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Greg Dulli de The Afghan Whigs: “Me encuentro explorando la oscuridad y la luz para darles una misma voz”

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In Spades” es uno de los discos favoritos de la redacción de HumoNegro en 2017, siguiendo la senda de “Do To The Beast”, el Nº1 en nuestro listado de Mejores Discos Internacionales 2014, pero lo de The Afghan Whigs es más que un mero retorno, sino que es uno de los mejores grupos de rock alternativo de los últimos 25 años, con una discografía sólida y una mezcla de sonidos inevitablemente llamativa. Ahí, al centro, está la mente maestra de la banda, Greg Dulli, quien compone y le pone su voz a canciones llenas de misterio, desamor, desconfianza, amor carnal, sexo imaginario, deseo, venganza, y muchas sensaciones más. Por ello, contactamos directamente a Dulli a ver si nos respondía, y tras algunos intentos logramos que al otro lado del teléfono y en el otro hemisferio el mítico líder de The Afghan Whigs nos diera tiempo para analizar desde el grabado en el vinilo de su último álbum, hasta un posible regreso de la banda de Cincinnati a Chile. Aquí nuestra media hora con Greg Dulli.

Hola, ¿hablo con Greg?

Sí, tú hablas con Greg, ¿cómo estás?

Excelente, aquí conversando contigo y con un día soleado en el invierno de Santiago de Chile. ¿Tú dónde estás y cómo estás?

Estoy en Los Angeles, California, y está soleado y hermoso.

Grandioso. Partamos. Recientemente vimos el show que dieron en Primavera Sound y a cada rato le dedicaban palabras a Dave Rosser, quien murió hace unas semanas. Pero el momento más notorio en este tributo a Dave fue cuando vi que en el vinilo de “In Spades” dice “Desde los cerros de Gadsden hasta las costas, las costas de Jersey… señoras y señores, reciban a la banda de Dave Rosser”. ¿Cómo has enfrentado la muerte de Dave?

Bueno, de hecho, hoy (la semana pasada) se cumplen dos semanas desde su partida, y es difícil poner en palabras lo que él significaba personalmente para mí, y ciertamente que para la banda también. Él era alguien a quien conocí hace 15 años, con quien pude hacer música por una década y con quien compartí más de 500 shows, incluyendo dos en Chile. Fue uno de mis mejores amigos, uno de los mejores músicos que pude escuchar en la vida, y estará en mi corazón para siempre. No se me ocurre más que decir que lo extrañaré por el resto de mi vida.

Y el detalle del vinilo, ¿a quién se le ocurrió?

A mí. Yo fui quien dijo que lo hiciéramos.

Hay momentos en “In Spades” que se pueden recordar con facilidad. Uno particular, por ejemplo, es ese acorde menor que cambia todo en el puente de “Oriole”, quebrando la melodía sin que deje de fluir. Tú dijiste que esa canción tenía algo mágico, ¿nos lo explicas más en detalle?

Tuve el principio y los primeros riffs de “Oriole” cuando me dirigía al estudio, y se los toqué a los chicos de la banda. No tenía idea cómo seguir después de eso, así que practicamos y les dije a todos que fueran a almorzar y que yo me quedaría ahí tratando de comprender y resolver todo. Creo que lo que necesitaba era un cambio en la canción y puse mis manos en la guitarra de una forma que jamás hice antes, y toqué esos acordes en ese preciso momento. Eso desbloqueó por completo la canción para mí y me permitió terminarla. Los muchachos estuvieron muy complacidos cuando escucharon el resultado final, con esa personalidad tan única y definida. Amo esos acordes tanto, que compuse otro tema basándome en ellos, “Toy Automatic”, por lo que ambas canciones están juntas porque son hermanas y se pertenecen la una a la otra. Lo mejor de escribir canciones es que puedes sorprenderte a ti mismo y esa sorpresa puede llevarte a algo más; esa fue una parte particularmente mágica del proceso, con dos canciones casi escritas a la vez y que se alimentaron sinérgicamente.

