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Lee Ranaldo: “Asusta todo este movimiento conservador tomándose el mundo”

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Dentro de toda la creatividad que Sonic Youth desarrolló durante su carrera, el silencioso Lee Ranaldo siempre jugó una parte importante al aportar el lado melódico entre el caos sonoro que desataron en importantes trabajos como “Daydream Nation” (1988), “Goo” (1990) y “Washing Machine” (1995). Luego de su hiato a contar de 2011, Lee se dedicó a tiempo completo en una carrera solista que le ha traído muy buenos comentarios por parte de la crítica, permitiéndole dejar atrás el catálogo de su antigua banda y centrarse por completo en su trabajo actual. Luego de dos históricas presentaciones con Sonic Youth en 2009 y 2011, el músico trajo su proyecto The Dust el año 2013, en un show donde los fans ratificaron el cariño que sienten en Chile por el buen Lee. Desde ahí, todos esperaban un regreso del canoso guitarrista a nuestro país, algo que por fin se concretará en este mes de diciembre.

Será en el próximo Festival En Órbita cuando Lee Ranaldo regrese a Santiago, y lo hará para presentar en formato acústico las canciones de su nuevo álbum “Electric Trim” (2017), además de un repaso a sus anteriores trabajos de estudio. Bajo ese contexto, en HumoNegro tuvimos la gran oportunidad de conversar con el histórico guitarrista de Sonic Youth, donde nos comentó sobre la inspiración detrás de algunas canciones, el proceso de grabación de su último disco, sus reflexiones sobre internet y las redes sociales, su relación actual con sus ex compañeros de banda y, además, nos adelantó una sorpresa para todos los fans chilenos. Te dejamos a continuación con nuestra entrevista al destacado músico neoyorquino.

Quiero comenzar hablando de “Electric Trim”, tu último álbum de estudio. Este trabajo fue algo así como la culminación del viaje que te mantuvo girando por todo el mundo, donde además comenzaste a trabajar con el productor español Raúl Fernández. ¿Qué puedes comentarnos sobre el proceso detrás de este disco?

Bueno, este disco es como una colaboración codo a codo con Raúl. Nos conocimos hace algunos años, hicimos un pequeño disco juntos llamado “Acoustic Dust” (2014), donde nos dimos cuenta de que disfrutamos mucho trabajando juntos, por lo que decidimos intentar canciones nuevas. Así comenzamos el proceso; él vino a Nueva York por dos semanas, probamos algunas cosas y nos gustó mucho cómo estaban sonando, y nos aventuramos en un período de un año haciendo este álbum. Él es un productor que trabaja de maneras muy diferentes a las que normalmente trabajo yo, que por lo general toco en el estudio con una banda.

Este álbum fue hecho de una manera totalmente distinta, haciendo un elemento a la vez. Muy diferente para mí, muy experimental, jamás había hecho un álbum de esta forma y menos grabarlo en el período de un año. Fue genial trabajar con Raúl en el lado musical de las cosas y con mi amigo Jonathan Lethem en el lado de las letras, básicamente fue como una aventura totalmente nueva para mí.

Tengo entendido que el álbum “Last Night On Earth” (2013) lo escribiste en tu departamento en Nueva York, mientras afuera estaba el huracán Sandy. Ya que la inspiración para este trabajo fue desarrollada en un lugar cerrado, mientras que en este se hizo en diferentes lugares, ¿consideras estos dos trabajos como polos puestos?

La verdad, eso no es totalmente cierto (risas). Hay algunas canciones que estuvieron inspiradas por los eventos del huracán Sandy, pero el álbum completo no fue escrito en un día bajo ningún motivo. Aún así, la diferencia principal es que este álbum fue hecho junto a una banda, que estuvo tocando en el estudio por varias semanas, aprendiendo las canciones y creando los arreglos. Una vez que la banda aprendió las canciones, grabamos el álbum. En cambio, para este otro álbum no usamos una banda, fuimos sólo yo y Raúl y algunos demos muy lo-fi de las canciones del álbum. Desde ahí comenzamos a construir todo, paso a paso, agregando las guitarras, luego el piano y el pandero, entre otras cosas.

