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Entrevistas

Sebastián Fernández de Stone Giant: “El rock no ha muerto, sólo falta ver quién continúa ese legado”

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Uno de los carteles más nutridos y parejos en calidad que hemos visto en los últimos meses en la intensa oferta musical es el del festival En Órbita, que tiene muy buenos nombres en la parte nacional y en la internacional. Incluso, hay bandas que se contraponen ante estos grupos, teniendo algo de ambos a la vez, como Stone Giant, un conjunto multinacional con miembros de Chile, Argentina, Portugal y Brasil, y un sonido de otros lares. Rock, psicodelia, mucho de clásico y poco de viejo es lo que tiene Stone Giant, y sobre sus planes próximos y la forma de ver la música es que nos pudo responder el vocalista y guitarrista Sebastián Fernández, en una entrevista que te dejamos de manera íntegra a continuación.

Primero, me llama la intención cómo su álbum debut fue masterizado en Abbey Road, considerando que lo grabaron en Hoboken, y de dónde viene cada uno. ¿Lo consideran un logro? ¿Cuál es la historia detrás de poder trabajar y que su material esté en espacios tan diferentes?

Lo consideramos como un logro importante porque es una historia bastante original. Haber masterizado en Abbey Road nunca lo hubiera pensado, y pasó, y estuvimos ahí, en el estudio de Los Beatles, el estudio 2, que todavía tiene olor a viejo y donde se siente la energía. Fue una experiencia increíble, todo lo que representa ese estudio y todo lo que significa haber trabajado ahí. El disco se compuso en Boston, se grabó en Hoboken en Nueva Jersey, después se mezcló en Nueva York y llegó a Abbey Road. Estuvo en todas partes. Es bueno tener una visión de distintas personas y distintas opiniones, porque eso dio otras visiones. Veremos qué plan hacemos para el segundo disco para que salga poderoso en 2018.

Cuando escuchamos sus canciones estas son muy poderosas, pero nunca sobrepasan los límites o se desgastan en riffs y distorsiones innecesarias. Es un sonido bastante maduro. ¿Son ustedes maduros, viéndolo de una manera más espiritual? ¿Podríamos relacionar sus personalidades con que el sonido sea así?

Al nombrar la palabra espiritual se necesita cierta madurez, aunque llega a ser muy abierta y no cerrado a algo religioso o algo tan estricto. Viéndolo de una manera espiritual estamos más maduros como personas, como músicos, como nos entendemos el uno al otro, cómo compositores al momento de escribir la canción. Uno va madurando, aunque no tiene nada que ver con la edad. Uno puede ser maduro siendo más joven, y luego no, pero siento que en nuestra música exista cierta madurez que, para tocarla y componerla, debes tener cierto conocimiento de lo que estás tratando de hacer. Todo tiene cierta madurez, cierto trabajo. Es lo que hicimos toda la vida para tocar. Mientras uno madure, la música también lo hará. No sé en qué nuestras personalidades influye en el sonido. Nos ligamos con la música que nos gusta y esa es la energía que nos sigue yendo, y ahí metemos nuestra personalidad con las características de la música, lo que nos gusta tocar en vivo, y ahí se ve más.

Hoy pareciera que la música psicodélica está de moda, marcando tendencias, pero lo hace ligada al pop. ¿Qué piensan de esta alquimia a un sonido clásico?

Me parece que sí hay mucha ligazón con el pop, y también pensaba que nadie le da bola al rock, pero no es así. Lo que pasa es que sólo uno está ligado a que el triunfo es ser Justin Bieber. No poder salir de la casa y llenar estadios a ese nivel. Hay artistas de rock que lo siguen haciendo. El acto más popular, más misterioso y más fuerte fue Guns ’N Roses. Sin público de rock, ¿quién te llena 90 mil asientos en estadios de todo el mundo? ¿Qué hacen estas personas ahí? ¿Qué hacen todos en festivales cuando toca Royal Blood, Rival Son o Black Sabbath? El rock no ha muerto, sólo falta ver quién continúa ese legado y quién va a tomar la posta. Obviamente el pop creció muchísimo. Piensa que antes Justin Bieber era Jimi Hendrix, One Direction era The Beatles. Pop es popular, pero nuevamente no creo que se haya ido todo el rock.

Hablando de rock y psicodelia, cuando se analizan sus canciones da la impresión de que se pudiera viajar en ellas, con sensaciones y escenas particulares. ¿Dónde encuentran su inspiración? ¿Qué los influencia?

