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Lee Ranaldo: “Asusta todo este movimiento conservador tomándose el mundo”

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Dentro de toda la creatividad que Sonic Youth desarrolló durante su carrera, el silencioso Lee Ranaldo siempre jugó una parte importante al aportar el lado melódico entre el caos sonoro que desataron en importantes trabajos como “Daydream Nation” (1988), “Goo” (1990) y “Washing Machine” (1995). Luego de su hiato a contar de 2011, Lee se dedicó a tiempo completo en una carrera solista que le ha traído muy buenos comentarios por parte de la crítica, permitiéndole dejar atrás el catálogo de su antigua banda y centrarse por completo en su trabajo actual. Luego de dos históricas presentaciones con Sonic Youth en 2009 y 2011, el músico trajo su proyecto The Dust el año 2013, en un show donde los fans ratificaron el cariño que sienten en Chile por el buen Lee. Desde ahí, todos esperaban un regreso del canoso guitarrista a nuestro país, algo que por fin se concretará en este mes de diciembre.

Será en el próximo Festival En Órbita cuando Lee Ranaldo regrese a Santiago, y lo hará para presentar en formato acústico las canciones de su nuevo álbum “Electric Trim” (2017), además de un repaso a sus anteriores trabajos de estudio. Bajo ese contexto, en HumoNegro tuvimos la gran oportunidad de conversar con el histórico guitarrista de Sonic Youth, donde nos comentó sobre la inspiración detrás de algunas canciones, el proceso de grabación de su último disco, sus reflexiones sobre internet y las redes sociales, su relación actual con sus ex compañeros de banda y, además, nos adelantó una sorpresa para todos los fans chilenos. Te dejamos a continuación con nuestra entrevista al destacado músico neoyorquino.

Quiero comenzar hablando de “Electric Trim”, tu último álbum de estudio. Este trabajo fue algo así como la culminación del viaje que te mantuvo girando por todo el mundo, donde además comenzaste a trabajar con el productor español Raúl Fernández. ¿Qué puedes comentarnos sobre el proceso detrás de este disco?

Bueno, este disco es como una colaboración codo a codo con Raúl. Nos conocimos hace algunos años, hicimos un pequeño disco juntos llamado “Acoustic Dust” (2014), donde nos dimos cuenta de que disfrutamos mucho trabajando juntos, por lo que decidimos intentar canciones nuevas. Así comenzamos el proceso; él vino a Nueva York por dos semanas, probamos algunas cosas y nos gustó mucho cómo estaban sonando, y nos aventuramos en un período de un año haciendo este álbum. Él es un productor que trabaja de maneras muy diferentes a las que normalmente trabajo yo, que por lo general toco en el estudio con una banda.

Este álbum fue hecho de una manera totalmente distinta, haciendo un elemento a la vez. Muy diferente para mí, muy experimental, jamás había hecho un álbum de esta forma y menos grabarlo en el período de un año. Fue genial trabajar con Raúl en el lado musical de las cosas y con mi amigo Jonathan Lethem en el lado de las letras, básicamente fue como una aventura totalmente nueva para mí.

Tengo entendido que el álbum “Last Night On Earth” (2013) lo escribiste en tu departamento en Nueva York, mientras afuera estaba el huracán Sandy. Ya que la inspiración para este trabajo fue desarrollada en un lugar cerrado, mientras que en este se hizo en diferentes lugares, ¿consideras estos dos trabajos como polos puestos?

La verdad, eso no es totalmente cierto (risas). Hay algunas canciones que estuvieron inspiradas por los eventos del huracán Sandy, pero el álbum completo no fue escrito en un día bajo ningún motivo. Aún así, la diferencia principal es que este álbum fue hecho junto a una banda, que estuvo tocando en el estudio por varias semanas, aprendiendo las canciones y creando los arreglos. Una vez que la banda aprendió las canciones, grabamos el álbum. En cambio, para este otro álbum no usamos una banda, fuimos sólo yo y Raúl y algunos demos muy lo-fi de las canciones del álbum. Desde ahí comenzamos a construir todo, paso a paso, agregando las guitarras, luego el piano y el pandero, entre otras cosas.