Después de eso, llamamos a los diferentes músicos que tocan en el álbum. Ahí estaría la diferencia. Con “Last Night On Earth” grabamos el álbum a la manera antigua, utilizando el estudio como el instrumento principal, en la misma forma que se grabaron todos esos discos clásicos como “Pet Sounds” (The Beach Boys, 1966), “Revolver” (The Beatles, 1966), “The Dark Side Of The Moon” (Pink Floyd, 1973). Todos esos discos fueron hechos con la banda tocando junta, tal como hicimos los álbumes de Sonic Youth, y tal como lo hice con el álbum de The Dust, pero en ningún caso lo compuse en un solo día (risas).

Hay una canción en el álbum llamada “New Thing”, que puede expresar muchas cosas diferentes. ¿Te inspiraste principalmente en internet y las redes sociales para su composición?

Si, trata un poco sobre eso. Estuve pensando en todo esto del internet, donde tienes como una segunda vida con un montón de amigos, y te preguntas: “¿Son realmente mis amigos?”, o buscas el significado a que le den like a lo que posteas, siendo que es alguien que no ves muy seguido, probablemente nunca. La canción no es realmente una crítica, es una observación desde mi punto de vista sobre el internet y todos estos amigos virtuales que tenemos, que te siguen y les gusta todo lo que posteas. La canción es sobre ese roce entre el mundo en que vivimos, con personas de carne y hueso, y el mundo del internet, que tienes a todas estas personas digitales todos los días en tu vida, sin siquiera estarlo. No sé si me entiendes.

¿Sientes que este nuevo mundo en que estamos viviendo cambia la forma en que haces tu música o interactuas con tus fans?

Por supuesto, todos los avances en computación, el tráfico de archivos, las redes sociales, todo ha cambiado a la música; desde el proceso de distribución hasta el hecho de ir a una tienda para comprar un disco, todos descargan las canciones. Eso cambió la percepción de cómo recibes un álbum. Ya no tienes estas portadas, el interior con grandes y coloridas fotos, los créditos, entre otras cosas, ahora sólo hay tracks desparramados en tu computador, sin información relevante como quien está tocando, dónde fue grabado, cuándo, ni nada de esa valiosa información que un nerd de la música quiere saber. Esto cambió la percepción de cuán importante es la música en sus vidas. Hay muchos discos saliendo todo el tiempo, siendo muy accesibles; creo que los álbumes son menos importantes hoy en día porque escuchas uno y a la semana tienes cien más para oír. La vida de un álbum es muy corta actualmente, excepto para aquellos que son un éxito, que expanden su vida un poco más.

Hace algunos días conversé con Steve Rothery, el guitarrista de Marillion, y me comentaba que la gente ya no espera más por los álbumes porque toda la información está ahí. La gente ingresa a internet y tiene toda la información a su disposición, por lo que ya no disfrutan la espera por un nuevo álbum de su banda favorita, o tampoco notan cómo un artista evoluciona en su sonido entre un trabajo y otro. ¿Cuál es tu opinión respecto de esta nueva realidad?

Si, entiendo a lo que se refiere, todo el factor sorpresa ya no está, toda la información está en poder de tus dedos con sólo presionar un botón, ahora no hay investigación. Antiguamente, comprabas un álbum de vez en cuando, lo escuchabas muy seguido, te obsesionabas –independiente de si te gustaba o no– hasta que entendías de qué se trataba. Veías los créditos y te llamaba la atención el nombre de alguien, pasabas meses tratando de averiguar quién era esa persona, qué está haciendo ahora o que más hizo anteriormente. Ahora presionas un botón y obtienes todo eso, luego lo olvidas y te enfocas en lo siguiente, en una diferente historia. Antes ibas a las tiendas de discos y encontrabas alguna gema perdida por ahí, ahora ya no se da mucho eso. O, si se da, no es la misma forma por el internet.

