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Pat Mastelotto: “No puedo prometer una fecha exacta aún, pero es seguro que King Crimson visitará Sudamérica”

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Dentro de la amplia cartelera musical que tendremos durante este 2016, los nombres de TU y O.R.k. se asomaron de la nada, sorprendiendo al público local. Con destacadas figuras de la escena del rock progresivo, estos shows llegarán bajo la tutela de Pat Mastelotto, baterista de King Crimson y encargado de las baquetas en ambos proyectos. Conversamos con él acerca de sus inicios en la música, sus planes a futuro y la especial relación que tiene con nuestro país, donde se ha presentado con una diversidad de proyectos alternos. A continuación, los dejamos con la pequeña entrevista que el baterista estadounidense tuvo con nosotros:

En los ochenta ganaste reconocimiento junto a la banda Mr. Mister, de la que fuiste uno de los fundadores. ¿Qué puedes contarnos sobre ese exitoso período?

¡Fue la escena rockera de Los Angeles en los 80! Mucho sexo, drogas y rock & roll, tal como en las películas. Me mudé a aquella ciudad a mediados de los 70, con alrededor de 17 años y el sueño de grabar discos, muchos discos con diferentes artistas. Siempre pensé que sería lo más genial del mundo estar en un montón de bandas, ser un músico de sesión. De hecho, en Mr. Mister eran todos muy buenos cantantes, escritores y músicos, e hicieron montones de otros discos y material de sesión.

Con Mr. Mister visitaron Chile en 1988, presentándose en el Festival de Viña del Mar. En ese show, el vocalista Richard Page hizo unas declaraciones en contra del gobierno, teniendo que retractarse minutos después. ¿Qué te pareció ese momento tan particular?

Bien, puedo decirte que Richard no se arrepintió, él es demasiado terco para eso. Antes, en el vuelo, nos contó que iba a hacer una declaración para Amnistía Internacional. Cuando llegamos, habíamos extraviado nuestros instrumentos y todo fue un desastre, por lo que nuestra actuación fue retrasada. No recuerdo que hayamos tenido prueba de sonido, pero sí que hubo un montón de problemas técnicos con nuestro equipamiento: la batería electrónica y los secuenciadores estaban con apagones y cosas así. Entonces yo estaba enfocado en mis asuntos cuando miré hacia adelante y vi a Rich con su puño en el aire. Recuerdo que me dijo: “Cuando veas mi puño en el aire, comienza a tocar ‘Broken Wings’“, y así lo hice. Luego, parece que se desató un caos: policías y soldados se pusieron al costado del escenario, intimidando a nuestro equipo para que le comunicaran a Rich y (Steve) Farris que se bajaran, quienes se fueron, ignorándonos. El público comenzó a ponerse hostil. Como saben, las primeras filas eran de gente adinerada, y nos hacían el gesto de cortarnos la cabeza. Obviamente desconectaron todo, nos llevaron a piezas separadas y nos pidieron que saliéramos a decir que no sabíamos lo que hablábamos. A mí me pidieron que le dijera a Richard que saliera e hiciera eso, que se argumentara diciendo que no sabía español y que le habían entregado una nota con esas palabras, de las cuales no entendía ni una sola. Cuando Richard salió a disculparse, todo lo que dijo fue: “Soy un músico, no un político. ¡Los amo a todos!“, haciendo una cruz con las manos. Dos o tres días después, nos entregaron la antorcha (risas).

En 1994 comenzaste a trabajar con King Crimson, ¿Cómo terminaste siendo parte inamovible de la banda?

En 1993 trabajé con Davis Sylvian y Robert Fripp, con Trey Gunn también en ese conjunto. Unas semanas después de que nos despidiéramos al final de aquella gira, Robert me llamó invitándome a King Crimson. Fue así como inició la formación del “doble trío”, tocando junto a Bill Bruford.

Uno de los grandes contribuidores en tus proyectos ha sido tu compañero en King Crimson, Trey Gunn. ¿Cómo fue la creación de bandas como TU o KTU?

Trey y yo somos buenos “compañeros rítmicos”, hemos estado muchas horas juntos tratando de reinventarnos. Después que finalizamos el álbum “The Power To Believe” (2003) de King Crimson, nos decidimos a grabar algunas pequeñas ideas que quedaron abandonadas. Fui a Seattle, donde Trey vive, e hicimos nuestro único trabajo de estudio a la fecha. Fue toda una odisea con nuestros shows en vivo siendo tan multimedias, ya que usábamos videos que Trey preparaba mientras interpretábamos nuestra música. Como Trey y yo éramos TU, encontramos otros dos músicos, así que mientras tocábamos cada show podía ser algo especial. Los primeros dos músicos que contacté fueron Kimmo Pohjonen y Samuli Kosminen, dos monstruos finlandeses de la world music futurista, y a eso le llamamos KTU. Deberían echarle un vistazo, por ejemplo, a “Absinth”.

