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Entrevistas

Rodolfo Gárate, director de “Unfinished Plan”: “Esta historia de amor le hará sentido a todo quien la vea”

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Alain Johannes es parte de los artistas más importantes del rock actual, siendo el compañero de gente como Josh Homme, Mark Lanegan, Chris Cornell, o actualmente uno de los engranajes de la perfecta gira de PJ Harvey. Su historia personal es poco conocida, su música aún menos en nuestro país, pero desde su reconexión con Chile, país donde nació y vivió hasta los 3 años, las emociones también juegan. “Unfinished Plan” será uno de los documentales en competencia en In-Edit Nescafé 2016, y mostrará la historia de amor entre Alain y su compañera en Eleven y en la vida, Natasha Shneider, fallecida en 2008. Precisamente para entender las múltiples aristas en esta fascinante historia es que conversamos con el periodista y audiovisualista Rodolfo “Fito” Gárate, quien desde la vereda curiosa del contador de narrativas notó que había algo que mostrar, y que el mundo debía conocer más de Johannes que simplemente su gran talento musical.

¿Qué es lo que te llevó a elegir la historia de Alain como algo digno de ser contado mediante un documental?

Alain Johannes, por todo lo que sabemos, es una figura que siempre estuvo desde un segundo plano apoyando a mucha gente que hizo la música más relevante en los últimos 30 o 40 años del rock americano, influenciando a todo el mundo. Como se sabía que tenía esta relación con Chile a través de su tío Peter Rock, yo lo conocía como cualquier persona, y esa era ya una historia, pero estábamos en la superficie. Cuando vi que podía haber una historia, algo más que contar ahí, fue cuando me enteré que vino a Chile a Maquinaria Fest 2010, y supimos algo que ahora se conoce, que es hijo de Danny Chilean, un músico súper importante de la Nueva Ola, y su madre Romy Moschulski, que es la hermana de Peter Rock. Estaba esto de que él tenía una familia de músicos, luego está con los músicos más importantes de su tiempo, luego vuelve a Chile y se reencuentra con su padre, que también fue un músico importante, la pérdida la Natasha que es su mujer y con quien hizo música. Toda esta mezcla me daba la intuición de que había algo por hacer y que sobrepasaba lo anecdótico de que estuviera con músicos muy importantes a nivel mundial. Ahí empezamos a ver qué podíamos construir con el documental.

¿En qué punto dijiste que no había retorno?

Para mí siempre fue cuando le dije a él (Alain) que quería hacer el documental, sin siquiera saber si tenía los recursos, pero teníamos ganas. Y en el mundo de los documentales en Chile hay que tener ganas o de lo contrario no se hace nada. Afortunadamente uno se rodea de mucha gente, una patota, y vamos generando historias para que se puedan documentar con la ayuda de tus amigos, y eso va tomando forma. Luego uno postula a fondos estatales, luego privados, que es algo que nos pasa a nosotros, el del CNTV, que es el más grande que nos apoyó. El momento clave fue cuando vimos que teníamos una historia porque había que contarla, o no íbamos a poder dormir en las noches.

¿Se involucró Alain en algún punto del armado del documental?

Alain Johannes es una persona que tiene un nivel cultural muy alto. Sabe mucho de música, literatura, cine, y creo que eso hace que sepa muy bien la importancia de la libertad creativa. Johannes nunca, nunca se metió en nada del registro o la edición, y fue muy generoso y respetuoso como creador porque respeta la libertad creativa de otros, y en el mundo hipermercantilizado en que vivimos eso cuesta verlo, porque todo el mundo quiere hacer relaciones públicas a través de sus historias. Alain nos dio un voto de confianza para hacer la historia que se tenía que hacer, por el punto de vista autoral que le imprimimos y porque es muy justa con él.

El documental tiene como protagonistas a músicos, pero va más allá en los temas que toca.

Muchas veces pensando en el documental yo le daba vueltas a por qué es importante la música, por qué la gente vive con la música, sus recuerdos están en la música, sus emociones son transmitidas por la música, sus estados de ánimo se representan ahí, y la historia de Alain Johannes es eso. La música nos ayuda a hablar de una historia de amor porque la música que hizo está cruzada por la historia de amor con su pareja personal y creativa, Natasha Schneider, fallecida en 2008. Si bien es una historia musical, donde veremos que Alain estuvo en el desarrollo de la música de las últimas cuatro décadas, veremos también que es un relato construido junto a Natasha y cómo una historia de amor va generando música, y ahí está la pretensión de contar algo mucho más universal. Claro, hay gente que va a ir por la música y va a vibrar, todos vamos a vibrar. A mí me encanta la música presente ahí, pero la historia de amor le va a hacer sentido a todo quien vea el documental; en cualquier parte del mundo hace sentido lo que es tener amor y lo que significa perderlo. Entonces, ahí viene este viaje que supera a la música, donde ella te ayuda a cristalizar la historia y que se vea bien.