¿Sigues comprando discos en físico? Recuerdo haber visto tu aparición en el programa “What’s In My Bag?” de Amoeba Records, donde escogiste el primer álbum solista de Paul McCartney (“McCartney”, 1970) y me llamó la atención que dijeras que habías tomado algunos elementos de él para el disco “Between The Times And The Tides” (2012), específicamente en la canción “Off The Wall”. ¿En qué aspectos específicos está concentrada la influencia de este trabajo?

Sí, los compro todo el tiempo.  Bien, en cuanto al trabajo de McCartney, lo he seguido mucho, creo que es muy melódico, a menudo tomo elementos de él para mi música. En este caso en particular, estaba trabajando en la progresión de un acorde, el que abre la canción, y en ese álbum hay una canción que tiene un inicio similar. Un día estaba escuchando el disco y me sorprendí al notar que la canción se parecía a la que yo había hecho; es divertido cuando pasa eso, no te das cuenta cómo algo influye en ti. Es de esas cosas que pasan mucho en la música, escuchas algo y se queda contigo inconscientemente hasta que después terminas usándolo de una u otra forma. Siento que la música se propaga de esa manera: te inspiras en el trabajo de alguien para hacer tu propio trabajo, escuchas algo y haces tu propia versión de aquello. Sé que hay artistas que se han metido en problemas por todo este tema de los derechos, pero en cierto punto es algo bien curioso que pasa; hay tanta música en el aire, que muchas veces es algo accidental, es algo que pasa más seguido de lo que piensas.

Lee, hablemos sobre tu próximo show aquí en Santiago. Has estado girando como trío en un formato acústico, ¿es esta la misma configuración que veremos acá?

Tengo una nueva banda, que es muy buena, estoy muy contento con este trío, recién terminamos de girar por todo Europa. Ir a Sudamérica con todos estos músicos y nuestro equipo es más complicado, así que iré solo con mi guitarra a tocar mis canciones. No es sólo un show acústico, porque tendré mis efectos, pedales y todo eso, pero seré sólo yo en el escenario presentando las canciones de mi nuevo álbum, algunas de discos anteriores y quizás un par de covers, pero todo acústico. Esto es para mostrarles cómo eran las canciones cuando fueron creadas, antes de que pasaran por el estudio y todo el trabajo de producción.

Excelente. La gente está muy contenta de que vengas de nuevo; de hecho, el día siguiente tendremos Elecciones Presidenciales, así que será bueno olvidarnos sobre todo este clima político, al menos por un momento.

¿En serio? ¿Cuándo es la elección?

El domingo, al otro día del festival.

¡Oh, por dios! Eso no lo esperaba (risas).

Bueno, en realidad es la “segunda vuelta”con los dos que tuvieron más votos. Las elecciones ya las tuvimos, eran ocho candidatos originalmente.

Ah, comprendo. ¿Y qué onda estos tipos, son conservadores, liberales o qué?

A ver, digamos que uno es como nuestro Donald Trump chileno (risas), el otro vendría siendo la opción menos mala, quizás. La verdad es que no tenemos mucho de dónde elegir. Uno es de derecha, el otro es socialista. Digamos que ese es el menos malo.

Sí, sí. Sé que hay una “ola conservadora” que está llegando a todos lados en estos días. Hay una canción en mi nuevo álbum que se llama “Thrown Over The Wall”, que he estado usando para hablar de esto en mis conciertos. De alguna forma esta canción fue asociada con la elección de Donald Trump, así que decidí hablar de esto cuando la toco. No es sólo aquí con Trump, esto está pasando en todos lados, como en Brasil con Michel Temer, Alemania con Steinmeier, en Francia, Australia, y muchos otros países. Asusta todo este movimiento conservador tomándose el mundo, de cierta forma.

Bien Lee, pasemos a otro tema. ¿Sigues en contacto con Thurston (Moore), escuchaste su nuevo álbum?