Eso es parecido a lo que hizo Chilly Gonzales en el “RAM” de Daft Punk, con una progresión de acordes para unir canciones. Y hablando de “Oriole”, un equipo de béisbol se llama así, y una localidad de Baltimore se llama “Birdland”, como el track inicial del disco…

No, no, no, la referencia no va por ahí. Porque sí, está el equipo de los Baltimore Orioles, pero yo no soy de Hamilton, Ohio, y Birdland es una localidad de un pueblo vecino, Ross, en Ohio, y Oriole es una calle de Birdland, lugar donde todas las calles tienen nombre de pájaros. Uno de los nombres de las calles es ese.

Excelente. Bueno, esa es la relación que necesitaba saber, porque imagino que existen recuerdos de tiempos pasados que también juegan en este disco; mal que mal, hay dos temas titulados con referencias al pasado, así que ese tiempo debe ser especial en este disco.

Pienso que es algo como Paul McCartney escribiendo “Penny Lane” o John Lennon escribiendo “Strawberry Fields”, porque esos fueron dos lugares de su niñez que les recordaban tal vez un buen momento de sus vidas. Yo tuve un par de amigos que vivían en Birdland, y ese fue un lugar divertido para mí cuando era chico porque todas las mejores fiestas eran en Birdland, todas las chicas divertidas vivían en Birdland, y mi infancia fue mucho más interesante por todo lo que pasé en esas calles. Creo que se trata de recorrer mi niñez, primordialmente en un estado de sueño. Tuve sueños durante días consecutivos de recorrer ese barrio y decidí ponerle atención a dónde tenía mi conciencia en ese momento, y es ahí donde esas canciones hacen esa conexión. Tuve muchos amigos que viven en Oriole, así que creo que estaba haciendo un mapa en mi cabeza.

En ese recorrido imagino que también hubo cosas aterradoras, porque no sólo se sueña, sino que se tiene pesadillas, entonces, ¿le pusiste atención a esas fases más oscuras, más aterradoras?

Sabes que la vida es sobre el balance y que no hay luz sin oscuridad, entonces trato de equilibrar mi arte. Cuando era joven, me confiaba y me apoyaba demasiado sobre esa oscuridad, pero al crecer, siendo un hombre adulto, más viejo, he aprendido a ver el valor de la luz, lo necesaria que es. Eso se me hizo evidente ahora, a diferencia de cuando era joven. Explorar ambas cosas y darles a ambos extremos una misma voz es donde me encuentro ahora.

Hablando de tiempos jóvenes, en los 90 parece ser que hubo más ataduras a pertenecer a algo, como el grunge, o el britpop, o lo que fuera, y que ahora es más fácil hacer cruces y no caer en la dinámica “estás dentro, o, de lo contrario, estás fuera”.

Es que eso es la vida. Cuando sea que un movimiento o algo surge. Grunge fue un concepto creado, probablemente, por un periodista inglés o por una de las bandas, no lo sé, pero en nuestro caso éramos una banda de Cincinnati que firmó con un sello de Seattle (Sub Pop) en el tiempo donde ellos se concentraban en bandas de esa región, así que nosotros éramos los afuerinos ahí. Éramos de otra ciudad, usábamos influencias del r&b de los 60 y 70 en nuestra música como nadie lo hacía.

Amo todas las bandas en Sub Pop, al oírlas, al tocar con ellos, en tanto que el britpop ocurría en otro lado, en otro país, entonces cada lugar tiene su movimiento como la psicodelia en Camboya o Brasil, la chanson francesa. Esto es algo que ocurre cuando hay atributos ligados a un área o lugar específico. Al respecto, no había ni una banda que sonara como nosotros. Todavía no hay alguien que suene como nosotros, y siempre operamos con ese estatus de outsiders porque nunca fuimos un proyecto que se pudiera poner en una categoría o género específico. En ese sentido, cuando a veces fuimos amontonados en un rótulo, estuvo fuera de nuestro control.