Después de eso, llamamos a los diferentes músicos que tocan en el álbum. Ahí estaría la diferencia. Con “Last Night On Earth” grabamos el álbum a la manera antigua, utilizando el estudio como el instrumento principal, en la misma forma que se grabaron todos esos discos clásicos como “Pet Sounds” (The Beach Boys, 1966), “Revolver” (The Beatles, 1966), “The Dark Side Of The Moon” (Pink Floyd, 1973). Todos esos discos fueron hechos con la banda tocando junta, tal como hicimos los álbumes de Sonic Youth, y tal como lo hice con el álbum de The Dust, pero en ningún caso lo compuse en un solo día (risas).

Hay una canción en el álbum llamada “New Thing”, que puede expresar muchas cosas diferentes. ¿Te inspiraste principalmente en internet y las redes sociales para su composición?

Si, trata un poco sobre eso. Estuve pensando en todo esto del internet, donde tienes como una segunda vida con un montón de amigos, y te preguntas: “¿Son realmente mis amigos?”, o buscas el significado a que le den like a lo que posteas, siendo que es alguien que no ves muy seguido, probablemente nunca. La canción no es realmente una crítica, es una observación desde mi punto de vista sobre el internet y todos estos amigos virtuales que tenemos, que te siguen y les gusta todo lo que posteas. La canción es sobre ese roce entre el mundo en que vivimos, con personas de carne y hueso, y el mundo del internet, que tienes a todas estas personas digitales todos los días en tu vida, sin siquiera estarlo. No sé si me entiendes.

¿Sientes que este nuevo mundo en que estamos viviendo cambia la forma en que haces tu música o interactuas con tus fans?

Por supuesto, todos los avances en computación, el tráfico de archivos, las redes sociales, todo ha cambiado a la música; desde el proceso de distribución hasta el hecho de ir a una tienda para comprar un disco, todos descargan las canciones. Eso cambió la percepción de cómo recibes un álbum. Ya no tienes estas portadas, el interior con grandes y coloridas fotos, los créditos, entre otras cosas, ahora sólo hay tracks desparramados en tu computador, sin información relevante como quien está tocando, dónde fue grabado, cuándo, ni nada de esa valiosa información que un nerd de la música quiere saber. Esto cambió la percepción de cuán importante es la música en sus vidas. Hay muchos discos saliendo todo el tiempo, siendo muy accesibles; creo que los álbumes son menos importantes hoy en día porque escuchas uno y a la semana tienes cien más para oír. La vida de un álbum es muy corta actualmente, excepto para aquellos que son un éxito, que expanden su vida un poco más.

Hace algunos días conversé con Steve Rothery, el guitarrista de Marillion, y me comentaba que la gente ya no espera más por los álbumes porque toda la información está ahí. La gente ingresa a internet y tiene toda la información a su disposición, por lo que ya no disfrutan la espera por un nuevo álbum de su banda favorita, o tampoco notan cómo un artista evoluciona en su sonido entre un trabajo y otro. ¿Cuál es tu opinión respecto de esta nueva realidad?

Si, entiendo a lo que se refiere, todo el factor sorpresa ya no está, toda la información está en poder de tus dedos con sólo presionar un botón, ahora no hay investigación. Antiguamente, comprabas un álbum de vez en cuando, lo escuchabas muy seguido, te obsesionabas –independiente de si te gustaba o no– hasta que entendías de qué se trataba. Veías los créditos y te llamaba la atención el nombre de alguien, pasabas meses tratando de averiguar quién era esa persona, qué está haciendo ahora o que más hizo anteriormente. Ahora presionas un botón y obtienes todo eso, luego lo olvidas y te enfocas en lo siguiente, en una diferente historia. Antes ibas a las tiendas de discos y encontrabas alguna gema perdida por ahí, ahora ya no se da mucho eso. O, si se da, no es la misma forma por el internet.

