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Mikko Sirén de Apocalyptica: “En esta gira quisimos preparar algo especial para los fans”

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Tomaron a la escena del metal por sorpresa cuando dieron a conocer su propuesta, una que reinterpretaba muchos de los más grandes clásicos del género solamente con chelos. Apocalyptica ya cuenta con una vasta trayectoria y mucha historia discográfica sobre sus hombros, lo que les generó un sinfín de alabanzas y buenos comentarios de la crítica especializada. Tras años y años de visitas no concretadas, lo que parece una historia de no acabar por fin encuentra su desenlace, ya que los finlandeses llegarán a Santiago este 8 de diciembre para celebrar los 20 años de su debut discográfico, “Plays Metallica By Four Cellos” (1996), en lo que será un show histórico para su amplia fanaticada local. Bajo este contexto, conversamos con Mikko Sirén, uno de sus integrantes, quien nos contó sobre lo que estarán presentando en el show, además de otros temas, en una entrevista que te dejamos íntegramente a continuación.

Vienen en plena celebración del álbum debut de Apocalyptica, “Plays Metallica By Four Cellos” (1996), que cumplió 20 años. ¿Qué puedes contarnos sobre esta gira?

Bueno, han pasado 20 años desde la publicación de este álbum, y para celebrar ese acontecimiento quisimos preparar algo para los fans y realizar esta gira especial que nos transporta hasta los primeros años de Apocalyptica. Después de ese disco, hemos lanzado otros siete álbumes, donde tocamos nuestras composiciones originales. Todo eso ha sido un viaje maravilloso, pero aquí quisimos enfocarnos sólo por un momento en tocar lo que banda solía tocar cuando comenzó, de eso se trata esta gira. De hecho, este tour marca el regreso de nuestro cuarto chelista, quien estará junto a nosotros sólo por esta ocasión, lo que nos permite tocar las canciones tal como suenan en el álbum. Nuestro concierto se divide en dos partes: la primera es el álbum completo, tocado sólo por cuatro chelos, sin voz ni batería, tal como fue grabado, resultando algo muy especial y único, en la segunda parte me uno a la banda con mi batería y tocamos todas las otras canciones de Metallica que hemos interpretado durante estos años. Es un evento único, algo que definitivamente será para recordar.

En cierto punto la banda agregó una batería a la formación, momento en que tú llegaste a formar parte del grupo. Ahora, para el último álbum, cuentan con un vocalista, ¿planean aplicar estos cambios a futuro para la interpretación del material antiguo?

No, no esta vez al menos. Este tour de aniversario se enfocará sólo en recrear el álbum instrumental, seguido de esa parte con batería que te comenté. Hemos girado con diferentes cantantes durante los últimos diez años, hemos grabado quizás con unos veinte cantantes diferentes. Por ahora queremos dejar eso a un lado, enfocarnos únicamente en revivir los primeros días de Apocalyptica.

Tú estás oficialmente en la banda desde 2003, pero ya habías tocado antes junto a ellos, ¿no es así?

Si, ya llevo catorce años en la banda. Empecé como músico de sesión en 2003, luego quedé como miembro oficial en 2005, mucho después de haber grabado con ellos en estudio.

“Reflections” (2003) fue el primer álbum que tiene batería en las canciones. ¿Por qué crees que la banda optó por incluirla?

Quiero ser específico, ya que ese álbum fue grabado por Dave Lombardo y Sami Kuoppamäki: debido a que ellos no podían salir de gira, yo fui invitado a unirme a la banda. Creo que decidieron incluir batería porque los muchachos, en especial Eicca (Toppinen, chelista principal), tienen este fuego interno, ese deseo de siempre ir avanzando. Se encontraban en una situación donde sentían que estaban repitiendo lo que habían hecho antes, así que decidieron desafiarse y ver diferentes maneras de hacer música. Como primero eran una banda que tocaba música de Metallica, rápidamente evolucionaron a ser una que también contaba con material propio, así que pensaron en que no era prudente restringirse a sólo usar chelos, ya que parecería muy simple. Eso es algo que respeto mucho de ellos, sienten que no tienen por qué existir reglas a la hora de componer, sólo seguir su corazón y no restringirse a la hora de crear.

Me gustaría que habláramos sobre “Shadowmaker” (2015), último disco de la banda. Este trabajo tiene un estilo algo distinto, pero aun así mantiene esa identidad clave del sonido de Apocalyptica. ¿Qué puedes contarnos sobre este álbum?

