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Mark Jansen de Epica: “Cada vez que regresamos a Chile hay más gente que la vez anterior”

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No hay duda de que Epica es una de las bandas más queridas por el público chileno, y prueba de eso es el show que los holandeses darán el próximo 3 de marzo en el Teatro Caupolicán, hecho que se transformará en nada más y nada menos que la séptima visita del conjunto a tierras chilenas. Caracterizados por el metal sinfónico que ha predominado durante sus más de quince años de carrera, los comandados por Simone Simons se encuentran girando por todo el mundo para promocionar su álbum “The Holographic Principle” (2016), su último trabajo de larga duración.

Entre medio de la apretada agenda en plena gira, su guitarrista y vocalista, Mark Jansen, se tomó un tiempo para responder de manera muy acotada algunas preguntas para nuestro sitio. Desde la inspiración para el último álbum, pasando por el arte de sus discos, hasta su conexión con el público chileno, Jansen nos comentó de todo un poco en esta entrevista que te dejamos íntegramente a continuación.

Lanzaron “The Holographic Principle” en 2016, creando un álbum que suena complejo y muy potente. ¿Sientes que este trabajo es el más melódico y poderoso de toda la carrera de Epica?

Sí, ese podría ser el caso. Creo que este disco es el más poderoso, por lo menos, ya que considero que todos nuestros álbumes han sido igual de melódicos.

El concepto de este álbum guarda relación con el universo como un holograma, ¿de dónde tomaron la inspiración para esto?

La inspiración vino principalmente de algunas lecturas de Leonard Susskind, el chico malo de la física, pero también usamos como fuente otros libros y documentales sobre el Universo Holográfico, lo que me inspiró personalmente para escribir las letras. También diría que películas como “The Matrix” (The Wachowski Brothers, 1999) y “The Truman Show” (Peter Weir, 1998) ayudaron mucho en la inspiración.

Posteriormente se lanzó el EP “The Solace System” (2017), que contiene canciones que no están en el álbum. ¿Por qué decidieron poner estos tracks aparte del disco?

La principal razón de esto es que sentimos que no encajaban muy bien con la duración del álbum, además que nuestro manager pensaba que no sería una buena idea lanzar un álbum doble. No queríamos que terminaran siendo simples bonus tracks, por ende, la solución que encontramos fue lanzar un EP.

Una de las cosas más importantes de Epica es el arte de sus carátulas. ¿Cuál es la inspiración detrás de cada trabajo? ¿Tienen una conexión con la música o es un concepto completo?

Ciertamente, nuestro diseñador, Heile (Stefan Heilemann), recibe todas las letras y, si es que lo desea, un poco de la música para inspirarse en la creación de una portada. Inclusive, diría que no quiero saber cada detalle que él pone en sus trabajos, prefiero darles mi propia interpretación, tal como hacen nuestros fans.

En esta gira tendrán a la banda VUUR como invitados. ¿Por qué decidieron traerlos con ustedes?

VUUR es una nueva banda con Anneke (Van Gierbersgen) como la vocalista, ella es nuestra amiga, y los chicos de la banda también. Sabemos que Anneke es muy popular en Chile desde su trabajo con The Gathering, por lo que pensamos que sería una muy buena banda para llevar con nosotros. Incluso, Anneke Van Gierbersgen es una de las razones por las que existe Epica, ya que The Gathering fue una de las primeras bandas con una cantante femenina en lograr un gran éxito en la escena.

Esta será la séptima vez que tocan en Santiago. ¿Cómo describirías la relación con nuestro país?

Sentimos una conexión muy fuerte con Chile y su público. Desde nuestros inicios hemos estado visitando su país, y cada vez que regresamos hay más gente que la vez anterior. No podemos esperar por este show, porque ha pasado mucho tiempo desde la última vez.

¿Qué podemos esperar acerca del show?

Pueden esperar una banda que estará en llamas y un setlist que será bastante diferente en comparación a las ocasiones anteriores que estuvimos allá. Hemos lanzado un montón de cosas durante los últimos años, así que queremos tocar algo de ese material junto a algunos viejos clásicos. Será un repertorio balanceado entre canciones nuevas y viejas. No hemos hecho el setlist aún, pero veremos qué sale (risas).

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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