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Patrick Stump de Fall Out Boy: “El rock and roll está en peligro de ser irrelevante”

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Hace cinco años se hablaba de que Fall Out Boy estaba en problemas, que Pete Wentz no soportaba a Patrick Stump y que la banda no era capaz de reeditar la efervescencia de sus discos anteriores. Se tomaron un receso, cada cual dio rienda suelta a sus inquietudes personales y la banda detuvo su acción por cuatro años.

Pero nada es para siempre, y el año pasado Fall Out Boy volvió con “Save Rock And Roll“, su sexto disco a la fecha, en una carrera que ya suma casi trece años, y que los ve con un sonido más maduro, menos predecible y también más desafiante.

Meses después sacaron el EP “Pax-Am Days“, co-producido con Ryan Adams, un registro que hizo que varios que los miraron en menos admitieran que el cuarteto podía sacar un disco de punk crudo y sin compromisos.

Ahora, la banda vuelve a Chile a mostrar este material y tuvimos la oportunidad de conversar al teléfono con Patrick Stump, frontman y principal compositor de Fall Out Boy, sobre esta segunda visita, su visión acerca del trabajo de los músicos, del rock, de la experimentación y cuánto han cambiado las cosas para el grupo, del que él reconoce que ya no es el “líder”, sino que uno más de estos jugadores de equipo que se presentarán en el Chimkowe el próximo 24 de mayo.

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Pese al break de casi cuatro años que tuvo Fall Out Boy, es una banda que lleva más de una década de vida, entonces ¿cuánto ha cambiado, y cuánto sigue siendo igual que hace diez años?

Algo que ha cambiado mucho es nuestra capacidad de respetar al otro y tratarnos como gente. Antes en FOB solíamos tratarnos de la misma forma como cuando éramos adolescentes, y ahora todos somos adultos. Lo importante de esto es porque nos permite convivir de mejor forma, debido a que hacemos giras, viajamos por el mundo, tocamos en muchas partes, entonces ahora logramos shows muy buenos porque logramos esa capacidad de confiar en el otro y dejar al otro brillar. Antes algunos de los chicos quedaban en la sombra de lo que hacía yo, por ejemplo, y ahora eso no pasa.

¿Cuán difícil fue crear nuevo material después del receso de la banda, pensando en que eres el principal compositor de la banda, pero que también reconoces que ahora las cosas se basan en un esfuerzo de equipo?

En el pasado fui el principal compositor de la banda, pero en este disco una cosa importante para mi fue que Andy, Joe y Pete se metieron en el proceso, porque todos han tenido algún proyecto solista; yo tuve el mío y allí tenía que hacerme cargo de todo, en el show, en las canciones, en la producción, entonces fue muy importante que realmente ellos fueran parte de la escritura del disco y que lo que hiciéramos fuera algo en conjunto. Fue un gran cambio y creo que me mostró lo importante que es esta gente para mí porque hice mi disco solista, y fue divertido y todo, pero era mucha la lucha conmigo mismo, en especial cuando tenía diferentes ideas. Entonces, ahora pienso más en lo que requiere la banda en vez de lo que requiero yo, y escucho más las ideas de Pete, Joe, Andy. Sigo escribiendo solo, pero escribo más de lo que quiere decir FOB que lo que yo quiero decir.

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¿Por qué el título del álbum apela a “salvar el Rock And Roll”?

Pienso que una gran cosa es que el rock and roll está en peligro de ser irrelevante, está en peligro de ser un dinosaurio, porque creo que la gente que hace música de este tipo se basa en un modelo, en la forma clásica en la que debe ser. Sabes cómo es: el jeans, los lentes oscuros, la chaqueta de cuero, la motocicleta, el auto y el pelo largo, y lo que sea. Eso es lo que la gente piensa que es el rock and roll y son cosas geniales, pero es mucho más que eso. Piensa en lo que fue CBGB y la era punk, y lo que fue The Ramones, que tenían jeans, chaquetas de cuero y cabello entretenido, pero al mismo tiempo hubo bandas como Talking Heads, Devo, Blondie, The Clash, tantas bandas que hacían cosas tan diferentes y no sólo hard rock, y eso también era rock and roll, y creo que es muy importante asociarlo a la idea de tratar cosas nuevas, experimentar y dejar que fluyan. También va un poco en tono de broma, por cierto, burlándonos del concepto anquilosado, pero sin duda que debemos extender el término y dejar en claro que la gente puede intentar hacer algo diferente, que se puede correr el riesgo y tener diversión, y no basarse estrictamente en lo que la gente te dice que debes hacer.

