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Philip Selway de Radiohead: “Queremos volver a Sudamérica, pero no hay nada concreto por el momento”

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No hay duda de que Radiohead es una de las bandas más queridas por los chilenos, algo comprobado durante los dos shows que los británicos realizaron en Santiago el año 2009. Ahora, ocho años después, sus fanáticos todavía siguen esperando por buenas noticias de parte de Thom Yorke y compañía, ya que la gira de su álbum “The King Of Limbs” (2011) no pasó por Sudamérica, y en cuanto al periplo que promociona “A Moon Shaped Pool” (2016), su último trabajo, todavía no da pistas de llegar a nuestro territorio. En estos momentos, gran parte de sus integrantes se encuentran trabajando en proyectos de carácter solista, como es el caso del baterista Philip Selway, que en octubre lanzó el soundtrack para la película “Let Me Go” (Polly Steele, 2017), su tercer trabajo de manera solitaria dentro de su carrera.

Bajo ese contexto, tuvimos la oportunidad única de entrevistar a Selway, quien nos atendió amablemente al teléfono desde Londres para contarnos sobre sus proyectos actuales y la manera en que trabaja al momento de entrar al estudio, entre otras cosas. Siempre alegre y muy abierto a responder todas nuestras interrogantes, el músico nos comentó sobre la creación de su último disco, por qué decidió hacer álbumes de manera solista, en qué se encuentra Radiohead en estos momentos, como fue el proceso detrás de “A Moon Shaped Pool”, su pequeño cameo en una película de Harry Potter, y lo que todos quieren saber: qué tan posible es tener a Radiohead en sudamérica durante 2018. Te dejamos a continuación con la conversación entre HumoNegro y Phil Selway.

Acabas de lanzar en octubre el soundtrack de la película “Let Me Go”, ¿qué nos puedes contar sobre el proceso detrás de él?

Bueno, este fue mi primer soundtrack, así que tuve que aprender muchas cosas. Se acercaron a mí cuando recién estaban iniciando el proceso de hacer la película, conversé con la directora Polly Steele y la productora Lizzie Pickering cuando apenas estaban consiguiendo el financiamiento. Polly había trabajado en el guion por varios años y tenía la idea de preguntarme si yo estaba interesado en trabajar haciendo la música. Así se dio todo, básicamente estuve involucrado durante casi toda la producción, en un principio sólo tenía algunas ideas de lo que iba a realizar.

En cierto punto estaba trabajando paralelamente en el último álbum de Radiohead, “A Moon Shaped Pool”, así que durante las mañanas lo hacía en lo del soundtrack. Discutimos varias ideas y presencié mucho de lo que ocurrió en la producción, conocí al casting, e incluso revisé la cinematografía con el fin de incorporar esos elementos dentro de la banda sonora, ya que eso afecta el tono de la música. Como te dije, tuve que aprender muchas cosas porque este fue mi primer –y único– soundtrack hasta el momento, pero haber tenido la posibilidad de estar envuelto desde prácticamente el principio fue una experiencia muy enriquecedora, aprendí mucho sobre cómo hacer una OST y también sobre cómo se hace una película.

¿Es más complicado hacer música específicamente para una película en vez de un álbum solista o con Radiohead?

No es tanto más complicado como podría parecer; de hecho, creo que es bastante interesante trabajar sin los parámetros de ese “esfuerzo creativo” de alguien más, eso es algo que se tiene cuando eres parte de una banda. Aquí se hace un trabajo más personal, utilizas tu propia manera para conseguir el tono adecuado, el ambiente ideal para las escenas, por ende, estás trabajando con un molde predeterminado, lo que es muy inspirador y, a su vez, como no estás trabajando un álbum solista, debes encontrar un camino especifico para desarrollar la música.

No todo lo que pienses para el soundtrack debe funcionar realmente, ahí está la diversión cuando trabajas con parámetros ya establecidos. Cuando haces un disco solista o un disco con tu banda puedes ir en cualquier dirección, lo que es más liberador, pero también más intimidante. Esa presión al trabajar es buena, y es genial que te pidan hacer una colaboración de esa manera.