Algo que llama la atención de la banda, y de ti como compositor, es cómo empujan las fronteras y se escapan del rock y de las etiquetas, haciendo suyos los múltiples sonidos y géneros que pueden tomar.

Yo siempre he escuchado todo tipo de música, en serio, y absorbo cosas que me gustan. He usado esta descripción antes, que encaja: cuando un pájaro hace su nido, usa lo sea que encuentre, desde diarios hasta varas, lo que pueda utilizar para crear su casa, sirve. Lo que me sea útil para escribir una canción, eso es lo que uso. Si uso un poco de country, de hip hop, r&b, heavy metal, punk rock, todas son cosas que he amado y que he guardado dentro de mi alma, por lo que no tengo problema alguno en usarlo todo el tiempo.

Mientras muchos aspiraban al rol de “macho”, tú confrontaste y cuestionaste la masculinidad, desviándote de la norma. Ahora el feminismo es parte de nuestros movimientos sociales, entonces, ¿qué sientes al ver este cambio? ¿Qué crees?

Yo fui criado en una familia de mujeres, y cada vez que pude haber tratado de comportarme como un “supermacho” me iba de golpe de knockout por cualquiera, mi mamá, mi hermana, mi tía o mi abuela (risas), y siempre estuve claro en cómo era la fuerza de estas mujeres y de las mujeres en general, lo que hizo más fácil para mí el examinar cómo operan las relaciones y lo que surge en ellas. Claro que, al comienzo, en “Up In It” (1990) y en parte en “Congregation” (1992) escribía como un individuo, aún no muy consciente del espacio que usaba para hablar desde un lugar más allá. Lo hacía por mí y me preguntaba cosas, fue un proceso de descubrimiento propio, y cuando llegué a “Gentlemen” (1993) me di cuenta de que había sido un hipócrita en relaciones pasadas y que los hombres somos así de hipócritas. Es difícil ponerlo en palabras, pero creo que me revisé completamente en ese proceso, de forma salvaje.

Y ahí también aparece una escritura con una concepción amplia sobre el sexo, en toda su extensión. El acto, la conquista, el contacto, la separación, los sentimientos, todo está en las canciones, entonces debo preguntarte ¿cómo te fluye este tópico con tal certeza?

Si la música es quitada de cualquier tensión o energía sexual, es muy probable que yo esté menos interesada en ella. Amo los instintos primarios: sexo, deseo, atracción, todas las cosas que te llevan de regreso a lo primitivo, a los días de la gente de las cavernas, y eso es algo que nos une a todos, hombres y mujeres. Deseo, atracción. Cuando lo sientes en la música creo que es algo muy seductor. Probablemente para mí, Marvin Gaye, Al Green, los Rolling Stones, esa es música sexual que escuché y que me remitía eso en lo que oía. Lujuria y deseo. Eso me atraía mucho, y lo escuchaba antes de siquiera saber lo que era el sexo. Una vez que tuve sexo y pude hacer los paralelos entre la música y el acto, ha sido una vida de fascinación de esta relación que nunca pude anticipar.

A propósito de tu forma de trabajar, además de The Afghan Whigs has tenido otros proyectos, como The Gutter Twins o The Twilight Singers, que muestran otra cara tuya, quizás más reflexiva. ¿Has pensado en expandir esas ideas y forma de trabajar?

Nunca he hecho un disco como solista, así que eso es algo que me interesaría hacer. He comenzado a apilar ideas de cosas que me gustaría intentar. Cuando se separó The Afghan Whigs y armé Twilight Singers, y luego pude trabajar con Mark (Lanegan) en Gutter Twins, eso fue bueno. También antes de eso me uní a la banda Afterhours, con quienes sacamos un disco y fuimos de gira. Así que creo que mi siguiente paso debiera ser algo solo, conmigo mismo.

