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Greg Dulli de The Afghan Whigs: “Me encuentro explorando la oscuridad y la luz para darles una misma voz”

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In Spades” es uno de los discos favoritos de la redacción de HumoNegro en 2017, siguiendo la senda de “Do To The Beast”, el Nº1 en nuestro listado de Mejores Discos Internacionales 2014, pero lo de The Afghan Whigs es más que un mero retorno, sino que es uno de los mejores grupos de rock alternativo de los últimos 25 años, con una discografía sólida y una mezcla de sonidos inevitablemente llamativa. Ahí, al centro, está la mente maestra de la banda, Greg Dulli, quien compone y le pone su voz a canciones llenas de misterio, desamor, desconfianza, amor carnal, sexo imaginario, deseo, venganza, y muchas sensaciones más. Por ello, contactamos directamente a Dulli a ver si nos respondía, y tras algunos intentos logramos que al otro lado del teléfono y en el otro hemisferio el mítico líder de The Afghan Whigs nos diera tiempo para analizar desde el grabado en el vinilo de su último álbum, hasta un posible regreso de la banda de Cincinnati a Chile. Aquí nuestra media hora con Greg Dulli.

Hola, ¿hablo con Greg?

Sí, tú hablas con Greg, ¿cómo estás?

Excelente, aquí conversando contigo y con un día soleado en el invierno de Santiago de Chile. ¿Tú dónde estás y cómo estás?

Estoy en Los Angeles, California, y está soleado y hermoso.

Grandioso. Partamos. Recientemente vimos el show que dieron en Primavera Sound y a cada rato le dedicaban palabras a Dave Rosser, quien murió hace unas semanas. Pero el momento más notorio en este tributo a Dave fue cuando vi que en el vinilo de “In Spades” dice “Desde los cerros de Gadsden hasta las costas, las costas de Jersey… señoras y señores, reciban a la banda de Dave Rosser”. ¿Cómo has enfrentado la muerte de Dave?

Bueno, de hecho, hoy (la semana pasada) se cumplen dos semanas desde su partida, y es difícil poner en palabras lo que él significaba personalmente para mí, y ciertamente que para la banda también. Él era alguien a quien conocí hace 15 años, con quien pude hacer música por una década y con quien compartí más de 500 shows, incluyendo dos en Chile. Fue uno de mis mejores amigos, uno de los mejores músicos que pude escuchar en la vida, y estará en mi corazón para siempre. No se me ocurre más que decir que lo extrañaré por el resto de mi vida.

Y el detalle del vinilo, ¿a quién se le ocurrió?

A mí. Yo fui quien dijo que lo hiciéramos.

Hay momentos en “In Spades” que se pueden recordar con facilidad. Uno particular, por ejemplo, es ese acorde menor que cambia todo en el puente de “Oriole”, quebrando la melodía sin que deje de fluir. Tú dijiste que esa canción tenía algo mágico, ¿nos lo explicas más en detalle?

Tuve el principio y los primeros riffs de “Oriole” cuando me dirigía al estudio, y se los toqué a los chicos de la banda. No tenía idea cómo seguir después de eso, así que practicamos y les dije a todos que fueran a almorzar y que yo me quedaría ahí tratando de comprender y resolver todo. Creo que lo que necesitaba era un cambio en la canción y puse mis manos en la guitarra de una forma que jamás hice antes, y toqué esos acordes en ese preciso momento. Eso desbloqueó por completo la canción para mí y me permitió terminarla. Los muchachos estuvieron muy complacidos cuando escucharon el resultado final, con esa personalidad tan única y definida. Amo esos acordes tanto, que compuse otro tema basándome en ellos, “Toy Automatic”, por lo que ambas canciones están juntas porque son hermanas y se pertenecen la una a la otra. Lo mejor de escribir canciones es que puedes sorprenderte a ti mismo y esa sorpresa puede llevarte a algo más; esa fue una parte particularmente mágica del proceso, con dos canciones casi escritas a la vez y que se alimentaron sinérgicamente.

Eso es parecido a lo que hizo Chilly Gonzales en el “RAM” de Daft Punk, con una progresión de acordes para unir canciones. Y hablando de “Oriole”, un equipo de béisbol se llama así, y una localidad de Baltimore se llama “Birdland”, como el track inicial del disco…

No, no, no, la referencia no va por ahí. Porque sí, está el equipo de los Baltimore Orioles, pero yo no soy de Hamilton, Ohio, y Birdland es una localidad de un pueblo vecino, Ross, en Ohio, y Oriole es una calle de Birdland, lugar donde todas las calles tienen nombre de pájaros. Uno de los nombres de las calles es ese.

