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Peter Hayes de Black Rebel Motorcycle Club: “Hemos logrado dejar nuestros egos de lado”

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En el rock & roll no se necesita de mucho para poder propagar un mensaje, tal como Black Rebel Motorcycle Club lo ha demostrado durante dos décadas de trayectoria. Siempre que lo que se comunique sea fuerte y claro, basta con tener un norte dilucidado sobre cómo hacer las cosas, en contra de cualquier parámetro preestablecido por la industria. Con un sonido rebelde, callejero e incluso psicodélico, los californianos derrochan actitud junto a una imagen que podría caer en clichés del género, como las chaquetas de cuero, los anteojos de sol o el constante cigarrillo en la boca, pero que increíblemente deja esa atractiva caracterización en segundo plano para enfocar toda la atención en lo bien que tocan sus instrumentos, generando una catarsis colectiva conducida por una tonalidad garage distorsionada y consistente sonoramente.

Luego de pasar por algunos momentos bastante complicados, B.R.M.C. regresa a la acción con “Wrong Creatures” (2018), el octavo álbum de su carrera. Gracias a un sonido en constante evolución, los norteamericanos desarrollaron un álbum impregnado de la vibra que siempre predomina en sus composiciones, entregando un rock agresivo y directo, apelativos predominantes en sus veinte años de existencia. Bajo la promoción de este nuevo trabajo, es que conversamos en exclusiva con Peter Hayes, uno de los componentes de este power trio, quien nos comentó muy pausadamente (y quizás con algo de resaca) sobre el proceso detrás de este nuevo trabajo, sus prácticamente nulos recuerdos en torno a sus visitas a Chile, su mirada de la situación política actual de Estados Unidos, entre otras cosas, en una conversación que dejamos de manera integra a continuación.

Hola, Peter, ¿cómo estás?

Muy bien, Manuel. ¿Cómo estás tú?

Muy bien también, gracias. Quisiera preguntarte primero por la última época de la banda. Hace algunos años falleció el padre de Robert, quien fue como un mentor para ustedes, luego ocurrió la cirugía de Leah, por lo que no han sido tiempos muy fáciles. ¿Cómo han logrado llevar estas situaciones?

Esa es una pregunta razonable, y creo que es porque hacemos lo que amamos, sabemos muy bien cómo hacerlo (risas). Nos enfocamos en tocar música y comprender desde dónde viene y cómo se refleja el apoyo que aquello nos da durante tiempos difíciles, así como también lo hace la música de otras personas. Cuando tocas, se convierte en una voz para expresar lo que piensas; la música nos ha ayudado a darnos cuenta de las cosas y la vida en general.

Este año será el aniversario número veinte de la banda. ¿Cómo evalúas la experiencia de tocar junto a Robert por tantos años?

Él es como mi hermano, se convirtió en mi familia. Nos conocemos hace mucho tiempo y, en cierta forma, estoy orgulloso de que hayamos sobrevivido todo este tiempo con altos y bajos, peleas y altercados. Hemos logrado dejar nuestros egos de lado y solucionar todo siempre.

Cuando comenzaron la banda, tocaste paralelamente junto a Anton Newcombe en The Brian Jonestown Massacre, yéndote con ellos en su primera gira norteamericana. Considerando que estabas recién iniciándote en el mundo de la música, ¿qué aprendizaje obtuviste de esa experiencia?

Cuando comencé con ellos ya estaba haciendo música con Robert, así que lo tomé como una oportunidad para saber qué se sentía salir de gira. La idea era hacer un tour y conocer esas experiencias, siempre estuvo la intención de seguir junto a Robert, pero fue una experiencia muy divertida, más aún porque era fan de la banda. Creo que me enseñaron qué hacer y qué no hacer, aunque claramente hay lecciones que no aprendí muy bien (risas). Nunca me sentí parte de la banda ni tampoco quise serlo realmente, siempre estuve ahí con la intención de apoyar. Todos esperaban que el guitarrista original regresara, yo sólo fui un reemplazo.

Estuve escuchando el último disco, “Wrong Creatures”, y debo decirte que está muy bueno. “Echo” es una de mis canciones favoritas, pero también me llamó la atención “Circus Bazooko”, que es muy diferente a lo que suelen hacer. ¿Cuál fue la intención detrás de ese sonido?

Muchas gracias, me alegra que te haya gustado. Sobre la canción, surgió un día que yo iba atrasado al ensayo, Robert y Leah comenzaron a improvisar sobre esa idea mientras me esperaban, y se hizo en base a capas de guitarra, con un pedal que hace loops, así que lo que tú escuchas en realidad son muchas capas de guitarra, no hay un órgano sonando ahí. La idea era experimentar con los sonidos de la guitarra, algo que solemos hacer, buscábamos tener una canción que se basara en el sonido y no fuera sólo una sucesión de acordes, por ende, sentimos que funcionó muy bien.

¿Qué significa el nombre del álbum?