La película se estrena en In-Edit Nescafé, pero no comercialmente acá de inmediato, ¿cierto?

Acá se estrena en la competencia nacional de In-Edit y se exhibe entre el 9 y 11 de diciembre, pero luego de eso se va de gira por festivales. Aún no sabemos dónde la estrenaremos en premiere mundial. La idea es que la película sea vista en otros lados, que viaje. Alain tiene llegada en muchos lados, de hecho ya han preguntado desde Estados Unidos, España y Argentina para que sea mostrada en esos lugares. El plan es que se estrene en agosto en salas comerciales en Chile.

¿Crees que este documental pueda ser leído como un acto de gratitud ante un tipo muchas veces ignorado como ha sido Alain?

No sé si es un acto de gratitud. Nosotros vimos esta historia que debía ser contada, y si la gente lo ve como un acto así, qué bueno, me encanta, pero va a ser una obra que permitirá saber más de este músico, su historia personal, su participación en bandas muy importantes, que se conozca Eleven que es su gran banda, proyectos anteriores como el que luego sería Red Hot Chili Peppers, What Is This?, también Walk The Moon que lo hizo con Natasha. Si detrás de todo eso hay gratitud a nivel local, yo creo que acá no se conoce no más. No se trata de una intencionalidad de no pescarlo, sino que no se ha conocido por distintas razones más allá de un círculo, y esperemos que esta película haga que lo conozca más gente, lo que será muy bueno para todos.

¿Qué dificultades materiales hubo para hacer “Unfinished Plan”?

Hacer el documental fue muy difícil porque tenía desafíos de producción muy grandes. Más allá de lo técnico y artístico, que ya era un tema grande, grabar, conseguir el material era muy difícil, por lo mismo era más desafiante y más interesante de hacerlo. Implicaba ser creativo y saber cómo resolverlo. Por ejemplo, quiero entrevistar a alguien muy importante en la historia de Johannes como es Chris Cornell. ¿Dónde lo entrevisto? Cornell está de gira todo el año. Era muy urgente tener esos testimonios que, afortunadamente, conseguimos cuando vinieron a Chile. Si bien teníamos el ánimo y ganas de los músicos de hablar en el documental, había que hacer gestiones indirectas porque estaban de gira, por lo tanto había que hablar con tour managers, y todas barreras se lograron vencer y tenemos testimonios con una voluntad increíble de las personas con las que hablamos. Es una muestra de cómo era de complicado hacerlo, porque de lo contrario te podría contar toda la mañana de más y más dificultades.

Finalmente, ¿estás contento y conforme con este documental?

Hacer esta película fue súper desafiante por varios motivos. Lo artístico, los aspectos de producción, porque son casi siete años de trabajo… Cuando vi la obra terminada quedé muy contento. Lo que opinan los demás está por verse. Personalmente creo que es una obra que le hace justicia a él, así que ahora queda que el respetable dé su opinión, pero yo quedé contento y conforme con lo hecho.

Por Manuel Toledo-Campos

Entrevistas

Dean Fertita: “Si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás”

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Años de trayectoria con proyectos como Queens Of The Stone Age, The Raconteurs, The Dead Weather o Hello=Fire avalan a Dean Fertita como uno de los músicos más moldeables en el rock, llevando su sello de guitarra y teclado como un aporte distintivo en los artistas con quienes toca. Ahora, el músico se pone por primera vez en la primera plana con el lanzamiento de “Tropical Gothclub”, su primer larga duración como solista, el que no sólo recoge ideas de las tantas sesiones de grabación durante la pandemia, sino que también de los años de carretera tocando en distintos países y con distintos músicos.

La llegada de este trabajo fue suficiente para que nos conectáramos con Fertita a la distancia y conversáramos no sólo sobre la creación del LP, sino que también de la manera que tiene de trabajar, el estado actual del próximo disco de Queens Of The Stone Age, cómo surgieron los conceptos que aborda en esta obra, entre otros temas, que abordamos en esta entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Dean, ¿cómo estás?