Excelente. Bueno, esa es la relación que necesitaba saber, porque imagino que existen recuerdos de tiempos pasados que también juegan en este disco; mal que mal, hay dos temas titulados con referencias al pasado, así que ese tiempo debe ser especial en este disco.

Pienso que es algo como Paul McCartney escribiendo “Penny Lane” o John Lennon escribiendo “Strawberry Fields”, porque esos fueron dos lugares de su niñez que les recordaban tal vez un buen momento de sus vidas. Yo tuve un par de amigos que vivían en Birdland, y ese fue un lugar divertido para mí cuando era chico porque todas las mejores fiestas eran en Birdland, todas las chicas divertidas vivían en Birdland, y mi infancia fue mucho más interesante por todo lo que pasé en esas calles. Creo que se trata de recorrer mi niñez, primordialmente en un estado de sueño. Tuve sueños durante días consecutivos de recorrer ese barrio y decidí ponerle atención a dónde tenía mi conciencia en ese momento, y es ahí donde esas canciones hacen esa conexión. Tuve muchos amigos que viven en Oriole, así que creo que estaba haciendo un mapa en mi cabeza.

En ese recorrido imagino que también hubo cosas aterradoras, porque no sólo se sueña, sino que se tiene pesadillas, entonces, ¿le pusiste atención a esas fases más oscuras, más aterradoras?

Sabes que la vida es sobre el balance y que no hay luz sin oscuridad, entonces trato de equilibrar mi arte. Cuando era joven, me confiaba y me apoyaba demasiado sobre esa oscuridad, pero al crecer, siendo un hombre adulto, más viejo, he aprendido a ver el valor de la luz, lo necesaria que es. Eso se me hizo evidente ahora, a diferencia de cuando era joven. Explorar ambas cosas y darles a ambos extremos una misma voz es donde me encuentro ahora.

Hablando de tiempos jóvenes, en los 90 parece ser que hubo más ataduras a pertenecer a algo, como el grunge, o el britpop, o lo que fuera, y que ahora es más fácil hacer cruces y no caer en la dinámica “estás dentro, o, de lo contrario, estás fuera”.

Es que eso es la vida. Cuando sea que un movimiento o algo surge. Grunge fue un concepto creado, probablemente, por un periodista inglés o por una de las bandas, no lo sé, pero en nuestro caso éramos una banda de Cincinnati que firmó con un sello de Seattle (Sub Pop) en el tiempo donde ellos se concentraban en bandas de esa región, así que nosotros éramos los afuerinos ahí. Éramos de otra ciudad, usábamos influencias del r&b de los 60 y 70 en nuestra música como nadie lo hacía.

Amo todas las bandas en Sub Pop, al oírlas, al tocar con ellos, en tanto que el britpop ocurría en otro lado, en otro país, entonces cada lugar tiene su movimiento como la psicodelia en Camboya o Brasil, la chanson francesa. Esto es algo que ocurre cuando hay atributos ligados a un área o lugar específico. Al respecto, no había ni una banda que sonara como nosotros. Todavía no hay alguien que suene como nosotros, y siempre operamos con ese estatus de outsiders porque nunca fuimos un proyecto que se pudiera poner en una categoría o género específico. En ese sentido, cuando a veces fuimos amontonados en un rótulo, estuvo fuera de nuestro control.

Algo que llama la atención de la banda, y de ti como compositor, es cómo empujan las fronteras y se escapan del rock y de las etiquetas, haciendo suyos los múltiples sonidos y géneros que pueden tomar.

Yo siempre he escuchado todo tipo de música, en serio, y absorbo cosas que me gustan. He usado esta descripción antes, que encaja: cuando un pájaro hace su nido, usa lo sea que encuentre, desde diarios hasta varas, lo que pueda utilizar para crear su casa, sirve. Lo que me sea útil para escribir una canción, eso es lo que uso. Si uso un poco de country, de hip hop, r&b, heavy metal, punk rock, todas son cosas que he amado y que he guardado dentro de mi alma, por lo que no tengo problema alguno en usarlo todo el tiempo.

Mientras muchos aspiraban al rol de “macho”, tú confrontaste y cuestionaste la masculinidad, desviándote de la norma. Ahora el feminismo es parte de nuestros movimientos sociales, entonces, ¿qué sientes al ver este cambio? ¿Qué crees?