Has lanzado sencillos solistas, así que hay que esperar por ello. ¿Recuerdas algo de tus pasos por Chile, en especial con The Afghan Whigs?

He estado en Chile dos veces, primero con Mark y Dave Rosser en 2009, y con The Afghan Whigs la segunda vez. Sólo he estado en Santiago, pero es hermoso, y la última vez que fui a Sudamérica pude ir a Machu Picchu en Perú, así que espero poder llegar a sitios así también en Chile. Y debo decirte, Manuel, que no me importa si tocamos ante mil o cincuenta personas, yo toco lo más fuerte y potente que pueda. Todos obtienen lo mejor de mí; es un día de tu vida, y por eso no puedes sino dar lo máximo. Recuerdo que el show de Santiago fue el último de esa pata del tour y tuvimos grandes anfitriones con una cena deliciosa que recuerdo mucho, también.

¿Hay chance de que vuelvan aquí a presentar “In Spades”?

Yo sé que están trabajando en algo. Si tuviera que responder si vamos a ir para allá con este álbum, diría que “sí”. No es seguro, pero te digo que están trabajando por ello.

Muchas gracias por tu tiempo y disposición.

Gracias a ti. Fue divertido hablar con ustedes y tener una gran conversación.

Esperamos verte en el futuro

Yo también. ¡Chao!

Por Manuel Toledo-Campos

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Entrevistas

Mark Bowen de IDLES: “Quisimos destilar la banda a su forma más esencial”

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IDLES

Uno de los nombres que más comentarios se ha llevado en los últimos años es IDLES, banda oriunda de Bristol que se ha ido abriendo camino poco a poco a punta de excelentes álbumes. Primero fue “Brutalism” en 2017 y luego “Joy As An Act Of Resistance.” En 2018, este último marcando un verdadero precedente en esta trinchera como el mejor álbum de ese año. Pero ahora la banda, más que seguir gozando de los elogios (algo que muchos hacen con apenas un par de trabajos actualmente), prefiere mirar adelante y adentrarse en una nueva etapa con “Ultra Mono”, su recién estrenado nuevo disco y que aspira a convertirse en una de las obras más destacadas de 2020.

Si bien, el disco ya tiene algunos días publicado, HumoNegro pudo escucharlo de manera anticipada antes de una grata conversación con Mark Bowen, guitarrista principal de la agrupación, con quien revisamos una serie de puntos de este trabajo, además de reflexionar sobre el éxito, la idea de IDLES como una banda en vivo, su pendiente debut en Chile y la influencia del segundo álbum en la banda, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Mark, ¿cómo estás?

Estoy bien.

Te llamo desde Chile. Mi nombre es Manuel y es muy bueno hablar contigo. ¿Cómo han ido los últimos días?

Sí, estoy bien. Es un momento bastante inusual para lanzar un álbum, así que hay un montón de nuevos e inesperados desafíos con eso. De todas formas, sigue siendo algo bueno, estoy contento por este nuevo álbum, así que, ¡vamos a hacerlo!

Escuché el álbum completo antes de que habláramos y es realmente increíble, así que me gustaría que partiéramos hablando del desarrollo detrás de este disco. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso creativo haciendo de este nuevo álbum?

Partió como una reacción a “Joy As An Act Of Resistance.” (2018). Recién habíamos terminado de mezclar y masterizar ese álbum y había algunos aspectos sonoros que no logramos del todo y queríamos trabajar en darnos cuenta por qué no lo habíamos hecho, pensar qué podíamos hacer en nuestro proceso de composición y grabación, queríamos poder sonar exactamente como queríamos hacerlo. Así que dimos con esta idea de que queríamos hacer algo como el hip hop contemporáneo y la música electrónica, poder identificar qué es lo que hacía esas cosas tan poderosas y, de hecho, es la singularidad.

