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Robin Staps de The Ocean: “Será genial debutar en el mismo escenario en que tocó MONO”

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Se acerca otra fecha más de Santiago Fusión, donde por lo general nos visitan bandas de los estilos más variados. Esta vez será el turno de la agrupación alemana de metal progresivo, The Ocean, quienes debutarán en nuestro país este 19 de octubre en el Teatro Nescafé de las Artes como parte de la gira que promociona “Pelagial” (2013), obra conceptual que es su último trabajo a la fecha. Bajo este contexto, conversamos con su guitarrista y líder, Robin Staps, sobre la idea de concebir un disco conceptual, los planes a futuro para la banda, los artistas de su sello Pelagic Records, entre otras cosas, en una entrevista que puedes leer íntegra a continuación:

Hola, Robin, ¿puedes oírme bien?

Sí, perfecto, ¿como estás?

Muy bien, gracias. ¿Cuánto tiempo tenemos?

Tenemos tiempo de sobra, ya que es mi última entrevista, así que no te preocupes.

Perfecto. Me gustaría que habláramos de “Pelagial”, disco conceptual que es el último que han sacado a la fecha. ¿Qué te motivó a desarrollar un álbum de este tipo?

Es una idea que tenía hace mucho tiempo, la verdad. Quería hacer un disco que fuera como un viaje desde la superficie del océano hasta sus profundidades, que básicamente “idealizara” este recorrido que empieza con música que refleja la superficie del océano, muy luminosa y calmada, y que se va condensando y poniéndo más oscura y pesada a medida que el oyente se aproxima a las profundidades.

Todo un desafío…

Sin duda, fue un desafío musical muy grande. Hacer un disco que fuera como un viaje continuo, una pieza musical sin interrupciones de principio a fin, creía que esta idea era genial (risas). Cuando lo analicé, hace muchos años, no sabía cómo hacerlo, porque es algo completamente distinto componer canciones que tengan 5 minutos de duración o 15 minutos, en el caso de las más largas que tenemos. Aquí era una hora o más de música que debía ser continua, como una sola canción, así que era todo un desafío. Estaba asustado, ya que nunca había hecho algo así antes, por ende, y a pesar de que la idea era antigua, decidí hacer otros discos primero, enfocándome en temas del antropocentrismo y cosas así, que son parte de otros trabajos de tipo “conceptual” que hemos hecho, donde las letras tenían un concepto, pero no había uno verdadero detrás de la música, porque era algo más lírico. Eso fue diferente con “Pelagial”, toda la música fue concebida en mi mente bajo esta idea del viaje a través del mar, por lo que cada canción está muy ligada a eso. Fue muy difícil, cuando me lo proponía decía “no, no quiero hacer esto ahora, mejor intentaré otra cosa”, pero en 2011 me decidí a hacer el disco una vez que ya tenía la experiencia necesaria. Se sintió muy reconfortante; complicado, pero reconfortante dentro de todo.

¿Por qué decidiste integrar letras a este disco, si en un principio lo habías concebido como un álbum instrumental?

Claro. Cuando comencé a componer este disco me di cuenta que quizás no había espacio para las letras, ya que no sabía qué podías cantar respecto al concepto de este viaje. Tampoco quería hablar de, no lo sé, criaturas marinas combatiendo en las profundidades del océano, habría sido muy tonto y simple tal vez. Por eso sentía que debía ser un disco instrumental. Coincidentemente, nuestro vocalista, Loïc Rossetti, estaba teniendo problemas de salud en esos momentos, complicaciones con sus cuerdas vocales, por lo que no estaba seguro de si podía continuar girando, así que pensé que hacer un disco instrumental era la forma adecuada de darle un descanso y tiempo para recuperarse. Ese fue el plan, y todo fue compuesto y desarrollado de esa manera, nunca tuve la idea de incorporar letras, estaba feliz con el resultado. Luego Loïc se sintió mejor y quiso ser parte del álbum, así que le propuse cantar la última canción y así darle una sorpresa a la gente que estuviera escuchando un disco instrumental y de pronto les apareciera esta última pista con letras. A todos les encantó la idea y la llevamos a cabo, pero aún nos quedaban un par de días para trabajar, así que intentamos incorporar canto en más temas durante unos tres días. Al final de todo eso, pensamos: “mierda, esto es demasiado bueno para tirarlo a la basura, ahora debemos grabar voces para todo el disco” (risas). Loïc volvió a Suiza y estuvimos como tres semanas enviándonos ideas, para luego grabar todo. Al final decidimos mantener los planes y lanzar dos versiones del disco, una instrumental y la otra con letras, y es así también como lo interpretamos en vivo. Pese a que la mayoría de las canciones son cantadas, tenemos piezas especificas que sólo las ejecutamos de manera instrumental. Nuestro enfoque es completamente diferente, ahora tenemos otro espíritu. Cuando tienes un vocalista la gente se enfoca en él, pero si quitas eso, el público le prestará atención a los músicos, a las proyecciones en vídeo y todo eso, lo que es genial. Ambos mundos complementándose muy bien. Son dos experiencias muy diferentes, no podrías escoger a una por sobre la otra.