Estoy muy bien. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, gracias por conversar con nosotros sobre tu nuevo álbum. ¿Dónde estás ahora? ¿Sigues viviendo en Nashville?

Sí. Estoy en mi casa en Nashville en estos momentos.

Partamos hablando de tu nuevo disco, “Tropical Gothclub”. Estuviste trabajando con Dave Feeny, que tiene un estudio en Detroit. ¿Viajaste hasta allá para grabar las canciones?

No, la verdad, con Dave tenemos una relación de trabajo desde hace mucho tiempo. Como antes yo vivía en Detroit, lo conozco hace años. Tenemos una relación al punto de que le mando tracks para que los mezcle, confiando plenamente en que sabe los resultados que busco; tenemos ese tipo de química. Para algunas canciones grabé unas partes allá, en unas tres o cuatro grabamos las baterías allá también. Con un amigo trabajamos en las ideas e hicimos unas versiones largas de las canciones, las que después acorté porque realmente no tenía claro qué hacer, sólo estaba materializando las ideas. El hecho de que todas ellas terminaran siendo un disco, básicamente fue un accidente (risas).

De hecho, te iba a preguntar sobre esto. Entiendo que comenzaste a trabajar en esta música durante la pandemia porque tenías mucho tiempo libre. Ya que dijiste que fue un accidente, ¿cómo llegaste a la idea de hacer un disco?

Nunca lo hice, de hecho. Es interesante. En 2020 estábamos preparándonos para grabar con Queens Of The Stone Age, y para todos fue como: “¿Cuánto irá a durar esta cuarentena? De seguro estaremos de regreso en dos semanas”. En 25 años que me la he pasado girando y grabando, nunca había estado más de seis meses seguidos en casa, así que de pronto me vi con mucho tiempo y entendiendo que las cosas seguirían así. En vez de prepararme para regresar a la vida habitual, preferí seguir siendo productivo y tener algo que hacer, para así al final del día sentir que hice algo más que sentarme a esperar que la situación mejorara, eso fue parte de mi rutina. Tengo un pequeño estudio, muy primitivo, así que llevé estas canciones que en mi mente no eran más que demos, y nunca pensé en una colección de canciones que se transformaran en un disco. Estas ideas estaban pensadas para terminar en algún otro lugar, pero no lo hicieron por distintas circunstancias. De pronto, fui persuadido por mis amigos de que debía publicar estas canciones como un álbum, así que confié en su opinión (risas).

¿Por qué decidiste que este álbum estuviera firmado con tu nombre y no con un pseudónimo o un nombre para el proyecto?

Interesantemente, luché porque el disco fuera sólo con el proyecto Tropical Gothclub, esa era la idea, no quería que se interpusiera mi nombre en el camino porque no era algo que había estado preparando ni nada, nunca estuvo concebido como un álbum solista. Así que, nuevamente, por consejo de mis amigos puse mi nombre en el disco y aquí estamos (risas).

También dijiste que el concepto de este disco es la “nostalgia futurista”. Quisiera que nos contaras un poco del significado de esto.

Lo de la nostalgia futurista es porque pasaron varias cosas cuando empecé a trabajar en este material. Eso me dio una oportunidad para realmente pensar en situaciones que han ocurrido en mi vida que me llevaron donde estoy ahora, así que me obsesioné con el hecho de volver a experimentar cosas que hice cuando era joven. Crecí durante los 70, así que volví a toda esa música que escuchaba, me reconecté con elementos que me unen a mis amigos y que se han transformado en parte importante de lo que soy actualmente. No sólo música, también hablo de arte, películas, y cosas por el estilo. Todo eso, sumado al período tan único que estábamos viviendo, el que espero que nunca más tengamos que vivir, me marcó de una forma en que en 20 años más, o incluso ahora mismo, miro profundamente porque realmente definió la forma de ver la vida, hizo que algunas cosas se aclararan, lo que es importante y todo eso. Estoy consciente de que actualmente vivo un período al que recordaré con nostalgia, por lo que de ahí viene el concepto, es lo que rodeaba mi cabeza cuando trabajaba en estas canciones.

¿Por qué nombraste el disco como “Tropical Gothclub”?

