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Mark Kelly de Marillion: “Sin el éxito de ‘Kayleigh’ quizás no estaríamos haciendo música hoy”

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El próximo mes de mayo recibiremos una nueva visita de la banda inglesa de rock progresivo, Marillion, esta vez por partida triple, con un show en el Teatro Municipal de Valparaíso el próximo 5 de mayo, y dos shows en la capital, uno de ellos el 7 de mayo en el Teatro Caupolicán, y el último al día siguiente en el Teatro Nescafé de las Artes, siendo este un concierto especial bautizado como “The Progressive Dream”, donde el grupo presentará canciones más extensas y poco comunes en sus repertorios habituales. Con motivo de estos conciertos, pudimos conversar en extenso con Mark Kelly, tecladista del grupo desde el año 1981, quien nos contó detalles de su próximo arribo a la capital, un adelanto de lo que se será el nuevo disco que lanzarán en septiembre, su opinión sobre el panorama musical y el rock progresivo en estos días, entre otros temas.

Esta vez realizarán tres shows en Chile, siendo el del Teatro Caupolicán grabado para un registro audiovisual oficial de la banda. Entre todos los países del mundo, ¿por qué eligieron Chile para desarrollar esto?

No, no, eso no va a pasar. Quizás lo hagamos en otro momento, pero esta vez decidimos que, por temas logísticos, no vamos a grabar nada.

Está noticia es bastante impactante, tomando en cuenta que acá en Chile todos los fanáticos están a la espera de eso, ya que el show se ha promocionado en todas partes de esa forma. ¿Fue una especie de malentendido?

Fue algo de lo que hablamos en un momento, pero no sabemos por qué la producción lo anunció, siendo que todavía no estaba decidido de forma definitiva. No sé en qué momento la comunicación se fracturó, pero quizás en una próxima oportunidad lo hagamos. Nos encanta la idea de grabar un DVD en vivo en Chile porque los fanáticos son increíbles, y creo que tenemos que hacerlo en el futuro, pero ahora tenemos una serie de compromisos pendientes, como la grabación de nuestro nuevo disco, que no hemos terminado aún, y esperamos tenerlo listo para la fecha en que empieza el nuevo tour y poder tocar algunas canciones nuevas en esos conciertos. Esa fue una de las razones por las que decidimos no grabar el DVD en esta nueva visita.

Entonces, supongo que tampoco podremos escuchar algún adelanto de lo que están preparando en estos nuevos conciertos que realizarán en nuestro país.

Tampoco. Es una pena, pero esperamos hacerlo la próxima vez que volvamos a presentarnos por allá.

Habiendo clarificado esto y aprovechando que estamos hablando del nuevo disco que esperan estrenar en septiembre, debo decirte que el nombre, “F.E.A.R. – Fuck Everyone And Run” me dejó medio descolocado. ¿Podrías explicar cuál es el concepto detrás de esta nueva producción?

No es realmente un disco conceptual. Serán cuatro canciones en total, tres de ellas bastante extensas, de quince minutos cada una, y hablan de las cosas que han estado pasando en el mundo durante estos últimos años, desde la crisis financiera de los bancos, hasta los escandalosos casos de corrupción en Brasil, donde incluso la presidenta está involucrada, entre otros acontecimientos que nos dejan ver que el mundo está pasando por un momento bastante malo. Quisimos usar la palabra “fear” (“miedo” en español) porque la gente está asustada. En Europa, por ejemplo, tenemos el problema de los refugiados que vienen desde Siria, personas que llegan con mucho temor a buscar nuevas oportunidades. Después tenemos a los poderosos, a la gente con dinero, y ellos son los que se cagan a todo el mundo y después se echan a correr (risas). De ahí es de donde viene el título; las letras tratan sobre estos temas, sobre lo que está ocurriendo en el mundo en estos días. En cuanto a la música en sí misma, que ha sido siempre la protagonista en nuestro trabajo, al tener estos temas tan fuertes, está bien heavy. Musical y líricamente este será un álbum bastante pesado, con muchos momentos musicales increíbles que de seguro los fanáticos disfrutarán. A nosotros, por lo menos, nos encanta como está saliendo todo.

Volviendo al tema de las presentaciones que realizarán en Santiago, existe este show bautizado como “The Progressive Dream”, que será un concierto excepcional, donde tocarán material de su etapa más progresiva. ¿Podrías contarnos algunos detalles sobre cómo será esa jornada?