Yo fui criado en una familia de mujeres, y cada vez que pude haber tratado de comportarme como un “supermacho” me iba de golpe de knockout por cualquiera, mi mamá, mi hermana, mi tía o mi abuela (risas), y siempre estuve claro en cómo era la fuerza de estas mujeres y de las mujeres en general, lo que hizo más fácil para mí el examinar cómo operan las relaciones y lo que surge en ellas. Claro que, al comienzo, en “Up In It” (1990) y en parte en “Congregation” (1992) escribía como un individuo, aún no muy consciente del espacio que usaba para hablar desde un lugar más allá. Lo hacía por mí y me preguntaba cosas, fue un proceso de descubrimiento propio, y cuando llegué a “Gentlemen” (1993) me di cuenta de que había sido un hipócrita en relaciones pasadas y que los hombres somos así de hipócritas. Es difícil ponerlo en palabras, pero creo que me revisé completamente en ese proceso, de forma salvaje.

Y ahí también aparece una escritura con una concepción amplia sobre el sexo, en toda su extensión. El acto, la conquista, el contacto, la separación, los sentimientos, todo está en las canciones, entonces debo preguntarte ¿cómo te fluye este tópico con tal certeza?

Si la música es quitada de cualquier tensión o energía sexual, es muy probable que yo esté menos interesada en ella. Amo los instintos primarios: sexo, deseo, atracción, todas las cosas que te llevan de regreso a lo primitivo, a los días de la gente de las cavernas, y eso es algo que nos une a todos, hombres y mujeres. Deseo, atracción. Cuando lo sientes en la música creo que es algo muy seductor. Probablemente para mí, Marvin Gaye, Al Green, los Rolling Stones, esa es música sexual que escuché y que me remitía eso en lo que oía. Lujuria y deseo. Eso me atraía mucho, y lo escuchaba antes de siquiera saber lo que era el sexo. Una vez que tuve sexo y pude hacer los paralelos entre la música y el acto, ha sido una vida de fascinación de esta relación que nunca pude anticipar.

A propósito de tu forma de trabajar, además de The Afghan Whigs has tenido otros proyectos, como The Gutter Twins o The Twilight Singers, que muestran otra cara tuya, quizás más reflexiva. ¿Has pensado en expandir esas ideas y forma de trabajar?

Nunca he hecho un disco como solista, así que eso es algo que me interesaría hacer. He comenzado a apilar ideas de cosas que me gustaría intentar. Cuando se separó The Afghan Whigs y armé Twilight Singers, y luego pude trabajar con Mark (Lanegan) en Gutter Twins, eso fue bueno. También antes de eso me uní a la banda Afterhours, con quienes sacamos un disco y fuimos de gira. Así que creo que mi siguiente paso debiera ser algo solo, conmigo mismo.

Has lanzado sencillos solistas, así que hay que esperar por ello. ¿Recuerdas algo de tus pasos por Chile, en especial con The Afghan Whigs?

He estado en Chile dos veces, primero con Mark y Dave Rosser en 2009, y con The Afghan Whigs la segunda vez. Sólo he estado en Santiago, pero es hermoso, y la última vez que fui a Sudamérica pude ir a Machu Picchu en Perú, así que espero poder llegar a sitios así también en Chile. Y debo decirte, Manuel, que no me importa si tocamos ante mil o cincuenta personas, yo toco lo más fuerte y potente que pueda. Todos obtienen lo mejor de mí; es un día de tu vida, y por eso no puedes sino dar lo máximo. Recuerdo que el show de Santiago fue el último de esa pata del tour y tuvimos grandes anfitriones con una cena deliciosa que recuerdo mucho, también.

¿Hay chance de que vuelvan aquí a presentar “In Spades”?

Yo sé que están trabajando en algo. Si tuviera que responder si vamos a ir para allá con este álbum, diría que “sí”. No es seguro, pero te digo que están trabajando por ello.

Muchas gracias por tu tiempo y disposición.

Gracias a ti. Fue divertido hablar con ustedes y tener una gran conversación.

Esperamos verte en el futuro

Yo también. ¡Chao!

Por Manuel Toledo-Campos

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Entrevistas

Paulo Jr. de Sepultura: “La reunión con alineación clásica no pasará nunca”

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Si hay una cosa segura a la hora de hablar de Sepultura, es el hecho de cómo se han adaptado al traicionero paso del tiempo. Pues claro, la banda en la actualidad mantiene a solamente dos de sus integrantes originales, redireccionando su estilo en el proceso, además de hacer caso omiso a las insistentes consultas sobre una reunión con los hermanos Max e Igor Cavalera, miembros originales de una agrupación que pasó a la historia como una verdadera leyenda del metal brasileño.