Quiero pasar a tu primer álbum solista, “Familial” (2010), donde pudiste colaborar con varios músicos. ¿Por qué quisiste hacer un álbum solista en ese momento?

Hace unos diez años me surgió la idea de hacer un álbum solista. De hecho, en 2007 comencé a componer cosas para “Familial”; siempre estaba planteando algunas ideas en la banda y algunas se iban desarrollando. En cierto momento tuve una colección de canciones y sentía que no estaría del todo bien adaptarlas al contexto de Radiohead porque iban en una dirección diferente musicalmente. Estar en Radiohead es fantástico, todos estamos muy orgullosos de eso, pero ahí tengo un rol en específico que es ser el baterista. Había un montón de elementos músicales que quería explorar, además de algunas canciones que eran de carácter más personal para mí, así que todo terminó dándose de manera natural. Era lo más sensato hacer un álbum como solista.

Sé que hacer un soundtrack siempre fue tu sueño. Ahora que ya lograste cumplirlo, ¿qué es lo que sigue en tu carrera solista?

Hacer más soundtracks, espero (risas). Quiero hacer más álbumes solistas porque cada colaboración artística en que uno se involucra presenta nuevos desafíos, expande tu espectro de maneras que quizás no esperarías. Encuentro que todo eso es muy emocionante, tengo muchas cosas por aprender todavía. Cuando tocas o compones, siempre será de la forma que tú quieras, y con Radiohead también pasa lo mismo. Siempre hay algún objetivo que alcanzar en la música, eso es lo que motiva a continuar adelante.

¿Cómo va todo con Radiohead? ¿En qué punto se encuentran en estos momentos?

Actualmente, estamos discutiendo la posibilidad de girar el próximo año, y es necesario conversarlo porque casi todos estamos haciendo cosas de manera solista. Una vez que podamos dilucidar lo que queremos hacer en términos musicales durante el próximo año, será algo así como una culminación, ya que pasará un buen tiempo antes de hacer otras cosas; es importante pensar bien la forma que le daremos a la música que vayamos realizando. Ya estamos acostumbrados a trabajar durante un período muy largo de tiempo, lo hemos hecho durante los últimos 15 años. Entre comenzar a hacer un álbum, grabarlo, irnos de gira, y otras cosas, eso nos toma una buena cantidad de años, luego nos alejamos un poco de aquello para pensar lo que haremos a continuación. Estamos bien ocupados con nuestros proyectos, lo estamos disfrutando y no estamos pensando realmente en lo que viene para el futuro.

Quisiera que hablemos de “A Moon Shaped Pool”, el último álbum de Radiohead. Considero que este disco logra reflejar la sólida capacidad de composición que tiene la banda, demostrando que trabajan muy bien entre todos. ¿Fue un proceso demasiado exigente para lograr un resultado así de satisfactorio?

Hicimos una buena cantidad de sesiones en nuestro estudio. Inicialmente nos restringimos a trabajar en sólo ocho canciones, pero eso se expandió a dieciséis porque estábamos muy enfocados en desarrollar lo que estábamos haciendo. Construimos un montón de canciones y durante la edición tuvimos que decidir con cuáles nos moveríamos, eso le dio un impulso a nuestro trabajo. Es un privilegio entendernos tan bien entre nosotros musicalmente hablando, aunque en cierto punto debes tomar decisiones y llegar a un acuerdo, por lo que las sesiones ayudaron a regresar esa disciplina de trabajo. En resumidas cuentas, todo eso colaboró en el proceso, fue bueno enfocarse en mantener esa disciplina y comprender el arte de llegar a un consenso (risas).

Phil, sé que aún están hablando sobre el futuro de la banda, pero debo preguntarte lo que todos quieren saber: ¿tendremos la posibilidad de ver a Radiohead en Sudamérica el próximo año?

Realmente espero que así sea. Es algo que hemos estado conversando con la banda en estos días; queremos volver a Sudamérica, pero no hay nada concreto para anunciar o comentarte en estos momentos. Ha pasado mucho tiempo, desde 2009 que no vamos para allá, y desde mi punto de vista siento que ya ha pasado demasiado, así que espero volver.