Como íbamos a realizar dos conciertos en Santiago, queríamos hacer algo especial. Uno de los shows, el del Teatro Caupolicán, será muy parecido al que realizaremos en toda la gira por Sudamérica, pero para el segundo recital tenemos preparadas canciones más largas, otras muy antiguas que no hemos tocado hace mucho tiempo, y no te diré mucho porque me parece bueno que la gente se lleve una sorpresa. Es el único recital donde tocaremos estas canciones, por lo que espero que la gente que vaya, que de verdad se sorprenda. Sólo reiteraré que escucharán canciones muy muy antiguas. No serán muchas, pero sí muy extensas.

Ustedes realizan estos eventos llamados “Marillion Weekends”, donde se toman un fin de semana completo en algún país o ciudad para tocar en lugares más íntimos con sus fanáticos, u organizar eventos exclusivos como “The Progressive Dream”. ¿Podríamos considerar estas tres fechas en el país como una suerte de “Marillion Weekend”?

Sí, podríamos hacerlo. Nos encantaría la idea de realizar uno oficial en Chile. Tenemos la certeza de que no ocurrirá en el corto plazo, pero es algo que definitivamente nos gustaría hacer. Sabemos que el público chileno es el idóneo para llevar a cabo un “Marillion Weekend”. Cada vez que vamos para allá lo disfrutamos mucho, nos sentimos muy bienvenidos por todos, y su entusiasmo por la música es fabuloso. Logísticamente es complicado concretarlo, porque estamos al otro extremo del mundo. Usualmente los hacemos en Europa, porque nos es más fácil organizar todo. Tampoco haremos uno en Canadá el próximo año, estamos buscando un nuevo lugar para el evento y nos gustaría que fuera Santiago, sería nuestra primera opción, pero, como te comenté, por razones logísticas es muy difícil que ocurra, aunque sería genial hacerlo en algún momento en el futuro.

Marillion fue una banda pionera a la hora de usar internet como herramienta para difundir su música. ¿Cómo ves a la industria musical en estos días? ¿Qué opinas de las plataformas de streaming como Spotify?

Creo que está difícil para los nuevos artistas. Nosotros estamos bien, después de todo podemos hacer una buena vida de esto. Seguimos vendiendo suficiente música, además de la gran audiencia que nos sigue vía internet. Para nosotros internet ha sido algo muy bueno, pero también puedo entender a los artistas que se han visto perjudicados por ella. Para los músicos emergentes es mucho más difícil, porque es menos dinero el que la gente está dispuesta a pagar hoy por música, ya que todos esperan obtenerla gratis. Puede ser porque pertenecemos a generaciones distintas, pero los tipos que están en sus treinta, cuarenta o cincuenta años están dispuestos a pagar por la música. En cambio, los veinteañeros o los adolescentes de ahora no pagan por la música y piensan que no corresponde hacerlo, aunque deberían, porque esta no se produce gratis y la gente se olvida de eso. Si quieren música en sus vidas tienen que saber que hay alguien que debe pagar por ella, por lo que es una pena que ocurra este fenómeno. Aun así, me mantengo optimista sobre el futuro de la música. Internet puede ser una fuerza positiva, y como banda hemos podido tomarla y realizar cosas geniales, como exitosas campañas de crowdfunding, donde participa un montón de gente y eso es increíble. Esa es una manera de continuar haciendo música, recibiendo el apoyo y soporte de tus propios fans. Estamos pasando por tiempos interesantes para la música; hace poco leí que, por primera vez en la historia, la industria está generando más dinero a través de las descargas legales y plataformas de streaming que con la venta de CD’s o cualquier otro formato físico. Pero aun así, es cierto y entiendo que para los jóvenes es muy difícil lograr hacer una carrera de esto en los tiempos que corren.

De hecho, muchas estrellas del rock han dado como consejo a los músicos noveles que, si pretenden ganar dinero, no se dediquen a la música.

Es que hoy el problema ni siquiera es sólo la piratería, también existe Google o YouTube, donde la gente puede escuchar tú música sin recibir un centavo a cambio. Incluso, si no quieres que tu trabajo esté en YouTube, la gente la va a subir de todas formas y después tienes que estar pidiéndoles que la quiten, y de momento en que lo hacen otro video ya está en línea. Existe la posibilidad de decirle a Google “De acuerdo, puedes tener mi música y yo me quedó con los ingresos por la publicidad”, o reservarte tus derechos, pero aun así vas a tener que estar pidiéndoles una y otra vez que la saquen del sitio, y eso no está bien. Sin embargo, me mantengo optimista, creo que las cosas mejorarán y que los músicos nuevos podrán hacer una vida de esto. Incluso si tienen que tomar un trabajo aparte para sostener sus carreras, tengo la esperanza de que podrán salir adelante, y merecen que así sea, porque hoy hay personas que están haciendo cosas notables y deben ser escuchados. Nosotros fuimos muy afortunados por haber tenido el privilegio de poder hacer una carrera por el sólo hecho de crear música.