Nosotros tratamos de crear secciones en las canciones y las dinámicas de que una canción empiece abajo y termine arriba, como es “The Cave”, y crear ciertos munditos dentro de la misma. Creo que nuestra madurez es seguir explorando estos mundos, cada vez haciendo que una canción sea una entidad en vez de que en una haya muchas entidades. Creo que es el gran desafío de un compositor porque a veces quieres meter todo.

¿Están trabajando en nuevo material? ¿Cómo están enfrentándose a esa tarea, considerando el nivel que lograron en su primer disco?

Estamos justamente en el momento de escribirlo. Nos juntamos a escribir, a veces todos juntos, o por separado y trayéndolo a ensayo. Venimos con más madurez como escritores. Sabemos qué funciona y qué no funciona, y analizamos lo que hacen bandas de hoy como Queens Of The Stone Age, a ver qué música sacan ellos. Subimos los tempos de las canciones, pensando que el primero es más pesado. Tenemos una presión, pero queremos elevar el nivel. Queremos que tenga un impacto fuerte, y ahí nos instalamos para armarlo.

Ustedes son una banda que viene desde distintos lugares, un chileno, un argentino, un portugués y un brasileño. Imagino que la controversia contra los inmigrantes y la gente que busca mejorar su vida y aportar a diferentes culturas es algo que les genera una sensibilidad especial.

Es una gran parte de nuestra comunidad, cómo nos llevamos. Hablamos en inglés, portugués, español. Tenemos esa picardía del latino y comunicamos en nuestro lenguaje, pese a que cantemos en inglés, vivamos en EE.UU. y seamos considerados una banda americana. No influye mucho en la música porque no traemos elementos musicales de nuestros países, pero sí en la comunidad.

Con el conocimiento de sus países de origen, ¿han podido identificar aspectos comunes en el estado del rock y la música en general en sus espacios locales? ¿Qué creen que pasa que el rock no pareciera ser un estilo que congregue tanta gente como antaño?

Esto vuelve a lo que dije antes, y más pensando en Chile y Argentina, que son mecas de rock en el mundo. No sé, obviamente ya no existe al nivel de popularidad como es Katy Perry, y no sé qué artista de rock nuevo pueda llenar estadios ahora, pero no creo que el rock no esté. Está en todos los festivales, sólo de distinta manera. En el espacio local –por lo menos en mi país, la Argentina– es gigante, a todas las bandas les encanta tocar ahí, grabar los DVDs del concierto. Hay que encontrar el espacio. La gente siempre está. Cada uno se arma su camino y siempre hay algo para todos. Una cosa es más popular que la otra, pero jamás diría que el rock está mal.

Finalmente, ¿qué creen que la gente encuentra en sus shows que no puede ver u oír en nadie más? ¿Qué entregan ustedes que los distingue?

Creo que nosotros estamos trayendo a la mesa la crudeza de lo que era ver a las bandas en vivo. Cuando se mezcla la canción con las ganas y además el talento en el instrumento, como tocan los chicos, todos tienen cierto entrenamiento, entonces en vivo puedes ir a vernos y llevarte una linda sorpresa de ver gente tocando muy bien y que te gusten las canciones. Esa crudeza, ahí, 1, 2, 3 y a tocar, todo en vivo, sin extras. Un sonido bien potente. Sobre todo, vemos que la gente se acerca más a la banda cuando nos ve en vivo que cuando escucha el disco. Vamos a ver cómo logramos calcar la energía del escenario dentro del siguiente disco.

Muchas gracias por tu tiempo, Sebastián.

Muchas gracias a ustedes, y nos vemos En Órbita.

Foto de portada: Gialina Morten

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Doug Martsch de Built To Spill: “La industria discográfica está muerta”

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Doug Martsch

Queda muy poco para una nueva versión del festival Fauna Primavera, donde se producirá uno de los debuts más interesantes que tendremos este año. Hablamos de Built To Spill, banda seminal del movimiento indie durante los noventa, quienes, bajo la tutela de su líder Doug Martsch, han ido desarrollando un sonido gestado por las guitarras sucias y los intensos momentos de improvisación que se producen en el escenario. Con ocho álbumes de estudio a la fecha, la banda promete arrasar con todo a su paso cuando se tomen el Fauna Primavera Stage a las 15:10 de la tarde el próximo 10 de noviembre en Espacio Broadway, repasando su discografía ante quienes esperan por su arribo.

Como previa a su presentación, conversamos por teléfono con Doug Martsch, quien nos platicó sobre diversos temas en relación a la banda, como el aniversario de su álbum “Keep It Like A Secret” (1999), su relación con el sello Warner Bros., sus formas de trabajo a la hora de componer música, su opinión sobre la industria discográfica, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos íntegramente a continuación.