No puedo evitar pensar en el discurso de Alex Turner en los BRIT Awards, donde dijo que el “rock and roll no morirá y tiene más fuerza que todos quienes toquen”.

Es verdad. Siempre habrá gente tocando rock, siempre habrá gente tratando de quebrar las fronteras del estilo, tomando las opciones que haya. El rock and roll seguirá estando alrededor, pero no parecerá como si así fuera. No sonará como sonaba antes. El cambio aleja a algunas personas y los hace perder perspectiva de qué es importante. Debes cambiar. Debes intentarlo. No puedes ser el mismo para siempre. De otra forma, nada pasa y nada resulta.

¿Cómo surge la idea de generar un video por cada canción del disco, a modo de un cortometraje por capítulos?

La idea vino cuando hicimos el video para “My Songs Know What You Did In The Dark (Light Em Up)” y cuando hablamos del video notamos que DONALD/ZAEH había hecho un gran trabajo, con mucha visión, y con sutilezas que hacían pensar en una gran historia que hacía que valiera la pena intentar hacer este gran video con capítulos pequeños. Ha sido muy energizante para nosotros hacer estos videos y nos hemos divertido mucho.

En 2008, cuando vinieron a Chile por primera vez, estaban en una gira que perseguía romper un récord que era tocar en los cinco continentes. ¿Qué nuevos records debe quebrar Fall Out Boy en estos días?

(Risas) Creo que no es necesario romper algún tipo de récord hoy. Hicimos eso antes porque era entretenido, pero no resultó. De todas formas en ese momento sí logramos viajar a muchos países, pero nos hizo tener que irnos muy rápido de cada lugar. Estuvimos un día en Santiago solamente, de lo que me arrepiento, porque me gustó y quiero estar más tiempo, y por eso estoy más emocionado de ir a muchos lugares y estar más tiempo en Santiago, y ese es un récord que podría romper (risas).

¿Cómo reaccionas ante la fidelidad de los fans y la forma en que los adolescentes de nuevas generaciones siguen identificándose con la música de Fall Out Boy?

Es extraño, volver después de tanto tiempo y ver que tus fans que te siguen desde el comienzo siguen ahí y que, además, se sumen nuevos fans que recién te acaban de conocer, gente en sus 20’s, en sus 15’s, es muy loco. Para mi pensar en cómo la gente nos sigue, es algo para sentirnos afortunados y agradecidos de esta suerte de lograr ese tipo de conexión con ellos. Pienso que cuando haces algo que te hace feliz y te deja conforme, la gente lo nota y lee eso de buena manera.

Finalmente, “Pax-Am Days”, el EP que lanzaron meses después de “Save Rock And Roll”, es muy diferente a todo lo que habían lanzado antes, porque es una versión más cruda de FOB. ¿Qué querían expresar con este EP?

Pienso que queríamos hacer algo divertido y que fuera directamente punk rock, sin compromisos de por medio. A veces cuando haces un disco, como nuestro caso que volvimos después de tres años, todo es muy pensado, todo es ponderado en lo bueno y lo malo, y hay presiones. En cambio “Pax-Am” no tuvo presiones, lo hicimos en dos días, tan rápido y sin pensarlo como pudo ser, y generar algo distinto a la banda que solemos ser. Hacer ruido, sin compromisos con concepto alguno. Fue muy divertido y el resultado fue más que interesante, por lo que estoy orgulloso que lo hayamos hecho.

Por Manuel Toledo-Campos

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Tomas Lindberg de At The Gates: “El arte nace de nuevo cuando el receptor lo decodifica”

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Tomas Lindberg

Ser una de las bandas más influyentes de su género es un apelativo que muchas veces, sobre todo en el metal más extremo, viene acompañado de un misticismo casi underground, donde pareciera que sólo pocos conocen de su nombre. Si bien, en el caso de At The Gates su historia no fue del todo así, la banda ha sido referencia obligatoria en lo que respecta al death metal en variadas ocasiones, siendo señalados como pioneros en el sonido más melódico de la escena de Gotemburgo. Puede que otros se lleven las luces, pero el conjunto lo tiene claro a la hora de pensar de manera aterrizada en cómo desarrollar su arte y mostrar su música al mundo.

Con esa misma lucidez de la realidad, es que el conjunto sueco se prepara para publicar su álbum “The Nightmare Of Being” el próximo 2 de julio, por lo que el séptimo larga duración de su carrera era la instancia ideal para conversar con Tomas Lindberg, vocalista de la banda, quien nos adentró un poco en su mirada sobre el mundo y la música, todo con la misma naturaleza honesta y consciente que se han encargado de impregnar en su música. Detalles de su nuevo disco, su inspiración en la literatura filosófica, los venideros treinta años de su trabajo debut, el desarrollo de su reunión y posterior álbum de regreso en 2014, entre otros temas, conversamos con el frontman en una entrevista que te dejamos a continuación.