En nuestra música, hasta ese punto, había mucho ruido de fondo; las guitarras tocaban cosas diferentes, nadie estaba poniendo atención a lo que hacia el otro. Podía sonar bien y caótico, pero en cierta forma templa la fuerza del mensaje, por lo que nos sentamos y quisimos calmar todo y destilar IDLES a su forma más esencial para que así pudiéramos realmente llevar este mensaje a través de estos pequeños gestos, como sencillas partes de guitarra, sencillas partes de batería, que realmente transmiten el mensaje, y luego quedó más que claro el tema de las letras o cuáles serían las temáticas que trataríamos. En ese minuto está el discurso social, la política, había muchas cosas pasando, especialmente en la izquierda, había mucha confusión, discusiones, disculpas, muchas cosas que hacían que cualquier mensaje perdiera la significancia, por lo que queríamos romper estas canciones que eran tan “blanco y negro”, tan simples y sencillas que no podían ser marcadas por algo más, esa era nuestra meta.

Para poder hacer eso en tu forma de componer, para poder decir estas cosas de forma sencilla en tu música, realmente debes aumentar tu confianza, porque es fácil cuando no estás confiado en algo. Hay que tener confianza para ayudar y decidir cosas como agregar alguna parte de guitarra, ese tipo de decisiones, eso es algo muy importante en el álbum, este mensaje de creer en uno mismo y tener determinación, creer en lo que quieres hacer y apegarte a algo. De esto se trata el álbum, este motiv de “Yo Soy Yo”, que es un arma de doble filo, ya que es como una arenga motivacional de “soy lo que soy, vamos”, o también de que “yo soy yo con todos mis defectos, virtudes; yo soy yo, y tengo que aceptar a esa persona”, por lo tanto, esa aceptación de uno mismo se transformó en una aceptación de lo que IDLES era y de lo que será. El sentimiento de “me estoy moviendo, estremeciendo, confío en mí”, emprender ese pensamiento para mejor, de esto se trata el álbum.

En cuanto a las letras, el mensaje es bastante claro, pero cuando nos vamos al sonido, lo primero que se vino a mi cabeza, especialmente cuando escuché la canción “The Lover”, fue que este disco pone el “sonido en vivo” de IDLES en un formato de estudio. Se siente como si estuvieran tocando estas canciones en un concierto. ¿Fue esto algo que intencionalmente quisieron hacer en el disco?

Sí, sí. Siempre está esa pelea entre la banda de que queremos dejar constancia de lo que somos en vivo. IDLES es principalmente una banda en vivo, eso es lo que hacemos, para eso componemos nuestras canciones, de eso se trata la banda: hacemos nuestra música para tocarla en vivo. Hay una energía cuando tocas en vivo que es muy difícil de capturar en un disco, y ahí es donde creo que Nick Launay y Adam Greenspan, nuestros productores, comprendieron eso como fans de la banda, y realmente lo lograron transmitir tan asombroso como les fue posible. Uno de los golpes de genialidad en este álbum es donde las baterías fueron grabadas, en algo así como un pequeño cuarto hecho de ladrillos; el cielo era de ladrillos, las paredes, todo. Eso permitió que tuviéramos este sonido cacofónico y violento en la batería, que es una parte fundamental de este disco, y una gran parte de esta canción que mencionaste, “The Lover”. Nunca había escuchado baterías como estas, y estoy tan contento de que estén en nuestro álbum (risas).

De hecho, escribí algunos apuntes de cada canción, y sobre esta puse que “es una de las canciones que más te hacen extrañar los conciertos”. Se siente como algo que desearían mucho tocar en vivo.

Sí, lo es (risas). Es prácticamente una canción para conciertos. De hecho, la compusimos durante una gira. Estábamos tocando en Alemania y la compusimos durante la prueba de sonido. Creo que es la única vez que la tocamos de alguna forma sobre un escenario, pero está diseñada para ser una canción de conciertos, no puedo esperar para que la gente la escuche. Además de eso, las guitarras son enormes, deben escucharlas en unos parlantes grandes, y háganlo lo más fuerte posible.