Teníamos algunas ideas para el nombre y esa fue la menos abstracta y que, a la vez, podía ir dirigida en varias direcciones, nos gusta hacer eso. Preferimos dejar todo a la interpretación, mantener las cosas lo más abstractas posibles, a veces puede ser personal, otras veces puede que el nombre refleje lo que el álbum es, aunque en este caso no creo que quiera decir que está todo mal (risas). Depende del día.

Peter, ya has estado varias veces en Chile, tocando desde shows en solitario hasta festivales. ¿Qué recuerdos tienes de nuestro país?

(Piensa) A ver, no recuerdo el festival. ¿Cómo se llamaba?

Fue en 2011, se llamaba Maquinaria. Tocaron alrededor de las tres de la tarde bajo un sol terrible. Estaba Alice In Chains y Faith No More, también.

Ah, sí, sí, creo que recuerdo eso. Hubo algunos festivales que hicimos en Sudamérica junto a ellos. Tuvimos unos días libres en Santiago, no recuerdo claramente nada de eso, pero creo que no hice nada malo (risas).

¿Qué hay de la última vez? Eso fue apenas en 2016.

Si, tampoco lo recuerdo muy bien. Tuvimos algo de tiempo libre, pero… (piensa). No, no puedo. No me acuerdo de nada, lo siento (risas).

No hay problema. Peter, todos queremos saber lo siguiente: ¿volverán a Chile con este nuevo álbum?

Esperamos que sí. Y si no nos invitan, nosotros trataremos de ir para allá. Siempre nos gusta ir a Sudamérica, esperamos que alguien nos invite. Aunque, de todos modos, si nos llevan a un festival o algo así, la idea sería poder realizar un show aparte por nuestra cuenta, nos gusta hacer eso.

Recuerdo que para la última vez de la banda aquí anunciaron un show en Argentina y todos nos lamentábamos, porque la fecha se acercaba y no teníamos novedades de un concierto en Santiago. Luego lo anunciaron con muy poco tiempo de anticipación, así que nos sentimos aliviados de que sí venían.

Genial, qué bueno que nos esperaban (risas).

En 2008, la primera vez, yo tenía sólo 15 años y me quedé embobado con la puesta en escena de la banda, es increíble que se mantengan así de frescos por tanto tiempo.

¡Vaya! Qué bueno que aún recuerdes eso después de tanto tiempo (risas). ¿Cuánto llevas trabajando en esto que estás haciendo ahora?

Tres años, algo así.

¿Te gusta esto? ¿Todo ha ido bien? Me imagino que tienes la oportunidad de ir a un montón de conciertos y todo eso.

Si, mucho. De hecho, el último show de B.R.M.C. en Santiago fue mi primer review de un show en vivo.

Oh, ¿en serio? ¡Qué increíble coincidencia! (risas)

Sigamos con la entrevista, Peter. B.R.M.C. se destaca por tener un sonido en vivo muy potente, ¿cómo logran capturar esa esencia dentro del estudio?

La verdad es que eso es algo que todavía tratamos de lograr, no podemos hacer que nuestros discos suenen diferentes al show en vivo, se trata de capturar la energía del ambiente. Para un álbum en vivo es divertido capturar esa complicidad con la audiencia, pero en estudio es muy diferente, el ambiente es otra cosa. Para mí es como tener tres mundos: el show en vivo como tal, el disco en vivo y el disco en estudio. Son tres oportunidades para hacer algo completamente diferente, y eso está bien. Aunque al grabar un disco en vivo nunca capturarás realmente la forma en que sonamos, debes estar ahí para sentirlo. También en un álbum de estudio es algo completamente experimental.

Se nos está acabando el tiempo, pero quisiera preguntarte algo más. En 2003, el álbum “Take Them On, On Your Own” fue lanzado en medio de la administración de George Bush como presidente, por ende, tuvo un contexto más político en sus letras, ya que Estados Unidos no estaba pasando un muy buen momento por aquellos días. Actualmente, la historia parece repetirse con Trump como presidente, ¿cómo sientes el país en estos días?

Deprimente, frustrante, vergonzoso, aunque trato de no pensar mucho en ello. No sé si alguna administración sea mejor que la otra, no soy de apoyar toda esa cultura de la política. Eso de vender el “Sueño Americano” creo que es un concepto absolutamente falso. Creo que es obvio, con ver todo lo que está pasando, para mí es más importante pensar en una solución e intentar vivir con eso. Está claro que muchos americanos tienen un problema por adelantado al apoyar esto, pero estamos todos en el mismo bote de cierta forma.

Bueno, Peter, creo que esa fue la última pregunta. Te agradezco por el tiempo, fue un agrado hablar contigo. ¿Te gustaría decir algunas palabras a tus fans en Sudamérica para terminar?

Gracias, y espero que vayamos pronto para allá, definitivamente eso está en nuestros planes. Les agradezco mucho a todos por el apoyo.

Foto principal por Erich Bouccan

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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