Sí, por supuesto, hablamos todo el tiempo. Disfruté mucho su último disco, está muy bien producido y considero que es su trabajo de estudio más poderoso. Él ha estado trabajando mucho en este esquema de dos guitarras, bajo y batería, similar a Sonic Youth. Creo que todavía está explorando lo que quedó pendiente en la banda, no por nada es Steve quien está tocando la batería, eso ayuda mucho a que puedan seguir explorando lo que se puede hacer con la música que componíamos en Sonic Youth.

¿Extrañas tocar junto a Sonic Youth?

Bueno, Sonic Youth siempre será parte de mi vida, siempre estamos trabajando en proyectos de archivo y cosas así. Sé que Kim y Thurston están felices haciendo sus cosas, yo también lo estoy, además que tocamos juntos por muchos años. En estos momentos no lo extraño realmente, estoy muy entusiasmado haciendo lo que me gusta. En cierta forma, no lo extraño de la misma manera en que los fans lo extrañan porque continuamos trabajando en proyectos de archivos, reediciones y todo eso. Siempre será parte de mi vida, no es algo que desaparezca después de tantos años.

¿Crees que podrían volver a tocar juntos algún día?

Si todos quisieran, no lo sé. Creo que Kim es la única que ha dicho en público que no pasará nunca, así que quizás deberías preguntarle a ella. Yo jamás diría que no es posible, pero no estoy pensando en eso, y estoy seguro de que nadie más lo está. Estamos todos ocupados en otras cosas como para preocuparnos de algo así.

Lee, me gustaría que hablemos sobre un álbum de Sonic Youth que ha mantenido mi atención desde que lo escuché. Quiero preguntarte acerca de “Bad Moon Rising” (1985), el que considero un trabajo muy oscuro y tenebroso, lo siento casi como si fuera un disco de black metal en algunos aspectos. ¿Qué trataron de expresar en ese momento, lo recuerdas?

No sé, la verdad. En ese disco aún estábamos buscando lo que queríamos hacer. Es interesante que me lo preguntes, porque en ese disco está la canción “Death Valley ’69”, que fue nuestra canción acerca de toda la ola de asesinatos de Charles Manson y justamente acaba de fallecer. En esos momentos estábamos aprendiendo, explorando qué podíamos hacer como banda y qué podíamos rescatar de todo lo que estaba pasando en la escena más under. Había muchas bandas interesantes en ese momento. Este álbum y “Confussion Is Sex” (1983) fueron los dos discos en que notamos qué podía ser Sonic Youth y adónde nos dirigíamos.

De hecho, “Death Valley ’69” es la canción que más me transmite esa aura black metal que te comento. Quizás son las guitarras, la letra, no lo sé.

Sí, tal vez. De hecho, no había nada llamado black metal en esos momentos, por esos días escuchábamos mucho a Slayer y ese tipo de bandas, seguramente por eso nos influenciamos por esos riffs.

Lee, lamentablemente estamos finalizando esta entrevista. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los lectores de HumoNegro?

Quiero decirles que estoy muy feliz de volver, ya que sólo he estado allá dos veces con Sonic Youth, así que no es un lugar al que me sea tan fácil ir. Estoy muy orgulloso de mi nuevo álbum, y espero que la gente vaya y me vea en los dos conciertos que haré en Santiago para que puedan ser testigos de lo que hice en un principio con estas canciones. Estoy deseoso de volver a su país.

Lee, antes de que nos despidamos, me gustaría decirte dos cosas: primero, ya estuviste como solista aquí en Chile, en 2013. Lo otro, me dices que tocarás dos veces esta vez y sólo sabemos del show en el festival. ¿Cuál será la otra presentación?

Oh, no sé si podía hablar de eso aún (risas). Estaremos tocando en el Festival En Órbita, y el otro será un show en El Bunker, el día 14 de diciembre, quizás no ha sido anunciado aún, pero está en mi página.

Perfecto, estaremos atentos a eso. Muchas gracias por tu tiempo, Lee, y si pudieras tocar “Off The Wall” en el show estaría muy agradecido porque es mi canción favorita (risas).

De acuerdo, creo que puedo concederte eso (risas). Pasa a saludarme si puedes, ¡nos vemos!

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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