Hace tan sólo un año estuviste en nuestro país con Tony Levin y Markus Reuter, tocando como Stick Men. ¿Qué recuerdos tienes de ese show?

¡Vaya! Ayer justamente finalizamos un tour de seis semanas con Stick Men, y estuvimos conversando sobre regresar a Sudamérica. Stick Men tiene un nuevo disco llamado “Prog Noir”, que saldrá muy pronto, por lo que hay muchos planes a futuro. Todos nuestros shows en Santiago fueron en el mismo lugar, así que se me vienen a la mente muchos recuerdos de presentaciones pasadas, como el de 2010, sólo un par de días después del enorme terremoto. Todos los conciertos en Chile han sido muy emotivos; nos recargamos de mucha energía de amigos y fans muy entusiastas, en una estancia muy corta. El último viaje que hicimos fue bastante breve, creo que sólo estuvimos en el país 24 horas.

King Crimson girará por Europa entre septiembre y octubre este año. ¿Te gustaría traer ese show a Sudamérica?

¡Sí, me encantaría! ¡No puedo esperar, no puedo esperar! Será fantástico. No puedo prometerles una fecha exacta aún, pero es seguro que King Crimson visitará Sudamérica, estamos presionando.

Durante esta gira tendrás a Jeremy Stacey como tu nuevo compañero en la batería, reemplazando a Bill Rieflin. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar junto a alguien nuevo para la banda?

No he conocido a Jeremy aún, pero él es un músico asombroso, tal como Bill, por lo que parece la elección perfecta.

¿Puedes contarnos sobre algún nuevo proyecto, colaboración o futuros planes?

Sacamos un nuevo disco con Naked Truth, titulado “Avian Thug”. Esta banda es un proyecto paralelo que hago con Lorenzo Feliciati, Roy Powell y Graham Haynes. Música bastante buena.

También está KoMaRA, que soy yo junto al guitarrista eslovaco David Kollar y el trompetista italiano Paolo Raineri. Hicimos un muy buen disco, el cual definitivamente deberían revisar. Mención aparte para el arte del álbum, un fantástico trabajo hecho por Adam Jones de Tool.

En tu próxima visita traerás dos de tus proyectos, TU y O.R.k. ¿Cómo te preparas para enfrentar la intensidad de tocar dos sets seguidos?

Ningún problema, en lo absoluto. Por lo menos no físicamente. Tocar dos sets seguidos significa que pasaré más tiempo con el técnico de sonido. Por cierto, llevaremos un gran técnico en sonido proveniente de Italia. O.R.k. es muy enérgico en el escenario, esperen a ver a Carmelo (guitarrista) y sabrán de lo que hablo. ¡Es material de muy alto voltaje! Nuestros últimos shows con O.R.k. fueron en Europa sólo unos meses atrás, así que vamos con un set muy reciente, llevando también nuestra configuración de la mesa de sonido idéntica a la de la última gira. En cuanto a Trey y yo, no hemos tocado como TU en varios años, así que nos encontraremos en México un par de días antes para prepararnos bajo la influencia del tequila (risas).

No hay duda de que el público está muy emocionado de escuchar tu música en vivo. ¿Estás sorprendido del recibimiento que esta tiene en nuestro país?

Sí y no. Siempre son sorprendentes los datos demográficos de quienes vienen a nuestros shows. Son conciertos donde hay un montón de aficionados, gente que ama la música extranjera y están por todo el mundo apoyando la música progresiva, el jazz, world music, cosas que no escucharás en la radio.

¿Qué podemos esperar de tu próxima visita a Chile?

Vengan al show sin expectativas y quizás podamos sorprenderlos.

¿Puedes decir algunas palabras para tus fans en Chile?

¡Paz, amor y pisco! (Risas).

Por Manuel Cabrales

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Geordie Greep de Black Midi: “Crear canciones por separado permitió que fueran más ambiciosas”

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Geordie Greep Black Midi

Luego de un aclamado ciclo en torno a su álbum debut, el implacable “Schlagenheim” de 2019, Black Midi tendría la difícil misión de superar expectativas y no fracasar en su segundo largo. Una banda tan ecléctica como esta no siempre consigue tantos comentarios favorables, por lo que la presión de tener a todas las miradas encima ponía en tela de juicio la calidad de un potencial segundo LP. Ahora, con “Cavalcade”, su segundo disco siendo una realidad, la joven agrupación se siente mucho más optimista en lo que depara el futuro, manteniendo siempre la ambición necesaria para ir avanzando en su búsqueda por encontrar ese sonido colectivo, de un caos que puede ser tan desordenado como estructurado en cada compás.