Gracias por darte el tiempo para conversar con nosotros, Tomas. ¿Cómo has estado en estos locos dos años que hemos tenido?

Todo va bien por ahora. De hecho, acabo de recibir mi primera dosis de la vacuna hace unos días (risas). Las cosas finalmente parecen verse un poco mejor, ha sido un período muy loco como tú dices, supongo que para todos ha sido igual. Hemos tenido la suerte de no perder a ningún cercano por el Covid, y también afortunadamente la pandemia llegó durante el período de composición de nuestro nuevo disco y no durante la gira de promoción. Probablemente hemos tenido días mucho menos complejos que en gran parte del mundo, así que eso lo agradezco.

El 2 de julio será el lanzamiento de “The Nightmare Of Being”, próximo disco de At The Gates. ¿Qué nos puedes comentar de este nuevo trabajo?

Giramos mucho con el último disco, así que, luego de terminar el tour, recién el año pasado nos metimos directo al proceso de composición. Teníamos algunas ideas y demos flotando con anticipación, el concepto del disco estaba claro, pero luego apareció esta pandemia y básicamente nos dio más tiempo para enfocarnos en el proceso de composición y en la grabación, lo que es algo que quizás benefició al disco porque es más texturizado, con capas. Es un álbum mucho más grande que el anterior y fue muy divertido componer este disco. Creativamente hablando, fue muy desafiante, pero nos gustan los desafíos (risas).

En el comunicado de prensa para el anuncio del disco, dijiste que este es un trabajo “oscuro, pero no negativo”. ¿Cuál es la diferencia específica que hicieron entre esos dos conceptos?

La oscuridad que intentamos reflejar tiene que ver con el lado emocional de la música, la melancolía, la desesperación, ese tipo de ideas. Todos esos sentimientos no pueden existir sin la esperanza, por lo que ahí se remarca esa diferencia que me preguntas, con eso es como se desencadenan esas emociones. Es un álbum sobre el pesimismo, pero no es pesimista, eso es lo principal.

¿Pero tiene un enfoque pesimista más progresivo en la música y las letras, o era un concepto base desde donde surgieron las canciones?

Si, creo que la idea que tuvimos, al menos para mí, fue de ir a través del proceso de aprender sobre la filosofía pesimista al mismo tiempo en que escribía las letras para el álbum, por lo que podríamos decir que muestro mi proceso de aprendizaje al oyente. No es como educarlos, porque no creo que una banda deba hacer eso, sino más bien como dar a conocer algunas ideas de lo que aprendí, y hablar sobre ellas. No en el sentido de “esta es la única forma de ver la vida”, más bien como “estas son ideas muy interesantes, ¿qué piensan ustedes sobre eso?”. La idea de este disco es que se pueda dar esa conversación con quien lo escuche.

Pese a que nadie está tocando en la actualidad, evidentemente saldrán de gira con este disco en algún momento. ¿Cómo crees que se adaptará el nuevo material con los clásicos que están presentes en el repertorio?

Este es un disco donde tenemos lo que llamo “canciones de audífonos” (risas). Hay muchas canciones que podrían adaptarse naturalmente con el material antiguo, pero también otras que son más desafiantes para el oyente, depende más del contexto donde toquemos. Si estamos junto a otras bandas y nos toca un set de 40 minutos o algo así, probablemente nos enfoquemos en las canciones más agresivas del disco. Pero si es en un show como cabezas de cartel, de unos 90 minutos, ahí tendríamos una secuencia de tiempo para pasar por los distintos aspectos de la banda, tener una sección con un estado más melancólico, y luego de eso golpear con canciones más pesadas. Se da un show más dinámico de esa forma.

El próximo año se cumplirán tres décadas de “The Red In The Sky Is Ours”, el álbum debut de la banda. ¿Tienen o tenían algo preparado para celebrarlo?