Esperemos que esto se concrete, tenemos muchas ganas de verlos acá. ¿Cuáles son tus mejores recuerdos de la gira sudamericana en 2009?

Hicimos muchos shows en una cantidad de tiempo muy corta y todos fueron maravillosos. Buenos Aires fue un concierto increíble, estoy agradecido de haber llegado a lugares que no es tan fácil ir. Cuando acaba un concierto regresas a casa, pero tu música no, sigue allá con los fans y, como es muy bien recibida, termina significando algo para la gente, la acompaña todos los días. En el momento que estás allá es realmente increíble presenciar lo mucho que tu música significa en sus vidas, para una banda tener ese privilegio es algo increíble.

Desde que vi tu cameo junto a Jonny Greenwood y Jarvis Cocker en “Harry Potter And The Goblet Of Fire” (Mike Newell, 2005), siempre quise preguntarte esto: ¿cómo terminaron siendo parte de la saga “Harry Potter”?

Bueno, recibimos una carta desde Hogwarts y ese fue el inicio de nuestro viaje (risas). Sería genial contarte esa historia, pero fue así: había una banda ficticia que debía aparecer en la película, The Weird Sisters, y tocaban en Hogwarts. En un principio, nos invitaron junto a Jonny para hacer algunas sesiones de estudio, las que resultaron muy bien, por ende, nos invitaron a ser parte de la película. Estuvimos alrededor de tres días grabando nuestras escenas en un enorme estudio ubicado en Leeds, Inglaterra, donde hacen la mayoría de las películas, y fue increíble, realmente nos sentimos como si vivimos toda esa magia del mundo de Harry Potter durante nuestra estadía (risas).

Además de la batería, también tocas la guitarra. ¿Por qué optaste por perfeccionarte más en el primer instrumento?

Desde siempre amé la batería, era algo que me interesaba dentro de la música. Me especialicé mucho en ella y al mismo tiempo igual estaba tocando guitarra. Pero cuando llegué a Radiohead ahí todos tocan guitarra y no había un baterista, así que tuve que ocupar ese puesto (risas).

Phil, creo que nos estamos quedando sin tiempo, esta entrevista se pasó volando. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a tus fans en Chile para finalizar?

Espero que podamos cantar juntos muy pronto, lo pasé muy bien cuando estuvimos en Santiago. Realmente quiero volver a Chile, les agradezco por seguir interesados en nuestra música y en la banda.

Muchas gracias por tu tiempo, Phil, esperamos verte pronto por acá.

Gracias a ti por tu tiempo, Manuel. Cuídate mucho. ¡Hasta pronto!

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Entrevistas

Peter Hayes de Black Rebel Motorcycle Club: “Hemos logrado dejar nuestros egos de lado”

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Peter Hayes

En el rock & roll no se necesita de mucho para poder propagar un mensaje, tal como Black Rebel Motorcycle Club lo ha demostrado durante dos décadas de trayectoria. Siempre que lo que se comunique sea fuerte y claro, basta con tener un norte dilucidado sobre cómo hacer las cosas, en contra de cualquier parámetro preestablecido por la industria. Con un sonido rebelde, callejero e incluso psicodélico, los californianos derrochan actitud junto a una imagen que podría caer en clichés del género, como las chaquetas de cuero, los anteojos de sol o el constante cigarrillo en la boca, pero que increíblemente deja esa atractiva caracterización en segundo plano para enfocar toda la atención en lo bien que tocan sus instrumentos, generando una catarsis colectiva conducida por una tonalidad garage distorsionada y consistente sonoramente.

Luego de pasar por algunos momentos bastante complicados, B.R.M.C. regresa a la acción con “Wrong Creatures” (2018), el octavo álbum de su carrera. Gracias a un sonido en constante evolución, los norteamericanos desarrollaron un álbum impregnado de la vibra que siempre predomina en sus composiciones, entregando un rock agresivo y directo, apelativos predominantes en sus veinte años de existencia. Bajo la promoción de este nuevo trabajo, es que conversamos en exclusiva con Peter Hayes, uno de los componentes de este power trio, quien nos comentó muy pausadamente (y quizás con algo de resaca) sobre el proceso detrás de este nuevo trabajo, sus prácticamente nulos recuerdos en torno a sus visitas a Chile, su mirada de la situación política actual de Estados Unidos, entre otras cosas, en una conversación que dejamos de manera integra a continuación.