¿Se encuentran trabajando en el siguiente álbum en estos momentos?

Ya comenzamos a trabajar en él, tenemos un poco de material compuesto, pero en los últimos meses no hemos trabajado mucho en ello para serte sincero. Durante este año hemos estado ocupados en otras cosas; creo que es muy importante para la banda no estar en gira todo el tiempo, para poder dedicarnos a los otros proyectos que cada uno tiene. Diría que el 80 por ciento ya fue compuesto; una vez que regresemos de Sudamérica y Australia en noviembre, prepararemos todo para grabar a principios de primavera (europea) y lanzarlo en otoño del próximo año.

Esta es tu primera vez tocando en Sudamérica. Leí en algunas entrevistas que habías estado de viaje por algunos lugares de acá, ¿es cierto?

¡Sí! Estuve en Perú y Bolivia en 2004 viajando por mi cuenta, fue hace muchos años ya (risas).

¿Te gusta la cultura latinoamericana?

Sí, me encanta. Estoy muy emocionado de regresar a esta parte del mundo. Desafortunadamente, ya no tengo mucho tiempo para viajar como antes, cuando era aún un estudiante, por lo que será muy loco estar de vuelta. Hace un tiempo estuve un par de veces en Centroamérica; Costa Rica y Panamá, ahora por suerte tendremos un par de días libres en Ecuador, donde podremos disfrutar un poco. En Argentina, por ejemplo, sólo estaremos dos días, y uno lo dedicaremos por completo al show, lo que es lamentable. Hubiera deseado estar más tiempo, pero tenemos que seguir girando y haciendo esto profesionalmente, no como vacaciones, o de lo contrario nuestra banda y equipo no volvería a tiempo para retomar sus trabajos, pagar sus cuentas y todo lo demás. Lamentablemente no tendremos mucho tiempo, pero aprovecharé al máximo las dos semanas que estaremos allá, ¡será muy divertido!

Hace un tiempo formaste tu propio sello, Pelagic Records. Cuéntanos sobre los futuros planes de este.

Tenemos un nuevo disco de pg.lost que salió la semana pasada. Ellos son una increíble banda de post-rock proveniente de Suecia, con un sonido muy pesado también. Creo que este disco se llama “Versus”, y es de lo mejor que han hecho en años, así que ha sido nuestro pilar de promoción durante las últimas semanas. También tenemos un nuevo disco de una genial banda instrumental china de post-rock, llamada Wang Wen, que saldrá a fines de septiembre. Ellos son muy populares en su país, nunca han estado en Sudamérica, pero sí en Europa, donde no es tan fácil llegar para ellos. El disco está muy muy bueno, se llama “Sweet Home, Go!” y estará disponible en un par de días. También tendremos un nuevo álbum de MONO para el 14 de octubre, estoy seguro que los conoces, son muy populares. Es más, creo que estuvieron en Sudamérica hace poco, tocaron en Chile también. Este nuevo disco que lanzarán fue grabado por Steve Albini. Creo que estos tres trabajos son los principales que estaremos promocionando durante estos meses. Aparte de esto, sacamos un disco de una muy potente banda de Berlín llamada LLNN (“Loss”, 2016), que salió en junio pasado. De aquí a fin de año estaré muy ocupado haciendo el trabajo con la banda, así como el del sello. Ahora que estaremos de gira con The Ocean no podré estar muy pendiente de Pelagic, pero aún así tendremos muchas cosas de aquí a fin de año, así que deberían ponerles atención.