¿Sigues comprando discos en físico? Recuerdo haber visto tu aparición en el programa “What’s In My Bag?” de Amoeba Records, donde escogiste el primer álbum solista de Paul McCartney (“McCartney”, 1970) y me llamó la atención que dijeras que habías tomado algunos elementos de él para el disco “Between The Times And The Tides” (2012), específicamente en la canción “Off The Wall”. ¿En qué aspectos específicos está concentrada la influencia de este trabajo?

Sí, los compro todo el tiempo.  Bien, en cuanto al trabajo de McCartney, lo he seguido mucho, creo que es muy melódico, a menudo tomo elementos de él para mi música. En este caso en particular, estaba trabajando en la progresión de un acorde, el que abre la canción, y en ese álbum hay una canción que tiene un inicio similar. Un día estaba escuchando el disco y me sorprendí al notar que la canción se parecía a la que yo había hecho; es divertido cuando pasa eso, no te das cuenta cómo algo influye en ti. Es de esas cosas que pasan mucho en la música, escuchas algo y se queda contigo inconscientemente hasta que después terminas usándolo de una u otra forma. Siento que la música se propaga de esa manera: te inspiras en el trabajo de alguien para hacer tu propio trabajo, escuchas algo y haces tu propia versión de aquello. Sé que hay artistas que se han metido en problemas por todo este tema de los derechos, pero en cierto punto es algo bien curioso que pasa; hay tanta música en el aire, que muchas veces es algo accidental, es algo que pasa más seguido de lo que piensas.

Lee, hablemos sobre tu próximo show aquí en Santiago. Has estado girando como trío en un formato acústico, ¿es esta la misma configuración que veremos acá?

Tengo una nueva banda, que es muy buena, estoy muy contento con este trío, recién terminamos de girar por todo Europa. Ir a Sudamérica con todos estos músicos y nuestro equipo es más complicado, así que iré solo con mi guitarra a tocar mis canciones. No es sólo un show acústico, porque tendré mis efectos, pedales y todo eso, pero seré sólo yo en el escenario presentando las canciones de mi nuevo álbum, algunas de discos anteriores y quizás un par de covers, pero todo acústico. Esto es para mostrarles cómo eran las canciones cuando fueron creadas, antes de que pasaran por el estudio y todo el trabajo de producción.

Excelente. La gente está muy contenta de que vengas de nuevo; de hecho, el día siguiente tendremos Elecciones Presidenciales, así que será bueno olvidarnos sobre todo este clima político, al menos por un momento.

¿En serio? ¿Cuándo es la elección?

El domingo, al otro día del festival.

¡Oh, por dios! Eso no lo esperaba (risas).

Bueno, en realidad es la “segunda vuelta”con los dos que tuvieron más votos. Las elecciones ya las tuvimos, eran ocho candidatos originalmente.

Ah, comprendo. ¿Y qué onda estos tipos, son conservadores, liberales o qué?

A ver, digamos que uno es como nuestro Donald Trump chileno (risas), el otro vendría siendo la opción menos mala, quizás. La verdad es que no tenemos mucho de dónde elegir. Uno es de derecha, el otro es socialista. Digamos que ese es el menos malo.

Sí, sí. Sé que hay una “ola conservadora” que está llegando a todos lados en estos días. Hay una canción en mi nuevo álbum que se llama “Thrown Over The Wall”, que he estado usando para hablar de esto en mis conciertos. De alguna forma esta canción fue asociada con la elección de Donald Trump, así que decidí hablar de esto cuando la toco. No es sólo aquí con Trump, esto está pasando en todos lados, como en Brasil con Michel Temer, Alemania con Steinmeier, en Francia, Australia, y muchos otros países. Asusta todo este movimiento conservador tomándose el mundo, de cierta forma.

Bien Lee, pasemos a otro tema. ¿Sigues en contacto con Thurston (Moore), escuchaste su nuevo álbum?