Aquí quisimos avanzar en cierto sentido. Antes de este álbum habíamos grabado casi con veinte vocalistas diferentes, como Corey Taylor (Slipknot), Nina Hagen, Cristina Scabbia (Lacuna Coil), Adam Gontier (Three Days Grace), entre otros, lo que fueron lecciones muy valiosas para nosotros, ya que aprendimos un montón de cosas y estamos muy agradecidos de todos. Al momento de ver qué haríamos, teníamos un montón de cantantes con los cuales podíamos colaborar, lo que es genial, y no descartamos hacerlo en el futuro, pero con “Shadowmaker” queríamos algo diferente, buscábamos romper la fórmula que utilizamos antes y hacer un álbum con un solo vocalista. Viendo quién podía grabar el álbum y además salir de gira con nosotros, así dimos con Franky Pérez, quien colaboró en la composición, lo que le dio ese elemento clave, ese sabor que hace especial al álbum. No teníamos mucha idea de cómo sonar y su involucramiento en el proceso nos ayudó a lograr algo distinto a cualquier otro álbum de Apocalyptica. Nos gusta estar siempre frescos y hacer cosas nuevas y con Franky eso fue posible, así que estamos conformes con el trabajo. Nunca sabemos cuál será nuestro próximo movimiento, lo mismo con nuestro próximo álbum, ni siquiera sabemos cómo sonará; hemos compuesto algunas cosas, pero es imposible saber todavía qué es lo que haremos.

Precisamente, quería que habláramos de eso ahora, sobre un nuevo álbum. Estarán girando todo el año, ¿en qué momento volverán al estudio?

Bueno, cuando empezamos esta gira de aniversario teníamos originalmente alrededor de veinte shows, íbamos a hacer una cantidad muy limitada de presentaciones, pero como la respuesta del público fue tan grande, la demanda por ver el show creció bastante y eso nos ha tenido muy ocupados. De hecho, no pararemos hasta el final del próximo verano, tenemos todo este año copado hasta Navidad, ahí nos detendremos un poco para irnos de vacaciones, luego continuaremos girando hasta el final del próximo verano y ese será el final definitivo de la gira. Sentimos que debemos detenernos en cierto punto, sino moriremos tocando lo mismo (risas). Será un año y medio de gira en total, después de eso habrá que ver lo que haremos en el estudio.

Esta será la primera vez que tocarán acá; intentaron venir en un par de ocasiones, pero nunca se pudo. ¿Qué podemos esperar de este tan postergado show?

Primero que todo, teníamos muchas ganas de ir. Ya van –creo– tres veces que hemos cancelado, y nunca ha sido por nosotros. Siempre hubo problemas con los promotores o circunstancias ajenas a la presentación, lo que terminaba cancelándola. Siempre que eso pasaba, nos sentíamos muy mal por nuestros fans que tanto querían vernos y nunca podían lograrlo. Queremos estar pronto allá, para darles nuestro amor y mostrarles todo el respeto que merecen por apoyarnos siempre y por esperar tan pacientemente a que toquemos para ellos. De hecho, hemos llegado incluso a estar en Santiago y no poder tocar, así que pasamos unos días en la ciudad, donde recorrimos las calles, fuimos a bares, en uno de ellos incluso vimos un partido de fútbol entre Chile y no recuerdo quién más, era algo de la Copa América hace algunos años. Conocemos algo de su gente y de la atmósfera, así que sabemos que esperaron mucho y por fin nos veremos.

Tienen muchos fans acá en Chile, al igual que Dir En Grey, una banda muy amiga de ustedes. Cuando giraron juntos hace un par de años, incluso hubo una campaña de fans para que vinieran juntos…

Sí, sí, de hecho, ellos estuvieron allá en Santiago después de que hicimos esa gira. Conozco a la banda, soy muy amigo de Die (guitarrista), hubiera sido genial ir juntos a Santiago. Es más, creo que durante ese mismo año que ellos tocaron en Chile (2011) fue una de las ocasiones en que no pudimos concretar nuestro show allá.

Bueno, Mikko, se nos acabó el tiempo, ¿te gustaría decirle algo a tus fans aquí en Chile?

Quiero agradecer a todos por esperarnos tanto, costó mucho concretar una presentación allá, pero por fin lo logramos. Los amamos y agradecemos mucho su apoyo, espero verlos a todos en el show, así que ¡Chi-Chi-Chi, Le-Le-Le, Viva Chile! (risas).

Muchas gracias por tu tiempo, Mikko. Fue un agrado conversar contigo.

Gracias a ti, Manuel. ¡Nos vemos en el show!