Y ya que estas hablando de músicos emergentes, ¿existe algún músico o banda nueva que estés escuchando en estos momentos y te gustaría recomendar?

La verdad es que con lo del nuevo disco no he tenido tiempo para ponerme a escuchar otras bandas. Sí he podido revisitar algunos álbumes antiguos de gente que admiro mucho, pero honestamente no me he dado el tiempo para conocer nuevos grupos.

Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de entrevistar a Steven Wilson, con el motivo de la última visita que realizó a nuestro país, en un show que agotó todas las entradas, fenómeno que se repite con Marillion cada vez que vienen por estos lares. Steven dio sus reflexiones sobre este tema. ¿Qué nos podrías decir tú sobre este fanatismo del público local por el rock progresivo?

No lo sé (risas). Lo siento, pero no puedo mentir con eso, a pesar de que me parece espectacular. La primera vez que fuimos a Chile no teníamos idea de lo popular que éramos por allá, porque en ese tiempo nunca escuchamos mucho de nuestros fanáticos chilenos. Lo mismo nos ocurrió cuando tocamos por primera vez en Brasil. No fue hasta los noventa en que pudimos visitar Sudamérica, y antes de eso, como era tan lejos para nosotros, no nos imaginábamos la llegada que teníamos con la gente. De nuevo, no sé el cómo ni el porqué de este fanatismo en su país, pero es maravilloso y lo agradecemos siempre que viajamos a verlos. Es genial.

Hablando de Steven Wilson, ¿qué opinas de la bandera que ha tomado por el rock progresivo durante este último tiempo? ¿Has podido escuchar algo de sus trabajos más recientes?

Steven es como una fuerza de la naturaleza. Todo lo que ha hecho, desde componer hasta remezclar trabajos de Yes o Jethro Tull, lo hace con sumo cuidado y dedicación. Lo conozco desde hace mucho tiempo y él es un amigo de Marillion. Trabajó con nosotros en algunas mezclas y estoy seguro que volveremos a trabajar juntos en el futuro. He escuchado mucho de su trabajo con Porcupine Tree, también algo de su material como solista y me encanta que haga cosas tan distintas. Me gusta Blackfield, aunque ya no trabaja en ese proyecto, era otra de sus bandas que disfrutaba mucho. Me gusta lo que está haciendo y soy un fanático de su música.

Mi última pregunta puede sonar un tanto controvertida, pero muchos fanáticos y seguidores de la banda se la han hecho durante años: ¿Creen que el éxito del sencillo “Kayleigh” en un momento llegó a opacar a la propia banda y lo que esta hizo en el futuro?

Creo que es una buena canción, y muchas bandas tienen ese sencillo que se transforma en su gran canción. Para nosotros fue el gran hit de nuestra carrera y tuvimos que aceptarla de esa manera, porque sin ella quizás no estaríamos haciendo música hoy. Fue un gran potenciador para Marillion, a la vez que tuvimos que lidiar con el hecho de que todo el mundo la conociera y esperara que la tocáramos en cada uno de nuestros shows. Durante mucho tiempo no la tocamos, pero puedo asegurarles que la tocaremos cuando vayamos a Chile. Durante los noventa, cuando Steve Hogarth se no unió en reemplazo de Fish, no la tocábamos porque representaba al “viejo Marillion”, y nosotros estábamos comenzando una nueva etapa con Steve y tomamos la decisión de no tocarla. Esa decisión se mantuvo durante diez años, pero hoy suficiente tiempo ha pasado y estamos felices de tocarla, Steve está feliz de cantarla, y hay que encontrar un balance entre lo que la gente quiere escuchar, tocar algo que sea más exigente musicalmente y presentar tu nuevo material. Los fanáticos disfrutan escuchar los clásicos de siempre y “Kayleigh” es una de sus favoritas. Está claro que muchos de los seguidores más hardcore del grupo piensan “Oh no, no ‘Kayleigh’ de nuevo, ya la han tocado infinitas veces”. A ellos también los entiendo, pero es una canción que nos agrada bastante; aunque la toquemos mucho, nos gusta hacerlo y creo que eso bueno.

Bueno, Mark, el tiempo se nos acaba y antes de despedirme te quiero pedir que le envíes un mensaje a los fanáticos que esperan verlos en Santiago y Valparaíso.

Claro que sí. Amigos de Chile, estamos ansiosos por volver a verlos y tocar para ustedes en estos nuevos shows. Habrá muchas sorpresas y esperamos pasar una velada increíble junto a todos nuestros fanáticos chilenos, recibiendo ese calor al que nos tiene habituados y nos encanta.

Muchas gracias por tu tiempo, Mark, nos vemos en mayo.

Gracias a ti. ¡Nos vemos, pronto!

Por Sebastián Zumelzu

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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