Bueno, debo ser sincero: nos dimos cuenta hace muy poco que se cumplirán treinta años de eso. Estábamos tan enfocados el año pasado con el aniversario 25 de “Slaughter Of The Soul” (1995), que se supone que tocaríamos sets especiales de ese álbum en 2020. Esos shows no se cancelaron, y los tuvimos que posponer, así que ahora tocaremos shows por los 27 años de “Slaughter Of The Soul” (risas). Pero ya que “The Red In The Sky Is Ours” tendrá 30 años al mismo tiempo, hay posibilidad de que toquemos algunas canciones que nos parecen interesantes de ese disco. Lo hemos hecho en otras ocasiones también. Algunas canciones de ese disco son más difíciles de tocar en vivo porque fueron compuestas por unos jóvenes más odiosos y pretenciosos, y ya no somos esos jóvenes (risas), así que es muy difícil recrear la misma atmósfera. Por otro lado, hay canciones que tienen un sentimiento más fácil de incorporar en el show, así que quién sabe.

Ya que mencionas eso, creo que en ciertos aspectos se nota el hecho de que el primer disco tiene influencias netamente musicales, mientras que en el material actual incorporan influencias más filosóficas ¿no es así?

Sí, diferencias hay, pero en los primeros días de nuestra carrera igual tenía ideas filosóficas de hacia dónde queríamos llevar la música y las letras, aunque no tenía mucho conocimiento en aquel entonces (risas), era más de expresar cómo me sentía en ese momento. Ahora leo mucho durante el período de composición de las letras, tener claro que las líricas tengan un sustento teórico, ya que ahora sé mucho más de los temas sobre los que estoy cantando y eso, de hecho, lo hace más importante, más honesto. Cuando expreso lo que canto, mi forma de ser ahora es más honesta, creo que esa es la diferencia principal. At The Gates es mucho más importante para nosotros ahora que cuando teníamos veinte.

Sé que eres profesor de Ciencias Sociales. ¿Cómo ha sido esa experiencia de trabajar en algo alejado de la música?

Ha sido genial, realmente. Siempre hemos tenido esta idea con At The Gates de que nunca dejaríamos que la banda sea nuestra principal fuente de ingresos, siempre hemos sido bien aterrizados. Una parte de esa idea es nuestro deseo de estar más en contacto con el mundo real, o algo así, no estar distantes de la sociedad. Mientras que, por la otra vereda, sentimos que hay cierto riesgo cuando vives de tu música o tu arte, al punto que podrías llegar a acomodar ciertas cosas para que lo que hagas venda mucho más y así puedas tener mucho más dinero. No queríamos arriesgar eso, básicamente es como un pasatiempo que amamos; ponemos todas nuestras emociones y creatividad en ello, no necesitamos vivir de esto, por lo tanto, podemos hacer música más interesante de esta forma.

Eso es algo que le pasa mucho a las bandas, estadounidenses especialmente. La mayoría de los grupos europeos siempre se mantiene en un estándar de calidad. Ustedes, por ejemplo, así como otras bandas, no transan eso. Es contrario a lo que he visto en muchos ejemplos en la escena norteamericana, hay bandas que sacrifican esa calidad con el objetivo de vender más, así como otras que empiezan con la meta de ser ricos y famosos, perdiendo el foco de lo que quieres expresar como artista.

Sí, cuando partimos con At The Gates, por ejemplo, nuestra meta era poder grabar un demo y ser reseñados por algún fanzine underground de metal, ese era nuestro principal objetivo, mucho más que ser famosos. Así que, cuando lo logramos, ­–que fue casi inmediatamente– sentimos todo lo que vino después como un bonus, lo que es tremendo. Estamos felices de estar donde estamos; si tenemos que tocar en recintos pequeños o grandes, no importa en lo absoluto, amamos hacer esto.

Ya que hablamos de esto, ¿qué consejo le darías a los jóvenes que empiezan en la música y que estén leyendo esta entrevista?

Creo que lo más importante tiene que ver con lo que dijiste: debes pensar primero por qué quieres hacer música. Si es porque quieres acceso gratis a cerveza o que te sigan las mujeres, está bien supongo (risas), si sientes que esa es tu meta está bien. Pero si quieres decir algo con tu música, deseas trabajar duro y no estás tan preocupado de ser famoso, mucho mejor. Simplemente piensen en metas sencillas, cumplan esos objetivos primero. Si quieres lanzar un 7 pulgadas por tu cuenta, puedes enfocarte en cumplirlo, hazlo de manera honesta y sé fiel a tus principios para luego pasar a la siguiente etapa. No trabajen pensando en llegar a un sello grande y convertirse en los próximos Slayer inmediatamente porque, si lo hacen así, estarán enfocados en las razones incorrectas.

Esa es la diferencia entre fama y reconocimiento. Creo que eso es lo esencial.

Totalmente, eso es lo principal.

Mirando en retrospectiva tu trayectoria en la música durante todos estos años, ¿hay algo de lo que estés especialmente orgulloso?