Por Manuel Cabrales

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Jim Reid de The Jesus And Mary Chain: “Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón”

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Mary Chain

Muchas veces han sido denominados como “la única verdadera banda indie”, y es bien cierto que The Jesus And Mary Chain no se aleja mucho de ese apelativo. Luego de estar separados por casi diez años, la banda regresó a los escenarios en 2007, mucho más maduros y dejando de lado todas las peleas que los hicieron distanciarse en un momento y publicando el álbum “Damage & Joy” (2017) como una muestra de aquello. Ahora, el conjunto integrado por los hermanos Jim y William Reid llegará nuevamente a nuestro país para encabezar la primera edición del festival Antena, siendo el encargado de cerrar la jornada del día 29 de junio, en su regreso a Santiago luego de haberse presentado por última vez en 2014.

Para amenizar la espera a este anhelado regreso, es que nos sentamos al teléfono junto al guitarrista Jim Reid, quien, de manera muy introvertida y serena, conversó con nosotros sobre una serie de temas en torno a la banda, tales como la grabación de su primer álbum en 20 años, el dolor de cabeza que significó trabajar en el disco “Munki” antes de su separación, su opinión sobre la música actual y las bandas que se sintieron inspiradas por The Jesus And Mary Chain, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Obviamente, de lo primero que hablaremos es de este regreso a Chile luego de cinco años. ¿Cómo ven esta próxima visita al país?

Estoy expectante por regresar, ya han pasado cinco años. La audiencia chilena es muy entusiasta, es uno de los mejores públicos que hemos tenido, por lo que espero experimentar eso de nuevo.

Vienen con el álbum “Damage & Joy” de 2017, el primero luego de casi 20 años. ¿Qué tan diferente fue hacer un álbum en la actualidad, comparado con “Munki” que apareció en 1998?

Sí, supongo que es bien parecido, pero más rápido, ya que la tecnología ha avanzado demasiado. Antiguamente tenías una idea, como el uso de sintetizadores o una sección de cuerdas, y querías aplicarla, tomaba un día completo arreglar todo para que funcionara, pero ahora puedes hacer todo eso en un computador en cosa de minutos, sin tener que mover nada, por lo que las ideas fluyen más rápido, aunque esencialmente es lo mismo: un grupo de tipos en el estudio elaborando canciones y tratando de sacar lo mejor de ellas en el proceso.

En este disco trabajaron con Youth, bajista de Killing Joke, como productor. ¿Cómo se sintieron con una mirada externa hacia su trabajo?

Fue la primera experiencia con un productor, tomamos esa decisión porque estábamos muy nerviosos por entrar al estudio de nuevo, ya que grabar “Munki” fue una experiencia dolorosa y todavía era un recuerdo fresco en nuestras mentes, a pesar de todo el tiempo que pasó. Estar en el estudio es algo claustrofóbico a veces, temíamos estar atrapados mucho tiempo sin llegar a ningún punto claro y que volviéramos a lo mismo que pasó esa vez. Incluso, pese a que llevábamos tiempo girando juntos, ahí se adquiere experiencia y te unes más con la banda, pero en el estudio es algo mucho más personal. Pensamos que tener otra presencia en el estudio nos ayudaría a mantener las cosas en orden, así que lo analizamos mucho, además de que nos ayudaría con todos los aspectos tecnológicos que se utilizan al grabar un disco.

¿Por qué describes la experiencia de haber grabado “Munki” como algo doloroso?

Lo fue, temíamos que podía ser así desde antes. En este último disco nos hicimos amigos con William, al punto que nos unimos mucho más que antes, hablábamos de todo, conversábamos sobre el disco de manera constructiva, discutimos, sí, pero siempre de manera pacífica, acerca de la música y cosas así. Es lo normal que se produce en una relación creativa como la que tenemos; eran sólo temas de música y nada más. Con “Munki” llegó un punto en que discutíamos por todo, en cambio ahora fue más de ir juntos en la misma dirección.

Entiendo que no grabaron juntos durante el proceso de ese disco, pero ¿hubo algún momento en que trataron de trabajar los dos en el mismo estudio?

Comenzamos haciéndolo juntos, pero rápidamente se desintegró. William y yo nos pasábamos gritando el uno al otro, ni siquiera podíamos comenzar a grabar lo que teníamos compuesto. Finalmente él terminó grabando con la banda las canciones que ya tenía, mientras que yo hacía las mías aparte, fue como tener dos miradas distintas de la banda en un solo álbum.

En esta próxima visita a Santiago tocarán en un festival, encabezando la primera noche luego de algunas bandas locales, prácticamente todas jóvenes. ¿Te gusta estar al tanto de los nuevos sonidos? ¿Hay alguna banda nueva que disfrutes?