Esa historia ha tenido varios capítulos con nuestro país, donde sin duda son una de las agrupaciones más queridas por el público local. Este próximo 21 de octubre, Sepultura llegará al Teatro Cariola para presentar “Machine Messiah” (2017), su aclamado nuevo álbum de estudio, el que se enmarca dentro de un contexto más conceptual y sinfónico que ese agresivo thrash que profesaban durante sus inicios. Por ese motivo, conversamos con su bajista, Paulo Jr., quien nos comentó acerca del estado actual de la banda, sus inicios en la música, su relación con los fans chilenos y por qué no sería posible una reunión de la formación original, entre otras cosas, en esta entrevista que te dejamos a continuación.

Comencemos hablando de “Machine Messiah”, el último álbum de Sepultura. ¿Cómo fue el proceso para este disco? ¿Qué buscaban transmitir con él?

Bueno, el concepto del disco es sobre la robotización de la sociedad en estos días. Es básicamente como si todos viniéramos de una máquina, y que esa máquina viniera a la Tierra haciendo que todos regresáramos a ella. Ese es el concepto de las letras y la música también, intentamos usar instrumentos que no hayamos usado antes. Ya sabes, cada álbum de Sepultura es un paso adelante y tratamos de hacer lo mismo con “Machine Messiah”, quisimos tener un entorno diferente, trabajar con otro productor. Toda la composición fue hecha en Brasil, luego viajamos a Suecia para grabar en el estudio de Jens Bogren, que fue el productor perfecto para lograr lo que queríamos con este álbum.

Ya que lo mencionas, ¿por qué decidieron trabajar con Jens Bogren? ¿Fue por alguna recomendación o sólo buscaban un productor diferente?

Bueno, las referencias siempre están. Él ha producido un montón de bandas suecas y, en cuanto al sonido, buscábamos algo diferente a “The Mediator Between Head And Hands Must Be The Heart” (2013). Tuvimos una conversación con Jens y de inmediato entendió el concepto, supo cómo enfrentar el proceso. Comprendió la idea de la música, y trabajó muy duro para lograr lo que todos deseábamos.

 

Cuando la banda comenzó, Brasil estaba en medio de un complicado escenario político. Bajo ese contexto, ¿qué te motivó en esos días para ser un músico?

Sí, bueno, en los ochenta estábamos finalizando una dictadura aquí en Brasil, pero no creo que nosotros estuviéramos tan preocupados por eso, éramos sólo unos chicos. Por supuesto que estábamos en un contexto y vida diferente, no como los jóvenes en el Brasil de estos días. Nuestra idea siempre fue hacer música, eso nos motivaba lo suficiente. Los niños de nuestra edad se dedicaban a salir los fines de semana, ir de compras y todo eso, en cambio nosotros nos quedábamos encerrados en casa escuchando música, intentando tocar los instrumentos, tratábamos de emular a nuestros ídolos. Desde ahí las cosas empezaron a tomarse más en serio, lo que derivó en el inicio de lo que somos hoy en día (risas).

Sudamérica fue presa de muchas dictaduras en aquellos años. Aquí en Chile, de hecho, estábamos en una. ¿Crees que eso tenga algo en común con el hecho de que muchas bandas de metal se formaron en Sudamérica en ese tiempo?

Quizás. Creo que, de cierta forma, el escenario político en Sudamérica ayudó bastante a la música, permitió que más gente quisiera expresarse. Hasta estos días se habla mucho del contexto político, por supuesto que hay diferentes puntos de vista, por lo que nosotros usamos nuestra música para que la gente olvide un poco eso y pueda darle un respiro a su mente. Definitivamente creo que sí tuvo que ver, y no solo acá, en muchas partes del mundo igual, en distintas culturas o contextos hubo quienes buscaban una alternativa a lo que vivían, incluso en la actualidad.

Voy a saltar hasta “Chaos A.D.” (1993). Ese fue el quinto álbum de Sepultura, y del que siguen tocando mucho hasta estos días. ¿Por qué resalta tanto para ustedes, más incluso que otros álbumes antiguos de la banda?

Es porque los fans nos fuerzan a tocarlo. No, estoy bromeando (risas). La verdad es que nos gusta mucho, no nos gusta dejarlo de lado. Cuando se arma un setlist es muy difícil escoger entre tantos álbumes, incluso a veces pensamos que sería genial darse el lujo de tocar algún álbum completo en un show. También hemos llegado a tener tres setlist diferentes para un solo concierto, porque siempre habrá que pensar en el material nuevo. Por cierto, en esta gira estamos tocando más de la mitad de “Machine Messiah”, eso es algo que no habíamos hecho con ningún álbum anterior. Llegamos a un punto que tenemos tantos discos, que cada vez es más difícil darle cabida al material muy antiguo.