Hola, Peter, ¿cómo estás?

Muy bien, Manuel. ¿Cómo estás tú?

Muy bien también, gracias. Quisiera preguntarte primero por la última época de la banda. Hace algunos años falleció el padre de Robert, quien fue como un mentor para ustedes, luego ocurrió la cirugía de Leah, por lo que no han sido tiempos muy fáciles. ¿Cómo han logrado llevar estas situaciones?

Esa es una pregunta razonable, y creo que es porque hacemos lo que amamos, sabemos muy bien cómo hacerlo (risas). Nos enfocamos en tocar música y comprender desde dónde viene y cómo se refleja el apoyo que aquello nos da durante tiempos difíciles, así como también lo hace la música de otras personas. Cuando tocas, se convierte en una voz para expresar lo que piensas; la música nos ha ayudado a darnos cuenta de las cosas y la vida en general.

Este año será el aniversario número veinte de la banda. ¿Cómo evalúas la experiencia de tocar junto a Robert por tantos años?

Él es como mi hermano, se convirtió en mi familia. Nos conocemos hace mucho tiempo y, en cierta forma, estoy orgulloso de que hayamos sobrevivido todo este tiempo con altos y bajos, peleas y altercados. Hemos logrado dejar nuestros egos de lado y solucionar todo siempre.

Cuando comenzaron la banda, tocaste paralelamente junto a Anton Newcombe en The Brian Jonestown Massacre, yéndote con ellos en su primera gira norteamericana. Considerando que estabas recién iniciándote en el mundo de la música, ¿qué aprendizaje obtuviste de esa experiencia?

Cuando comencé con ellos ya estaba haciendo música con Robert, así que lo tomé como una oportunidad para saber qué se sentía salir de gira. La idea era hacer un tour y conocer esas experiencias, siempre estuvo la intención de seguir junto a Robert, pero fue una experiencia muy divertida, más aún porque era fan de la banda. Creo que me enseñaron qué hacer y qué no hacer, aunque claramente hay lecciones que no aprendí muy bien (risas). Nunca me sentí parte de la banda ni tampoco quise serlo realmente, siempre estuve ahí con la intención de apoyar. Todos esperaban que el guitarrista original regresara, yo sólo fui un reemplazo.

Estuve escuchando el último disco, “Wrong Creatures”, y debo decirte que está muy bueno. “Echo” es una de mis canciones favoritas, pero también me llamó la atención “Circus Bazooko”, que es muy diferente a lo que suelen hacer. ¿Cuál fue la intención detrás de ese sonido?

Muchas gracias, me alegra que te haya gustado. Sobre la canción, surgió un día que yo iba atrasado al ensayo, Robert y Leah comenzaron a improvisar sobre esa idea mientras me esperaban, y se hizo en base a capas de guitarra, con un pedal que hace loops, así que lo que tú escuchas en realidad son muchas capas de guitarra, no hay un órgano sonando ahí. La idea era experimentar con los sonidos de la guitarra, algo que solemos hacer, buscábamos tener una canción que se basara en el sonido y no fuera sólo una sucesión de acordes, por ende, sentimos que funcionó muy bien.

¿Qué significa el nombre del álbum?

Teníamos algunas ideas para el nombre y esa fue la menos abstracta y que, a la vez, podía ir dirigida en varias direcciones, nos gusta hacer eso. Preferimos dejar todo a la interpretación, mantener las cosas lo más abstractas posibles, a veces puede ser personal, otras veces puede que el nombre refleje lo que el álbum es, aunque en este caso no creo que quiera decir que está todo mal (risas). Depende del día.

Peter, ya has estado varias veces en Chile, tocando desde shows en solitario hasta festivales. ¿Qué recuerdos tienes de nuestro país?

(Piensa) A ver, no recuerdo el festival. ¿Cómo se llamaba?

Fue en 2011, se llamaba Maquinaria. Tocaron alrededor de las tres de la tarde bajo un sol terrible. Estaba Alice In Chains y Faith No More, también.