El nombre proviene de algo totalmente ajeno a la música. Durante la pandemia pasé mucho tiempo con mi hija, ya que girando por 25 años me perdí de muchas cosas importantes con ella. Cuando comenzamos a trabajar en el próximo disco de Queens Of The Stone Age, con mi familia nos mudamos a California, que era preciso para estar durante ese tiempo porque había una playa cerca. Cada vez que salíamos a la playa, no podíamos evitar pensar en el entorno tan maravilloso, vibrante y soleado, así como en el contraste con el período tan oscuro y depresivo que se vivía, por lo que empezamos a bromear de que íbamos al “Tropical Gothclub” (Club Gótico Tropical) cada vez que salíamos. Luego de que empezamos a bromear con eso, con mi hija comenzamos a tomar fotos en blanco y negro de las cosas más coloridas y alegres que encontráramos, y eso terminó mezclándose con la música en la que estaba trabajando.

Genial. Este es, sin duda, un disco muy ligado a lo que viviste estos años.

Sí, además de eso hay algo más filosófico, en el sentido de que estas ideas de lo bueno y malo, sombra y luz, el hecho de conocerse con lo bueno y lo malo, son cosas muy introspectivas que influyeron mucho. Todas estas cosas son más grandes y personales para mí, por lo que son importantes.

Cuando escucho las canciones de este disco, me recuerda a muchas de las cosas que has hecho en tu carrera, se sienten las influencias de artistas con los que has tocado. De hecho, siempre que he escrito sobre algo en donde estás involucrado, ya sea un show o un disco, te destaco como el “arma secreta” de la banda…

Oh, muchas gracias (risas).

Con todo esto, se me viene a la mente el saber cómo te enfocas a la hora de componer. ¿Tratas de aportar tu enfoque o más bien buscas cómo adaptarte a la situación?

Siempre habrá algo de adaptación cuando trabajas con otros músicos, pero pasa de una forma tan natural, que muchas veces no lo notas. Creo que la forma en que veo las cosas es de siempre aportar algo, si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás. Hay que sentirse muy cómodo con saber quién es uno y en qué puede ayudar. Cuando trabajaba en estas canciones, esa fue mi intención. Sabía que QOTSA haría otro disco y quería tener algo que aportar, mantenerme en forma como compositor y estar constantemente haciendo cosas, esperando que alguna pudiera funcionar y se complementara con otra idea. Por el otro lado, es interesante que todo esto probablemente no habría partido si no fuera por una conversación que tuve con Alison Mosshart, ya que después de terminar la gira con The Raconteurs, pensamos que quizás sería divertido trabajar en algunas ideas con The Dead Weather, debido a que estábamos todos en casa. Nos enviamos algunos demos, ella me envió una canción llamada “Street Level”, que era solamente su voz y una guitarra, y me encantó la idea y la reinterpreté para incluirla como lado B en el primer single de este disco. Eso me puso en la disposición para trabajar y ayudó mucho, sin duda.

Dean, hablemos de Queens Of The Stone Age, ya que justo un poco antes de que te llamara se confirmaron los primeros shows para 2023. ¿Eso significa un tour completo? ¿Un nuevo álbum? ¿Qué nos puedes contar del futuro de la banda?

Teóricamente, significa todo eso (risas). Vamos acercándonos a la etapa final del disco y estamos totalmente enfocados en terminarlo. De hecho, hace unos días regresé luego de estar durante unas semanas trabajando junto a la banda. Estoy muy entusiasmado, creo que el próximo año será muy divertido.

¿Están pensando en qué fecha de 2023 para publicar el disco?

Depende de cuando esté todo listo, pero idealmente ya estará disponible cuando giremos el próximo verano por distintos países.

Dean, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Antes de terminar, quisiera que nos contaras si estás enfocado en algún otro proyecto en estos momentos.

En estos momentos estoy enfocado en terminar el disco de QOTSA, es lo único en lo que pienso por ahora. He tenido conversaciones para hacer algunos shows un poco menos convencionales en torno al disco que lanzaré, pero tengo que pensarlo, ya que está ligado a la agenda que tendré con QOTSA, y espero tener más claridad de eso pronto.

Qué bueno que me dices esto, ya que en el comunicado de prensa del disco dices que no quieres hacer la promoción habitual para esta placa, sino que pensar en algo diferente.

Exacto. He pensado un poco en cómo me gustaría llevar estas canciones a un formato en vivo, lo que me da una oportunidad para llevar a cabo esas ideas y ver si es que funcionan y a la gente le gusta. Tengo también algunos proyectos con amigos, en los que no hemos podido trabajar por la falta de tiempo, pero eso no lo hace menos importantes. Definitivamente tengo que encontrar un espacio para dedicarme a ellos.

Muchas gracias por tu tiempo, espero verte el próximo año acá en Chile.

Esperemos que sí. Muchas gracias, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

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