He sido muy afortunado, he logrado muchas cosas que nunca pensé que lograríamos con la banda. Creo que lo más difícil que hemos hecho, y que no pensé que lograríamos, fue poder publicar “At War With Reality” (2014), nuestro álbum de regreso. Fue algo muy muy difícil de hacer, era una idea “sin fines de lucro” (risas). En ese punto de nuestra carrera no habíamos hecho un disco en mucho tiempo, pero queríamos desarrollar nuestra creatividad todos juntos, por eso decidimos hacerlo, las expectativas eran muy altas para todos. Ahora, años después, cuando tocamos canciones de ese disco, todas son muy bien recibidas en vivo y eso nos sorprende, estamos agradecidos de que tuviera la recepción que tuvo. Para nosotros fue como que logramos componer y grabar algo que la gente igualmente sintió que era At The Gates, incluso cuando habían pasado tantos años desde nuestra separación. Fue un gran logro para mí, estoy muy orgulloso de eso.

Recuerdo que, cuando salió ese disco, fue como una gran declaración de “hemos vuelto”, le dio a la reunión un sentido más real. Hizo entender que, más que un ejercicio de nostalgia, era retomar el camino creativo.

Absolutamente, fue algo que se fue dando de manera natural.

Siguiendo en ese período, ¿por qué decidieron retomar la banda después de tantos años sin tocar juntos?

Para la primera reunión, cuando sólo tocamos las canciones clásicas en vivo, fue una propuesta de Anders (Björler, guitarrista) porque él abandonó la banda en 1996, así que quizás se sintió un poco culpable y quería retomar el contacto (risas). Tuvimos varias reuniones para ver cómo lo haríamos, todos tenían algo que decir y fue un proceso muy democrático, todos se escucharon y respetaron las opiniones del otro. Luego de que hicimos la gira de Norteamérica y Europa primero, luego la gente quería la gira en Sudamérica y Australia y, bueno, los shows siguieron por más tiempo. Llegó un punto en que Anders dijo: “¿Saben? No podemos seguir haciéndolo de esta forma, sería tonto seguir si no publicamos algo nuevo”. Pasó que había compuesto algunas canciones, nos preguntó si queríamos oírlas, a lo que todos accedimos, creo que la primera canción que nos mostró fue “The Book Of Sand”, e inmediatamente me encantó. Le dije a Anders que era muy fresca y enérgica, realmente sentí que podíamos lograr un disco, así que decidimos seguir componiendo, pero sin contarle nada a nadie hasta que tuviéramos que grabar el disco (risas).

¿Por qué optaron mantener ese secretismo?

Porque no queríamos tener ningún tipo de presión externa. Quizás eran sólo unas cinco personas las que sabían, aparte de nosotros. Fue un proceso muy extraño y que de seguro tomó a todos por sorpresa cuando el disco estaba completado. Me alegro de que haya sido así. Como dije, hacer ese disco es una de las cosas por las que estoy más orgulloso.

 

Tomas, quiero que volvamos al nuevo disco, ya que hay algo que no te pregunté hace un rato. Cuando los fans escuchen este trabajo, ¿cómo te gustaría que abordaran la nueva música de la banda?

Quiero que recreen la música y las letras por su cuenta. No quiero decirles cómo se deberían sentir, sólo espero la predisposición a un álbum que es muy desafiante, que toma trabajo, quizás deban escucharlo unas diez veces para ir comprendiendo sobre qué trata. Espero que lo reciban con la mente abierta, dejar fluir las emociones, es muy interesante ver cómo la gente reaccionará al disco, estamos expectantes. Realmente creo que el arte nace de nuevo cuando el receptor lo decodifica. Nuestra idea es que este álbum cree una especie de nuevo mundo al que puedan adentrarse y descubrir cosas. Para eso, tienen que darle algunas escuchas antes de comprenderlo, creo yo (risas).

Bueno, Tomas, esa fue la última pregunta. Para terminar, ¿te gustaría enviar un mensaje a los fans de At The Gates en Chile?

Nos encantaría volver. Cada vez que hemos estado en Chile nos han recibido muy bien, el cariño que nos entregan es inmenso. Todavía se me eriza la piel al recordar la primera vez que tocamos allá, no estábamos listos para eso (risas). Fue una locura, la emoción de los fans es muy importante para nosotros. Tenemos algunos amigos en Chile, así que hemos podido conocer algo de un país tan hermoso como el suyo. Volveremos allá, definitivamente. Si tenemos una gira, es obvio que pasaremos por Chile.

Muy bien, Tomas. Muchas gracias por tu tiempo.

Muchas gracias a ti, fue una gran entrevista. ¡Espero verte algún día en Chile!

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