Me gustaría que habláramos de “Joy As An Act Of Resistance.”, segundo disco de la banda. Este fue escogido en nuestro sitio como el mejor álbum de 2018, y también el mejor de la década.

¡Oh, vaya! Muchas gracias.

Por esto quiero preguntarte cuál crees que es la principal influencia que este álbum ha tenido en la gente, y en la fanaticada de IDLES, especialmente.

Creo que la principal influencia que tuvo en nosotros como banda es que se transformó en una especie de motiv por el que vivimos ahora. “Joy As An Act Of Resistance.” es algo muy importante porque es realmente importante hacer las cosas con amor, compasión, con una mentalidad abierta. Debemos escucharnos los unos a los otros, compartir, ser capaces de sentirnos vulnerables y compartir tus sentimientos y pensamientos con los demás. Todo esto es algo por lo que nosotros como banda vivimos, y que se expandió a las comunidades alrededor de nosotros, como nuestros seguidores. Esta mentalidad abierta, este deseo de perseguir algo, incluso aunque parezca imposible, de sentirse bien a pesar de todo, sólo cosas buenas pueden salir de eso, y siento que ese es el legado de este álbum.

¿Sienten que este nuevo álbum es como el último capítulo de una trilogía? Lo pregunto por eso de que claramente hay un leitmotiv continuo en todos los discos.

Si, en cierta forma. Definitivamente hay un motiv que se mantiene, pero no creo que eso necesariamente se mantenga como la narrativa de una trilogía. Creo que con “Ultra Mono” alcanzamos el peak de IDLES. Siento que estamos por sobre la banda que hizo “Brutalism” o la que hizo “Joy As An Act Of Resistance.”. Con “Ultra Mono” llegamos a este peak de lo que nuestra banda es. Seguimos adelante y usamos este crecimiento de lo que somos en adentrarnos más en la experimentación y movernos de esa línea. Así que sí, se siente como una trilogía, pero no tiene la narrativa de “inicio, desarrollo, final”, es sólo el viaje de una banda comprendiendo quienes son.

Siento que este es el disco más diverso en cuanto a sonido; puedes oír un poco de cada período de IDLES en él. También estoy sorprendido por los nombres que están en el álbum, como Jehnny Beth, Warren Ellis o Kenny Beats, por lo que te pregunto: ¿por qué querían trabajar con estos colaboradores en este LP?

En este ejercicio de destilar IDLES a su forma más esencial, miramos estos conceptos que trata la banda, como la honestidad, la mentalidad abierta, auto aceptación, compartir, el sentimiento de comunidad. Esto último es una parte muy importante de IDLES, hemos formado comunidad entre la banda, con los colaboradores, también con nuestro público en los shows, los medios. Sentimos que ese sentido de comunidad era algo importante de tener en el álbum, y lo aplicamos teniendo voces externas a las cinco personas de la banda, gente como el saxofonista Colin Webster, David Yow en coros, Warren Ellis, Jehnny Beth, Jamie Cullum en el piano, todos son personas que pareciera no tiene mucho sentido tenerlas a juntas, pero funciona porque han mostrado interés en esos valores que promovemos, esa honestidad y entusiasmo en tener una mentalidad abierta, todos son IDLES. Por eso era importante tener sus voces en el disco.

Mark, lo siguiente es algo que pienso personalmente, por cierto. Creo que la banda va directo a su explosión de popularidad a nivel masivo. Pienso que ustedes serán –más bien, son ahora– una de las mejores bandas en el mundo. ¿Estás consciente de esta popularidad siempre en alza de IDLES?