Sí, por supuesto, hablamos todo el tiempo. Disfruté mucho su último disco, está muy bien producido y considero que es su trabajo de estudio más poderoso. Él ha estado trabajando mucho en este esquema de dos guitarras, bajo y batería, similar a Sonic Youth. Creo que todavía está explorando lo que quedó pendiente en la banda, no por nada es Steve quien está tocando la batería, eso ayuda mucho a que puedan seguir explorando lo que se puede hacer con la música que componíamos en Sonic Youth.

¿Extrañas tocar junto a Sonic Youth?

Bueno, Sonic Youth siempre será parte de mi vida, siempre estamos trabajando en proyectos de archivo y cosas así. Sé que Kim y Thurston están felices haciendo sus cosas, yo también lo estoy, además que tocamos juntos por muchos años. En estos momentos no lo extraño realmente, estoy muy entusiasmado haciendo lo que me gusta. En cierta forma, no lo extraño de la misma manera en que los fans lo extrañan porque continuamos trabajando en proyectos de archivos, reediciones y todo eso. Siempre será parte de mi vida, no es algo que desaparezca después de tantos años.

¿Crees que podrían volver a tocar juntos algún día?

Si todos quisieran, no lo sé. Creo que Kim es la única que ha dicho en público que no pasará nunca, así que quizás deberías preguntarle a ella. Yo jamás diría que no es posible, pero no estoy pensando en eso, y estoy seguro de que nadie más lo está. Estamos todos ocupados en otras cosas como para preocuparnos de algo así.

Lee, me gustaría que hablemos sobre un álbum de Sonic Youth que ha mantenido mi atención desde que lo escuché. Quiero preguntarte acerca de “Bad Moon Rising” (1985), el que considero un trabajo muy oscuro y tenebroso, lo siento casi como si fuera un disco de black metal en algunos aspectos. ¿Qué trataron de expresar en ese momento, lo recuerdas?

No sé, la verdad. En ese disco aún estábamos buscando lo que queríamos hacer. Es interesante que me lo preguntes, porque en ese disco está la canción “Death Valley ’69”, que fue nuestra canción acerca de toda la ola de asesinatos de Charles Manson y justamente acaba de fallecer. En esos momentos estábamos aprendiendo, explorando qué podíamos hacer como banda y qué podíamos rescatar de todo lo que estaba pasando en la escena más under. Había muchas bandas interesantes en ese momento. Este álbum y “Confussion Is Sex” (1983) fueron los dos discos en que notamos qué podía ser Sonic Youth y adónde nos dirigíamos.

De hecho, “Death Valley ’69” es la canción que más me transmite esa aura black metal que te comento. Quizás son las guitarras, la letra, no lo sé.

Sí, tal vez. De hecho, no había nada llamado black metal en esos momentos, por esos días escuchábamos mucho a Slayer y ese tipo de bandas, seguramente por eso nos influenciamos por esos riffs.

Lee, lamentablemente estamos finalizando esta entrevista. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los lectores de HumoNegro?

Quiero decirles que estoy muy feliz de volver, ya que sólo he estado allá dos veces con Sonic Youth, así que no es un lugar al que me sea tan fácil ir. Estoy muy orgulloso de mi nuevo álbum, y espero que la gente vaya y me vea en los dos conciertos que haré en Santiago para que puedan ser testigos de lo que hice en un principio con estas canciones. Estoy deseoso de volver a su país.

Lee, antes de que nos despidamos, me gustaría decirte dos cosas: primero, ya estuviste como solista aquí en Chile, en 2013. Lo otro, me dices que tocarás dos veces esta vez y sólo sabemos del show en el festival. ¿Cuál será la otra presentación?

Oh, no sé si podía hablar de eso aún (risas). Estaremos tocando en el Festival En Órbita, y el otro será un show en El Bunker, el día 14 de diciembre, quizás no ha sido anunciado aún, pero está en mi página.

Perfecto, estaremos atentos a eso. Muchas gracias por tu tiempo, Lee, y si pudieras tocar “Off The Wall” en el show estaría muy agradecido porque es mi canción favorita (risas).

De acuerdo, creo que puedo concederte eso (risas). Pasa a saludarme si puedes, ¡nos vemos!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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