Doug, quiero que comencemos hablando de esta visita a Sudamérica. Estarán tocando en algunos festivales, además de algunos shows en solitario. ¿Qué se siente llegar por primera vez hasta un lugar tan lejano con tu música?

Estoy muy entusiasmado, nunca he ido a Sudamérica antes. No iremos a tocar tanto como nos gustaría, pero aun así estoy muy contento de ir por fin.

El próximo año tocarán algunas fechas para celebrar los 20 años de “Keep It Like A Secret” (1999). ¿Sienten que esta gira por Sudamérica será una especie de precalentamiento para lo que se viene en 2019?

No, los shows de allá serán shows comunes de nosotros, tocaremos canciones de todos nuestros álbumes.

He estado mirando los setlists de la gira y cambian bastante. ¿Cómo deciden lo que tocarán cada noche?

Cuando nos vamos de gira, ensayamos, por lo que no tenemos claro que canciones haremos. Los setlists se van armando con todo lo que preparamos, ya sabes, vamos rotando las canciones, cambiándolas de orden, explorando nuestras opciones cada noche. Siempre trato de darles un cambio a las canciones, extendiéndolas o tocándolas en un tempo diferente, son ideas que tengo en la cabeza u otras veces sólo porque siento que suena mejor, la idea es que sea fluido.

¿Los escribes en papel o van viendo en el escenario lo que tocarán?

Siempre los escribo, así todos estamos preparados para el show.

Quiero que hablemos del álbum “Keep It Like A Secret”. Entiendo que fue un proceso colaborativo entre todos los miembros de ese tiempo. ¿Cómo diste con las ideas que expresaste en ese disco?

Fue una mezcla de lo que tenía y lo que la banda fue creando mientras improvisábamos. Hicimos mucha improvisación mientras nos reuníamos a ensayar y desde ahí fueron saliendo cosas muy interesantes. Cuando todos se iban a casa, iba escuchando lo que habíamos creado y así lo integraba a lo que yo tenía preparado.

¿Esa es tu forma de componer o prefieres hacerlo por tu cuenta y luego mostrarle las ideas al resto?

Es algo que va y viene, dependiendo de cuál es la situación. Después de ese disco hicimos “Ancient Melodies Of The Future” (2001), donde yo lo hice todo y luego lo mostré para que lo grabáramos.En el álbum anterior a “Keep It Like A Secret”, “Perfect From Now On” (1997), también fue así. Luego, en “You In Reverse” (2006), volvimos al proceso colaborativo, incluso mucho más que la vez anterior. Y en “There Is No Enemy” (2009) de nuevo me encargué de todo basándome en las improvisaciones, lo mismo para “Untethered Moon” (2015), por ende, siempre es algo que va cambiando.

Sé que con cada disco intentas cambiar la alineación de la banda. ¿Es eso algo intencional para mantener la música en evolución?

Sí, eso también va dependiendo de la situación. Cuando comenzó la banda lo fuimos haciendo, pero en “Perfect From Now On” me gustó mucho lo que hicimos y quise seguir explorando esa colaboración, por eso la banda se mantuvo durante un tiempo. Después han ido pasando muchas formaciones por distintos intervalos de tiempo; recientemente dejé de tocar con quienes me acompañaron en el último disco, por ejemplo.

El último álbum fue en 2015, ¿tienes planes para uno nuevo a futuro?

Tengo algunas canciones que ya compuse, espero comenzar a grabar el próximo año, tal vez.

Hace poco se marcharon de Warner Bros. Records, terminando una relación de más de 20 años. ¿Por qué lo hicieron?

Bueno, nuestro contrato terminó, quedamos libres para irnos. Ellos querían firmarnos de nuevo, pero les mostramos lo que teníamos ganas de hacer y nunca nos respondieron, así que nada que hacer, optamos por seguir nuestro camino.

¿Querían irse de todas formas antes de que terminara el contrato?

No, realmente. Creo que hace 10 o 15 años debimos hacerlo, pero todo se fue dando bien. Hubo un momento en que quisieron renegociar, no sabía bien qué hacer y seguimos con ellos, pero estábamos felices porque podíamos hacer lo que queríamos, lanzábamos nuestros discos sin problemas. Quizás no habría sido la decisión más inteligente irnos a otra disquera, habríamos tenido complicaciones de dinero para hacer nuestros discos, a pesar de que nunca vendimos tantos la verdad; toda la industria discográfica está muerta, así que en el fondo no importa mucho. La mayoría de nuestro dinero lo ganamos gracias a las giras.