Sí, ha sido todo un viaje. Con “Joy As An Act Of Resistance.” teníamos que promocionarnos nosotros mismos, nadie en la industria nos iba a tomar en cuenta y tuvo una popularidad más allá de nuestros sueños más locos. Creo lo mismo que tú dices: siento que con “Ultra Mono” esa popularidad llegará incluso más lejos, y también estoy de acuerdo con lo otro que dices de que IDLES es una de las mejores bandas del planeta (risas). Lo somos, es algo intencional, y lo digo de forma muy deliberada. Creo que eso nos presenta desafíos, que es un aspecto muy importante en nuestra relación como banda y también con los fans. Los fans sienten ese deseo de pertenencia, sienten que nuestros álbumes les pertenecen y eso es algo muy difícil de hacer.

A medida que te vas haciendo más y más popular, vas tocando en recintos cada vez más grandes, tus álbumes se venden cada vez más alrededor del mundo. Es difícil mantener eso, es difícil evitar que eso se desmorone, pero es una de las cosas divertidas de estar en una banda, tienes que enfrentarte a estos desafíos cada vez más difíciles. Nuestra tarea el año pasado, cuando pasamos de tocar en recintos con capacidad para mil personas a recintos para diez mil, presentaba un desafío enorme porque queríamos que todos se sintieran igual que en los shows de IDLES donde tocábamos para 200 personas. Esa es nuestra meta, teníamos que pensar realmente qué significaba estar ahí para cada una de las personas que asistía. Y lo digo de verdad, esto es cien por ciento como somos, y trabajaremos duro porque cada persona que descubra a IDLES pueda sentir eso.

Siento que esto es porque, por ejemplo, acá en Chile tuvimos muchas protestas en las calles el año pasado y eso coincide también con que especialmente la gente joven se siente muy motivada por la música de IDLES. Creo que, particularmente con “Joy…”, las canciones encienden una sensación de esperanza en las personas. Cuando iban a venir a Lollapalooza, la gente vio que IDLES iba a tocar a las dos de la tarde y todos estaban muy molestos porque querían tener un show completo, de noche y todo eso. Ahí fue cuando comprendí cuán popular es IDLES por acá. Bueno, todo esto que mencioné, es para preguntarte si te gustaría enviar algún mensaje a su público en Chile, que todavía están esperanzados de que puedan tocar acá, algún día.

Oh, sí (risas). Oh, Dios mío, no puedo explicarte lo entusiasmados que estábamos con la banda por ir a Chile y tocar para ustedes. Un gran factor motivante para nosotros ha sido ir a tocar para la gente donde sea que se encuentren, estábamos entusiasmados por todo esto. El hecho de que esos primeros shows que íbamos a tocar en el año hayan sido los primeros que se cancelaron fue algo lamentable. Les prometo que, en el instante que podamos volver, lo haremos. No tienen que preocuparse por la hora del día que tocaremos; de hecho, debo decirles que me gustan los shows de IDLES durante el día porque hay algo casi incongruente al vernos durante la luz fría del día, le añade una energía especial (risas). No se preocupen si será de día o de noche, igualmente daremos lo mejor sin importar la hora que sea.

Esta fue la última pregunta, ya que nos quedamos sin tiempo, Mark. Muchas gracias por la entrevista y felicitaciones por el disco, está realmente genial.

Sí, muchas gracias. Me siento muy honrado de que eligieran “Joy As An Act Of Resistance” como álbum del año, y ahora álbum de la década. Es un honor increíble. Me hace querer ir a Chile tan pronto como ahora mismo; si pudiéramos ir esta noche, iríamos esta noche. Estaremos allá, no se preocupen.

Bueno, siempre reviso los sets en festivales en YouTube y, cuando veo al público, pienso en que ustedes nunca jamás han visto un público como el de Santiago, se los prometo (risas).

Muy bien, estoy listo.

Bueno, Mark, espero que puedan venir a tocar acá. Cuídate mucho.

Muchas gracias, cuídate mucho. Adiós.

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