Probablemente debería, lo sé, pero no lo hago. Tengo cientos y cientos de álbumes pendientes, pero cada vez que escucho nuevas bandas, no me conecto, no he encontrado una banda nueva que me guste desde hace mucho. Para serte honesto, no escucho radio ni nada, he escuchado cosas buenas de repente cuando tocamos en algún festival, algo que suene en un escenario quizás, pero probablemente estoy pasado de moda, ya no es mi tiempo.

¿Sientes que quizás la música ya no es lo mismo de antes?

De alguna forma lo siento, pero quizás es porque soy muy viejo. Hay chicos de 17 o 18 años que piensan que esta es la mejor época de la música, y quizás tienen razón, porque todos suelen decir que la música con la que creces es la que consideras la mejor. Creo que debería escuchar más música, eso lo tengo claro.

Estando en una banda como The Jesus And Mary Chain de seguro que suelen decirte “tu música ha inspirado a esta, y esta, y esta otra banda”. ¿Se han visto reflejados en alguna de esas bandas inspiradas por su música?

Sí, me ha pasado, pero no mencionaré a ninguna porque no sería justo. He escuchado la esencia de The Jesus And Mary Chain en algunas bandas, y no creo que eso sea algo malo, el rock & roll se trata de eso. Nada es original, absolutamente nada, esto se trata de tomar distintas piezas y reorganizarlas a tu gusto. The Rolling Stones trató de ser algo como Chuck Berry en sus inicios; The Stooges trató de ser The Doors, pero necesitaban algunas lecciones de guitarra para lograrlo, ya sabes, tienes que poner algo de ti sobre la mesa, no puedes ser una copia de otra banda, tienes que sentirte inspirado por ellas y hacerlo a tu propia manera. Es un poco deprimente escuchar bandas que suenan exactamente como otras, de eso no se trata esto.

Jim, hablamos sobre las diferencias entre hacer un álbum en los 90 y hacerlo ahora, por lo que te repito la pregunta, pero esta vez hablando de los shows en vivo. ¿Cómo enfrentan esta nueva era donde los teléfonos y las redes sociales cambian la percepción a la hora de hacer un show en vivo?

Sí, tienes razón, es diferente, no hay duda de eso. Desde un punto de vista artístico prefiero mucho más la manera antigua, te sentías menos expuesto y mucho más confidente de lo que estás haciendo. Soy un tipo tímido, estar en el escenario y ser el centro de atención es todo un tema para mí, pero tenía una actitud muy punk cuando empezamos, quería ser como Iggy Pop; nunca podría ser eso, pero lo deseaba. La única forma en que podía estar arriba del escenario era si me emborrachaba antes. Toqué sin estar sobrio durante décadas, cada show, algunas veces ni siquiera podía mantenerme en pie, pero ya no bebo desde hace dos años y medio. Aún soy tímido y torpe, pero es mucho más profundo, puedo encasillarme más en la música y comprometerme y enfocarme en hacerlo cada vez mejor.

En una entrevista dijiste “no hay un lugar en el mundo para nosotros”, refiriéndote a la banda. ¿Qué quisiste decir con eso?

Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón. William y yo éramos los Mary Chain, y cuando pasó el grunge no teníamos nada que ver con eso; cuando llegó el brit pop no teníamos nada que ver con ellos, todos estos géneros que iban apareciendo nos excluían. Creo que para tener la atención de todos tuvimos que patearlos en las bolas, ya sabes a lo que me refiero. La canción “Amputation” precisamente habla de eso, de ese sentimiento de no estar conectados al resto de movimientos.

Este año se cumplen 30 años desde el lanzamiento de “Automatic”. ¿Planean alguna actividad especial para celebrarlo?

No hay planes, pero quién sabe, estamos abiertos a ideas. Lo único que puedo decir es que no tenemos nada pensado por el momento.

¿Por qué optaron por una producción más minimalista en ese álbum?

En esos momentos estábamos escuchando mucha música electrónica, por lo que queríamos hacer un álbum que sonara así. No hay bajo en el disco, todo está programado, hay drums machines y guitarras. Fue como nuestra carta de presentación para llegar a Estados Unidos. Cuando hicimos ese disco, estábamos tratando de sonar en las radios estadounidenses, y ese sonido nos acercó.

Bueno, Jim, se nos acaba el tiempo. ¿Hay algo que quieras decir a tus fans en Chile?

The Jesus And Mary Chain irá pronto a tocar para todos ustedes. Tenemos un set donde tocaremos canciones de todos nuestros discos. Si aman a la banda, estoy seguro de que les encantará el concierto, así que espero verlos ahí.

Muchas gracias por tu tiempo, nos vemos en el show.

Ok, muchas gracias a ti. Nos vemos.

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