Estuvieron tocando en Rock In Río hace unos días, ¿qué tal fue volver a presentarse ahí?

Sí, Rock In Río siempre es un show muy especial. Como es un festival, sólo tenemos una hora, así qué hay que concentrar bastante lo que tocaremos y que sea para todo tipo de público, mezclando lo nuevo y lo antiguo. Para este año tuvimos ayuda de Familia Lima, quienes tocaron los violines en las canciones del nuevo álbum, y también de Renato Zanuto, que fue el maestro de la orquesta y grabó con nosotros en “Machine Messiah”, así como en nuestros álbumes anteriores también. Su trabajo realmente logra reflejar en vivo lo que es el álbum, algo muy positivo sin duda.

Sepultura es una de las bandas de metal más populares en Chile, lo que genera el hecho de que en esta gira tocarán por primera vez en Coquimbo, además de Santiago. ¿Te gustaría enviarles un mensaje a tus fans chilenos?

Será genial estar ahí por primera vez, siempre hemos tenido una gran audiencia en Chile. Tenemos muchos fanáticos allá que apoyan nuestra música y nos han acompañado durante todos estos años, a pesar de todo. Siempre esperamos lo mejor de ustedes y estamos muy felices de volver una vez más, estoy seguro de que serán dos shows muy buenos. Espero también tener algo de tiempo para poder recorrer cuando esté allá (risas).

Paulo, me gustaría hablar de la iniciativa de caridad “Jogo de Estrelas”, que realizas hace varios años. ¿Qué nos puedes contar sobre ella?

Bueno, estamos haciendo esto hace mucho tiempo. La idea es jugar un partido de exhibición cuyas ganancias sean donadas a la caridad, por lo general se hace con jugadores retirados, en especial del equipo de mi ciudad, el Club Atlético Mineiro. La idea de esto es recolectar comida para los pobres, y para nosotros (los músicos) es el poder jugar fútbol con nuestros ídolos. Lo pasamos bien mientras hacemos una labor social; lo hemos estado haciendo por muchos años, y ya estamos trabajando para la edición del próximo año.

Es una gran labor la que hacen, los felicito por eso…

Muchas gracias, nos toma bastante trabajo porque todos estamos fuera del país y es muy difícil reunirnos al mismo tiempo y organizarnos. De hecho, ahora estoy en casa y pretendo ver si podemos comenzar a coordinar algo para el próximo año, espero que sea posible.

Y felicitaciones por el último álbum también; en HumoNegro creemos que es uno de los mejores álbumes de metal del año. Personalmente, estoy muy expectante por escuchar cómo suena en vivo.

¿En serio? Qué bueno saber eso. Qué bueno que les haya gustado, nosotros también estamos muy felices con este álbum, así que de seguro tocaremos varias canciones de él para ustedes.

Paulo, sé que mucha gente te pregunta esto todo el tiempo, pero debo hacerlo también. Sobre la reunión con la alineación clásica de Sepultura, Max (Cavalera) dijo una vez…

(Interrumpe) No, no pasará nunca.

¿Por qué no pasará? Max dijo que tú eres el único que no quiere la reunión, ¿es cierto eso?

Por supuesto que no, nadie quiere hacer la reunión. Todo el mundo lo pide, pero no pasará, estamos muy felices con la banda que somos ahora. Tocamos muy bien, somos muy unidos, no creo que sea sano para ninguno de nosotros recrear algo que ya no existe y que no existirá nunca más. Es un tema de pasión, esa pasión se perdió y no hay una razón para volver a buscarla y forzar algo que ya no está. No haré eso por dinero, ni por nada, porque ya fue. Hacer algo como eso no tiene ningún sentido para mí, creo que sería muy irrespetuoso tanto para nosotros como para nuestros fans.

Comprendo, Paulo, la decisión siempre pasará por ustedes.

Así es. Si hubiera una razón para volver a reunirse sería diferente, pero no hay nada, excepto el dinero y no creo que sea una razón suficiente para hacerlo. Nos sentimos cómodos así, queremos representar la historia de Sepultura haciendo lo que hacemos en estos días, eso es más importante.

Bien, Paulo, gracias por tu tiempo. Fue un honor hablar contigo, nos vemos en el show.

Muchas gracias a ti, nos veremos muy pronto. ¡Adiós!

Por Manuel Cabrales

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