Luego de un tiempo analizando este segundo disco, en HumoNegro tuvimos la oportunidad de hablar algunos minutos con el guitarrista y vocalista Geordie Greep, quien durante toda la vorágine propia de la semana de estreno del disco se hizo un tiempo para conversar sobre una serie de temas, desde el proceso creativo de “Cavalcade”, la forma de componer que utilizan en su trabajo en equipo, la música que los influenció para este larga duración y su visión de la banda hacia el futuro, entre muchas otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Geordie, te hablo desde Santiago de Chile.

Genial.

Esta es la tercera vez que conversamos, de hecho. Tuvimos entrevistas que no salieron a la luz por el show que harían en Santiago, que se postergó por el Covid-19 y luego se terminó cancelando.

Oh, sí, sí, cuánto lamento eso.

Quiero que hablemos del tremendo nuevo álbum de la banda. He estado escuchando “Cavalcade” un montón y siento que es muy diferente en comparación a su debut, ¿no es así?

Sí, el proceso fue algo diferente al primer álbum porque en el anterior la mayoría de las canciones –todas menos una en realidad– fueron compuestas entre todos con un proceso muy comunitario y democrático. Estábamos en una habitación todos juntos dando ideas, improvisando juntos, y tan pronto como surgía una canción que nos gustaba, parábamos y decíamos “de acuerdo, esto hay que agregarlo al montón que tenemos”. Teníamos muchos fragmentos que pegamos para transformarlos en una canción; diría que todas son un compilado de distintas secciones unidas en una composición. Fue un proceso menos inteligente en cuanto a diseño, más bien de estar en una habitación hasta conseguir que una canción funcionara.

¿Qué nos puedes contar del proceso de creación de este nuevo disco?

Con este álbum fue todo lo opuesto, porque habíamos estado trabajando de esa forma durante mucho tiempo y, luego de que terminamos nuestro primer álbum, seguimos trabajando de la misma forma. Fue así como nos sentimos cada vez menos inspirados y hubo momentos en que no lográbamos encontrar nada interesante; el hecho de que nos gustara algo cuando improvisamos fue cada vez menos frecuente. Al final, pasaron meses sin lograr tener una canción, así que un día estábamos improvisando y logramos llegar a algo, pero no sabíamos cómo avanzar. Ahí pensé “bien, me llevaré esto a casa”, y trabajé para crear otra sección y completar la canción. Luego llegué al otro día y les mostré la estructura a los chicos, a todos les gustó porque funcionó, fue mucho más fácil. Se logró llegar a varias ideas para perfeccionarla, pero seguí trabajando en casa hasta que les dije “bien chicos, esta es la canción para que la aprendan”. La mitad del nuevo disco fue hecho así, el resto fueron creadas tanto en conjunto como por separado.

Sin duda el cambio de metodología permitió también un cambio notorio en la interpretación, este disco tiene prácticamente cada movimiento cronometrado.

Esto permitió que pudiéramos ser más ambiciosos con el material, porque cuando tocamos todos juntos no podemos improvisar una secuencia o estructura, estamos todos básicamente tocando algo diferente. No puedes tocar en una nota especifica, más bien es algo atonal, surge desde las texturas y el sonido. Crear canciones por separado nos permitió que fueran mucho más melódicas y, a su vez, más ambiciosas.

¿Qué hay de la pandemia, tuvo alguna influencia en la forma de trabajar o en la naturaleza del disco como tal?

Tuvimos la suerte de estar usando esa nueva metodología antes de que toda la pandemia empezara y, al momento en que tuvimos que separarnos y encerrarnos en nuestras casas por la cuarentena, ya nos sentíamos cómodos trabajando de esa manera. De hecho, preferíamos trabajar así, tener todo el tiempo del mundo para componer fue un regalo. Fuimos muy afortunados en descubrir que podíamos trabajar así antes de que nos viéramos forzados a ello, de lo contrario habríamos quedado inmóviles esperando a juntarnos a improvisar juntos y, sumado al coronavirus, no hay posibilidad de que hubiésemos tenido un álbum listo en todo este tiempo. Estaríamos recién ahora viendo si podemos componer algo, así que tuvimos suerte (risas).

Al ver el tracklist del disco, tenemos desde canciones de dos minutos y algo más, hasta la última que es de nueve. ¿Sienten a “Cavalcade” como una especie de canción larga con diferentes secciones?

Quizás. Creo que todas las canciones son muy distintivas por su cuenta, pero la intención del álbum es escucharlo de una pasada. Cuando estábamos decidiendo el tracklist no había un orden natural que había que seguir estructuradamente, hay canciones que grabamos al mismo tiempo y que son tan buenas como las del disco, pero las dejamos afuera intencionalmente porque no iban con el ritmo del álbum. Así que, con estas ocho canciones, diría que sí, es como una única canción de larga duración.

