sé qué artista de rock nuevo pueda llenar estadios ahora, pero no creo que el rock no esté. Está en todos los festivales, sólo de distinta manera. En el espacio local –por lo menos en mi país, la Argentina– es gigante, a todas las bandas les encanta tocar ahí, grabar los DVDs del concierto. Hay que encontrar el espacio. La gente siempre está. Cada uno se arma su camino y siempre hay algo para todos. Una cosa es más popular que la otra, pero jamás diría que el rock está mal.

Finalmente, ¿qué creen que la gente encuentra en sus shows que no puede ver u oír en nadie más? ¿Qué entregan ustedes que los distingue?

Creo que nosotros estamos trayendo a la mesa la crudeza de lo que era ver a las bandas en vivo. Cuando se mezcla la canción con las ganas y además el talento en el instrumento, como tocan los chicos, todos tienen cierto entrenamiento, entonces en vivo puedes ir a vernos y llevarte una linda sorpresa de ver gente tocando muy bien y que te gusten las canciones. Esa crudeza, ahí, 1, 2, 3 y a tocar, todo en vivo, sin extras. Un sonido bien potente. Sobre todo, vemos que la gente se acerca más a la banda cuando nos ve en vivo que cuando escucha el disco. Vamos a ver cómo logramos calcar la energía del escenario dentro del siguiente disco.

Muchas gracias por tu tiempo, Sebastián.

Muchas gracias a ustedes, y nos vemos En Órbita.

Foto de portada: Gialina Morten

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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