Ahora que mencionas lo de MONO en Sudamérica, ustedes tocarán en el mismo recinto en que ellos se presentaron, serán parte del mismo ciclo de conciertos que los trajo a Chile…

¿En serio? ¡Será genial debutar en el mismo escenario en que ellos tocaron! Son muy buenos, estoy seguro que disfrutaron del show.

Fue un maravilloso concierto. Respecto a la banda, ¿por qué decidiste hacerla un “colectivo” y no tener una formación estable para todos los discos?

No fue una decisión, fue sólo algo que sucedió, básicamente. En los inicios de la banda tuvimos mucha gente que entraba y salia del grupo, por lo que fue muy dificil establecer una formación que disfrutara tocando música tan compleja. Cuando comienzas, no tienes mucho que ofrecer, por lo que los músicos que deseas terminan tocando en bandas que tienen mucho más para darles. Fue muy complicado encontrar gente que fuera capaz de tocar el tipo de música que queríamos hacer y que, al mismo tiempo, no fuera parte de otra banda. Esa fue una de las razones por la que nuestra formación ha cambiado tanto. La otra, fue por lo difícil que es lograr un consenso de hacia donde se quiere ir. A veces empiezas a tocar con alguien y dices “genial, esto funcionará muy bien”, pero otras veces se necesita tocar con diferentes personas hasta encontrar al guitarrista adecuado, o al baterista que más se adapte al sonido, y así. Creo que este es el típico proceso por el que pasan muchas bandas, nunca fue una decisión consciente el llevar a The Ocean como un colectivo de artistas. Otra de las razones por las que nos llamamos un colectivo, es porque hay mucha gente que contribuye a la banda de diferente manera, no necesariamente tocando en el escenario. Ejemplos de esto son nuestro directores visuales, diseñadores gráficos, artistas y gente que no está en el escenario, pero que contribuye mucho a la banda. Ellos están desde los inicios, compartiendo en los ensayos, son parte de la banda sin ser parte de la banda, no sé si me entiendes. Así fue como todo este colectivo tomó forma: eramos sólo un grupo de gente que se reunía en un lugar para tocar música, beber cerveza y conversar sobre la vida, así fue como todo comenzó, principalmente.

¿Es cierto que tu padre fue parte de la banda?

(Risas) ¡Sí! Él tocó la trompeta en el disco “Heliocentric” (2010).

Debe ser divertido tocar con él…

Sí, pero escucha, es una historia muy divertida. Mi papá no es un gran trompetista ni nada, pero es talentoso en el sentido de que sabe hacer un poquito de todo (risas). Es un pianista muy talentoso, pero sabe un poco de prácticamente cualquier instrumento que te imagines, incluso la trompeta (risas). Teníamos esta parte al final de “The Origin Of God”, que era una especie de conclusión épica con una sección de metales con trombones y esas cosas. Habían unas voces que no se complementaban con las octavas del trombón, así que decidimos cambiarlas por trompetas, pero no teníamos un trompetista en la banda, así que les propuse a los demás llamar a mi papá, y así grabamos esa parte en su casa. Fue muy divertido y él está muy orgulloso de eso, siempre le cuenta a sus amigos que tocó en “Heliocentric” de The Ocean (risas).

¿Viene con ustedes en este tour?

¿Mi papá? No, ni en broma. ¡Probablemente lo arruinaría! (risas).

Robin, se nos acaba el tiempo, ¿te gustaría decir algunas palabras para los fans chilenos de The Ocean?

Bien, estoy muy emocionado por llegar a esta parte del mundo tocando “Pelagial”. Prácticamente es la única parte del mundo donde no hemos tocado el álbum, además que será nuestra primera presentación allá, lo que me hace extremadamente feliz. Cuando comencé esta banda mi idea no era estar tocando en estadios frente a un montón de personas, sólo quería llegar a diferente lugares con mi música y no como un turista. Estoy contento de que esto por fin esté pasando. Comencé la banda hace quince años y me emociona que esto me permita ir a Sudamérica a tocar mis composiciones. Es increíble, no puedo esperar por conocer algunas personas en Santiago. Sólo tenemos un día libre después del show, pero espero que alcancemos a conocer un poco de la ciudad y compartir con algunos fanáticos después del show.

Espero que disfruten su tiempo aquí. Muchas gracias por la entrevista, Robin, fue un agrado conversar contigo.

Muchas gracias por tu tiempo y por el interés de HumoNegro, espero verlos pronto. ¡Saludos a todos!

Por Manuel Cabrales

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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