Puedo percibir influencias de The Fall e incluso King Crimson. Entiendo que el álbum “Discipline de 1981 fue una obra muy influyente para el sonido de este disco. ¿Hubo algún disco que escuchaste mucho cuando estaban componiendo las canciones para “Cavalcade”?

Una gran influencia en muchas canciones fue Olivier Messiaen, un compositor que hizo una opera llamada “Saint François d’Assise”, sobre este personaje histórico, ya sabes. Esa es una pieza de música alocadamente conmovedora, muy experimental, comprometedora, son cuatro horas que escuchas y te hipnotizas en la narrativa. Fue una obra que escuché mucho antes de que comenzáramos a completar las canciones, influenció mucho en el disco, especialmente en “Ascending Forth”, la última canción.

Hay algo que me llamó la atención mientras leía para preparar esta entrevista, y es el hecho de que se aburrieron de su primer álbum y por eso tomaron la decisión de “ahora sí hacer un álbum bueno”, creo que algo así fue la frase que dijeron. ¿Por qué se sentían de esa forma, incluso cuando fue tan exitoso?

Bueno, no lo sé, supongo que lo tocamos demasiado y fue así como empezamos a notar las limitaciones de las canciones. El hecho de que fueran construidas como te expliqué hace un rato, les dio ciertas limitaciones que no podíamos evitar. Muchas de las canciones son solamente uno o dos acordes, pueden ser interesantes, hay muchos sonidos geniales que dan esa sensación natural de estar viendo tocar a una banda en vivo, pero en términos de las canciones como tal, los acordes y las melodías no son las más interesantes del mundo que digamos. Esta vez queríamos hacer canciones que fueran fundamentalmente más interesantes, y luego agregar algunos “efectos especiales” encima para hacerlas incluso mejores. El primer álbum es el primer álbum, probablemente terminemos diciendo lo mismo de este disco en un año más, o quizás sintamos que es un montón de basura cuando estemos en el tercer disco (risas). De todas formas, siento que esta vez hicimos canciones que tienen una longevidad y con espacio para desarrollarlas cuando las toquemos en vivo.

Tuve la suerte de escuchar el disco antes de su lanzamiento para hacerle un review y hay algo que escribí en mi texto que quería comentar: siento que este álbum es el punto de partida para llegar a uno de los mejores álbumes de la historia. No lo sé, quizás el tercer o cuarto álbum de Black Midi. Te comento esto porque leí una entrevista donde justamente dijeron lo mismo, que sienten a este disco como el punto de partida para otra etapa de la banda. Así que quisiera escuchar tus reflexiones al respecto, ¿por qué lo sienten de esa forma?

Sí, lo entiendo. Sí, dijimos eso cuando descubrimos que en esta nueva forma de trabajar había una vibra más optimista en lo que estábamos haciendo, sabíamos que estas canciones podían tener una longevidad. Desde esta fórmula podemos seguir mejorando e intentando cosas nuevas con este mismo enfoque. No lo sé, quizás sea el siguiente o nos tardemos un par de discos más, pero espero que uno de esos sea el “TBE”, The Best Ever (risas). Habrá que ver que pasa en el futuro.

Bueno, este disco es el mejor de este año, no hay duda de eso.

¿En lo que va del año? Fantástico, lo agradezco mucho (risas).

De hecho, “Schlagenheim” fue el segundo mejor en nuestra lista de ese año, solamente fue superado por “Ghosteen de Nick Cave & The Bad Seeds.

Oh, muchísimas gracias por eso también.

Geordie, se supone que vendrían a tocar a Santiago el año pasado, luego se postergó por la pandemia y finalmente se canceló. ¿Tendremos la oportunidad de ver a Black Midi algún día acá en Chile?

Eso espero, amigo, realmente lo quiero. Será genial tocar allá en algún momento porque mi mejor amigo desde los tres años es de Chile, siempre me dice que deberíamos tocar allá. Algún día lograremos tocar allá, estoy seguro de eso, y espero que sea más temprano que tarde.

Eso espero también, todos están muy entusiasmados por verlos. Bueno, Geordie, se nos acaba el tiempo, así que esa fue la última pregunta. Para terminar, ¿le quieres enviar un mensaje a los fans de la banda que estén leyendo esto?

Sí. Sólo quiero decirles que disfruten el álbum, escúchenlo todo lo que puedan y, si no les gusta en un principio, denle otra oportunidad (risas). También quiero que sepan que estaremos allá, tarde o temprano tocaremos allá, así que nos veremos algún día.

Muchas gracias por la entrevista, Geordie.

Gracias a ti, amigo. ¡Nos vemos!

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