Ah, sí, sí, creo que recuerdo eso. Hubo algunos festivales que hicimos en Sudamérica junto a ellos. Tuvimos unos días libres en Santiago, no recuerdo claramente nada de eso, pero creo que no hice nada malo (risas).

¿Qué hay de la última vez? Eso fue apenas en 2016.

Si, tampoco lo recuerdo muy bien. Tuvimos algo de tiempo libre, pero… (piensa). No, no puedo. No me acuerdo de nada, lo siento (risas).

No hay problema. Peter, todos queremos saber lo siguiente: ¿volverán a Chile con este nuevo álbum?

Esperamos que sí. Y si no nos invitan, nosotros trataremos de ir para allá. Siempre nos gusta ir a Sudamérica, esperamos que alguien nos invite. Aunque, de todos modos, si nos llevan a un festival o algo así, la idea sería poder realizar un show aparte por nuestra cuenta, nos gusta hacer eso.

Recuerdo que para la última vez de la banda aquí anunciaron un show en Argentina y todos nos lamentábamos, porque la fecha se acercaba y no teníamos novedades de un concierto en Santiago. Luego lo anunciaron con muy poco tiempo de anticipación, así que nos sentimos aliviados de que sí venían.

Genial, qué bueno que nos esperaban (risas).

En 2008, la primera vez, yo tenía sólo 15 años y me quedé embobado con la puesta en escena de la banda, es increíble que se mantengan así de frescos por tanto tiempo.

¡Vaya! Qué bueno que aún recuerdes eso después de tanto tiempo (risas). ¿Cuánto llevas trabajando en esto que estás haciendo ahora?

Tres años, algo así.

¿Te gusta esto? ¿Todo ha ido bien? Me imagino que tienes la oportunidad de ir a un montón de conciertos y todo eso.

Si, mucho. De hecho, el último show de B.R.M.C. en Santiago fue mi primer review de un show en vivo.

Oh, ¿en serio? ¡Qué increíble coincidencia! (risas)

Sigamos con la entrevista, Peter. B.R.M.C. se destaca por tener un sonido en vivo muy potente, ¿cómo logran capturar esa esencia dentro del estudio?

La verdad es que eso es algo que todavía tratamos de lograr, no podemos hacer que nuestros discos suenen diferentes al show en vivo, se trata de capturar la energía del ambiente. Para un álbum en vivo es divertido capturar esa complicidad con la audiencia, pero en estudio es muy diferente, el ambiente es otra cosa. Para mí es como tener tres mundos: el show en vivo como tal, el disco en vivo y el disco en estudio. Son tres oportunidades para hacer algo completamente diferente, y eso está bien. Aunque al grabar un disco en vivo nunca capturarás realmente la forma en que sonamos, debes estar ahí para sentirlo. También en un álbum de estudio es algo completamente experimental.

Se nos está acabando el tiempo, pero quisiera preguntarte algo más. En 2003, el álbum “Take Them On, On Your Own” fue lanzado en medio de la administración de George Bush como presidente, por ende, tuvo un contexto más político en sus letras, ya que Estados Unidos no estaba pasando un muy buen momento por aquellos días. Actualmente, la historia parece repetirse con Trump como presidente, ¿cómo sientes el país en estos días?

Deprimente, frustrante, vergonzoso, aunque trato de no pensar mucho en ello. No sé si alguna administración sea mejor que la otra, no soy de apoyar toda esa cultura de la política. Eso de vender el “Sueño Americano” creo que es un concepto absolutamente falso. Creo que es obvio, con ver todo lo que está pasando, para mí es más importante pensar en una solución e intentar vivir con eso. Está claro que muchos americanos tienen un problema por adelantado al apoyar esto, pero estamos todos en el mismo bote de cierta forma.

Bueno, Peter, creo que esa fue la última pregunta. Te agradezco por el tiempo, fue un agrado hablar contigo. ¿Te gustaría decir algunas palabras a tus fans en Sudamérica para terminar?

Gracias, y espero que vayamos pronto para allá, definitivamente eso está en nuestros planes. Les agradezco mucho a todos por el apoyo.

Foto principal por Erich Bouccan

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