¿Qué opinas de la industria discográfica en estos días?

No le presto mucha atención a eso, pero obviamente en un tiempo nadie comprará discos, ya que ahora puedes escuchar todo en streaming. Creo que la industria discográfica está muerta.

¿No crees que este renacimiento del vinilo quizás está haciendo que la gente compre discos de nuevo?

No, eso es algo para niños ricos y súper fanáticos, no creo que traiga muchos beneficios para los artistas. Eso se terminará en un abrir y cerrar de ojos.

Tienes un gran punto con eso, ya que los discos son muy caros de todas formas. Quizás tienes razón en que sólo los súper fanáticos compran los discos en formato físico.

Exacto, y ni siquiera los escuchan. Siguen escuchando las canciones en streaming, mientras tienen una pieza de merchandising, pero es una buena forma de apoyar a las bandas. De cierta forma, las personas que crecieron con una banda sienten una especie de obligación en comprar los discos y apoyar a sus artistas, ya que comprenden el hecho de que la industria está completamente en descenso. Aman su arte y por eso quieren ayudarlos.

Los discos de hecho vienen con una tarjeta para descargarlo en formato digital.

Claro, en el fondo siguen escuchándolo de manera digital.

Hablando de tu experiencia personal: ¿es bueno o malo que una banda trabaje con una gran empresa discográfica?

Bueno, desde mi experiencia fue algo bueno. Como dije, quizás haber sido un poco más inteligentes y pacientes nos habría permitido lograr lo mismo o más en un sello independiente, o incluso por nuestra propia cuenta, pero no lo sé. No soy muy experto en ninguna de estas cosas, sólo hablo del lado artístico, nunca le presté atención a la parte comercial, dejaba que ellos se encargaran de todo mientras yo solamente jugaba básquetbol o hacía cualquier cosa en mis tiempos que no componía (risas). La verdad no sabría decir si es bueno o malo.

Estuve viendo tu perfil de Twitter y me llamó mucho la atención las cosas que posteas. ¿Son ideas que se te vienen a la mente o fragmentos de letras que estás escribiendo?

Nunca he visto mi perfil de Twitter, con eso te digo todo (risas). Contraté a una persona para que se encargue de eso, postee cuando tenemos shows y todo ese tipo de cosas. No debería haber nada más aparte de eso.

De hecho, te iba a preguntar más sobre eso porque son cosas bien abstractas.

Entiendo, tengo a una persona haciendo eso, yo solamente le dije: “Haz lo que creas conveniente” (risas). No sé qué pueda estar haciendo, ¿qué tal son las cosas que pone, te gustan?

Sí. De hecho, son palabras muy especiales. No sé si las tengo por aquí, déjame revisar.

Está bien, échales un ojo, quiero saber lo que dice (risas).

Sí, claro. Hay una del 19 de julio que dice: “Jesús odiaría lo que hicimos con este planeta”.

Oh, sí (risas). Eso es un poco en broma, es de una canción de reggae que hicimos, habla sobre la guerra de Irak, es una canción de protesta. Es como todas estas personas cristianas que apoyan la guerra y se supone que siguen a Jesús, pero adelante, vamos con otra más (risas).

Me gusta mucho la última, es del 14 de septiembre, y dice: “Si hay una palabra para ti, no significa nada”.

Ok, eso es algo que escribió mi esposa (risas).

De acuerdo, Doug, pasemos a otro tema. Has citado muchas influencias para tu música, ¿hay algún disco que haya cambiado tu vida?

Sí, hay varios. Mientras crecí escuchaba la radio todo el tiempo, durante los setenta y ochenta, pero me fui formando más cuando era adolescente. R.E.M. surgió en esos tiempos, ahí escuchaba cosas que no estaban en la radio. David Bowie me marcó mucho también, y en especial me interesé en Dinosaur Jr. y Butthole Surfers, No puedo recordar algún álbum en específico, pero creo que el “You’re Living All Over Me” (1987) de Dinosaur Jr. fue el disco que más influenció en mí durante mi proceso más transformativo.

De hecho, en Santiago tocarán en el mismo festival que Dinosaur Jr. en 2012.

¡Oh, genial! Es una gran coincidencia.

Bueno, Doug, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a la gente de Chile?

Sólo quiero decirles que estoy esperando para verlos a todos. ¡Nos vemos en el festival, muchas gracias por tu tiempo!

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