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Nalle Colt de Vintage Trouble: “La audiencia es nuestro quinto integrante”

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Una de las bandas que resulten más desconocidas para el público del próximo Lollapalooza Chile, y que se subirá a uno de los escenarios principales del evento, tal vez sea Vintage Trouble. El conjunto de Los Angeles cultiva una mezcla entre soul, blues y rock & roll que realmente resulta fresca, producto en buena parte de la energía imparable del vocalista Ty Taylor y las líneas de guitarra tan clásicas y familiares como actuales de Nalle Colt, guitarrista de la banda que conversó con nosotros de cómo han sido las cosas para VT, las experiencias recogidas en el camino, y cuán importante ha sido la forma de nutrirse del público para dar lo mejor de sí.

Vienen de lanzar su tercer LP, “1 Hopeful Rd.” (2015), y de telonear a AC/DC en su más reciente gira. En torno a estos conciertos, ¿qué experiencias recogen luego de presentarse ante un público tan masivo?

Sí. Fue increíblemente maravilloso. Por ejemplo, con AC/DC tuvimos la oportunidad de estar en 52 fechas alrededor del mundo con estas leyendas, sentados, viendo sus shows, aprendiendo, escuchando cómo interpretan y componen música, entonces fue una cátedra de cómo hacer las cosas para nosotros. Pudimos estar tocando lo nuestro cada noche, pero también vimos a la gente que ha estado haciendo esto por tanto tiempo y cuán profesionalmente, eso fue impresionante. El tour de AC/DC fue el más grande del mundo el año pasado y tocando para 2,3 millones de personas. La sensación y la adrenalina de salir y presentarte ante 137 mil personas es increíble. Tendré eso conmigo por el resto de la vida, en especial ver cómo el público apreciaba nuestra música, porque muchos de ellos ni sabían de nuestra existencia. Entonces tener esos 45 minutos nos dio tanta fortaleza, y esperamos poder mostrar lo que aprendimos porque para nosotros la audiencia es como nuestro quinto integrante, y queremos mostrar esto en Sudamérica, donde sabemos que son muy animados y que además comparten ritmos llenos de color y de energía que nosotros queremos absorber y tomar como parte nuestra, aprendiendo de ustedes.

Realmente esperamos que puedan hacer todo lo que deseen sobre el escenario, en especial porque es reconocido que el público latinoamericano es más loco, así que no sería raro que fuera así.

Llevaremos todo, porque hemos esperado mucho para conocerlos, así que ya estamos saltando para arriba y para abajo por verlos. Acabamos de girar por Japón y creíamos que el idioma sería una barrera, pero no fue así. Ha sido algo más allá del lenguaje, hermoso, y esperamos que pase lo mismo en Chile y Sudamérica.

Su vocalista, Ty Taylor, cantó de niño en el coro de una iglesia. ¿Cómo fue la transición de la música más “espiritual” al estilo atrevido del soul setentero? ¿Fue un proceso natural?

Pienso que viene de todos lados. Cuando comenzamos como banda nosotros empezamos a dar shows de inmediato. Estuvimos juntos un par de semanas antes del primer concierto, y se sintió muy importante incorporar a la audiencia. Hemos estado juntos por seis años y sentir la dicha de tocar en vivo es la forma de llegar más allá. Simplemente nos dedicamos a vivir y sentir la música, y es allí cuando todo lo que tenemos sale y amamos hacerlo sin pensar mucho en cómo. Ahora es importante mantener esa sensación porque es mágica y es bueno tener la posibilidad de visitar nuevos lugares, como ir a verlos a ustedes, amigos.

Su sonido pareciera que proviene del blues y el soul norteamericano, con influencias como James Brown u Otis Redding. ¿Consideran que se está produciendo un “revival” de la música de los 60  y 70? ¿O esto sólo es un interés de ustedes como músicos?

Pienso que igual hubo otras bandas antes de VT, y cuando nos reunimos vimos que había un montón de música como parte de aquello que nos formaba. Lo principal es que surgimos y vimos el rock & roll, y había algo tan peligroso acerca de este: el sonido crudo. Esa es la principal inspiración para nosotros. Definitivamente hay muchas influencias en nueva música también, y no tratamos de ser una banda retro o nada que pudiera ser llamado así, pero sí es el sonido que nos sale cuando nos juntamos y nos hace sentir orgullosos. Es un sonido simple pero poderoso, con la voz de Ty, quien es un cantante de soul propiamente tal, la dirección de la banda es muy genial en su combinación.

¿Cómo llegaste a tocar la guitarra? ¿Qué te motivó o qué te motiva ahora para hacerlo de la forma en la que lo haces, que mezcla esa cosas bluseras con el pop?

Crecí en Suecia, en el otro lado del mundo, y un amigo tenía una gran colección de discos, en especial de blues, Muddy Waters, Lil Walter, Jimi Hendrix, Little Richard, y pienso que mi mayor inspiración cuando comencé con la guitarra fue Hendrix porque él era tan expresivo y tomaba el rock, el góspel, el blues, y armaba una nueva vibra muy interesante de esta música y para mí eso era hasta sexual. Tuve sentimientos en mi interior que nunca pensé que tendría. Para mí es ese tipo de energía la que me interesa transmitir, sacarlo todo, ir más allá. Agregar también cosas que aprendí después en el camino, como lo que hacía Jimmy Page o guitarristas irlandeses como Rory Gallagher, y muchos otros referentes que hacían blues, porque ellos lograban transformar a la guitarra en otra línea vocal y era una respuesta a las letras. Eso es lo que buscamos armar, lo que me gusta hacer, y es lo que hace tan divertido lo que desarrollamos con Tyler como cantante. Es fantástico y puedo balancearme sobre sus melodías para crear música. Obviamente, como banda, algunos tienen una idea más soul y eso hace muy bien, y en cómo toco guitarra trato también de ponerle más rock & roll y soul, como Steve Cropper, quien tocara con Otis Redding, y estilos así para lograr algo al medio. Creo que bandas en esta mezcla, con esa búsqueda, son lo que me interesa hacer.

Se nos acabó el tiempo, Nalle, pero gracias por compartir tus experiencias e influencias con nosotros. Te veremos en Lollapalooza.

Muchas gracias a ustedes y les prometemos el mejor show. Que estés bien. Chao.

Por Manuel Toledo-Campos

Foto por Tracy Anne Hart

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1 Comentario

1 Comentario

  1. GG

    09-Mar-2016 en 6:14 pm

    Vintage Trouble es el secreto de lo que es buena musica hoy dia, en una epoca de decadencia musical VT te hace sentir el poder de la musica ,cuando el publico se transforma en una entidad completamente unida por la canción ,tus pies se mueven al ritmo y las mujeres las cuales hay muchas en la audiencia bailan .Esta banda tiene con sus poder musical lidera el futuro de lo que es una musica honesta hecha con los mejores ingredientes y por los mejores maestros. El secreto de los legendarios THE WHO,ACDC,QUEEN,LENNY KRAVITZ,THE STONES,JOE BONAMASSA,GOV MULE etc. ,desde California a UK, Europa ,Japon , Australia y ahora por segunda vez en Brazil a Argentina y finalmente a CHILE ,disfruten .

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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