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Entrevistas

Kevin Barnes de Of Montreal: “Soy un controlador maniático”.

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El próximo 29 de junio, en el Teatro La Cúpula del Parque O’Higgins, se presenta la agrupación indie pop Of Montreal y HumoNegro conversó con su fundador Kevin Barnes.

Hola. ¿Podría hablar con Kevin Barnes?

Sí, hablas con él.

Hola Kevin, te llamo desde HumoNegro, en Chile. ¿Cómo estás?

Hola, muy bien, aquí en Athens. ¿Cómo esta todo en Chile?

Bien, aunque un poco helado. Comencemos con la entrevista, te parece?

Si, por supuesto.

Has dicho en muchas entrevistas que “Paralytic Stalks” y “Hissing Fauna, Are You The Destroyer?” son una especie de discos hermanados. ¿Cuál es la razón de eso?

Creo que “Paralytic Stalks” y “Hissing Fauna, Are You The Destroyer?”  vienen de lugares donde hay depresión, confusión, desesperación  y sicosis. Ambos discos han ayudado a sacarme de estos eventos oscuros, así, en ese sentido, terminan siendo discos muy confesionarios e íntimos.

“Paralytic Stalks” luce como una obra de teatro, donde cada canción es una continuación de la historia anterior. ¿Fue pensada como una larga historia?

A veces siento que si, a veces no estoy tan seguro. Creo que mi estado de ánimo se comportó como una obra de teatro, y es así como se comenzó a gestar el disco. No creo en las casualidades, más bien creo en las causalidades.

Este disco es, obviamente, más oscuro que los otros. ¿Crees que esto es la evolución natural de alguien que lleva haciendo discos por una buena cantidad de años o es sólo un pequeño momento en tu vida?

Yo creo que es sólo un momento en mi vida porque realmente estaba pasando por un periodo histérico (risas). Bueno, todos saben que hacer música y ponerla en un álbum se convierte en una terapia, así que no creo que tenga que ver con el hecho que haya pasado los últimos diez o doce años haciendo discos, o algo así. Tiene más que ver con algo que naturalmente ocurrió con mi vida personal.

Muchas de las letras de Of Montreal tienen incorporados personajes de la literatura, mitología o cine. ¿Cómo te han influenciado en tu vida personal para llegar a escribir de ellos en tus canciones?

Bueno, siempre he leído mucho y he visto mucho cine. Y naturalmente termino teniendo la inspiración de todo lo que absorbo intelectual y emocionalmente, por lo que si hay algo en lo que sea realmente un admirador –ya sea un personaje de una película, una obra de teatro, o incluso la ópera-, siempre sacaré influencias de eso. Y como mucha de mi música está relacionada directamente con mi vida personal, se convierte como en un capítulo de un diario de vida. Si miro hacia atrás, y voy a otros discos y escucho las letras, puedo ver en qué etapa de mi vida estaba y qué era lo que me influenciaba en ese momento. Todo tiene una conexión entre mi vida personal y los personajes que me rodean.

Of Montreal es una banda muy teatral. Sobre el escenario ustedes son músicos, poetas, disfraces y más. ¿Crees que tu música sería entendida de distinta forma sin toda esta interacción visual?

Bueno, yo creo que si no tuviéramos nada de eso, podríamos aún tener un buen show. Pero nos gustan todas esas cosas teatrales, ser excepcionales. Si se hace un buen show con cosas muy visuales para algunos estará bien, así como para otros sería mejor sin tanto adorno. Si nosotros no lo hiciéramos, musicalmente estaría bien de todas formas, pero como somos ahora, es como nos sentimos reales.

Siempre han sido una banda muy grande. ¿Qué sientes con gente yendo y viniendo a cada rato desde y hacia Of Montreal? ¿Crees que esta es una forma de encontrar una natural evolución?

Me gusta tener una banda grande, porque te permite hacer muchas cosas. Estás preparado para reproducir un disco de mejor forma. Nuestros discos son muy orquestados, tienen muchas partes, y muchas partes vocales especialmente, por lo que se hace difícil mostrar eso con una banda más pequeña. Nosotros queremos sonar como un gran ensamble, reproducido parte por parte, y eso es lo que tendremos en Sudamérica. Por eso pienso que si tratamos de hacerlo mas pequeño, quizás estaría bien, no sé. Pero teniendo a la gente que tengo, puedo hacer grabaciones más complejas, podemos hacer que uno se enfoque en la batería, otro en piano, otros en voces, y así con los diferentes sonidos a los que queremos llegar. ¡Y funciona de maravilla! Creo que al tener más gente sobre el escenario, tenemos mas variedad musicalmente hablando. Y así evitamos que la gente se aburra (risas).

Casi toda la música de Of Montreal ha sido producida por ti. Háblame de tu experiencia como productor.

Creo que siempre he decidido hacer la mayoría del trabajo yo, muy pocas veces he dejado que alguien de afuera se meta a nuestro estudio. Creo que si no dejo a ningún productor tocar nuestro trabajo, es porque soy un controlador maniático en el estudio (risas). Me gusta definir qué ideas van en el disco, principalmente porque la mayor parte del tiempo son mis ideas, y nunca he buscado estas típicas peleas de egos que podría tener con un productor. Es difícil a veces, porque llevar todo esto a cabo implica que debes hacer sacrificios. Yo creo que la música y cualquier tipo de arte es como querer pintar un cuadro, y que alguien más te diga que cambies la pintura, cambies la composición, es impensado. Es por eso que me gusta trabajar a mí en este cargo, así puedo controlarlo todo.

Has colaborado con algunos músicos en tu carrera. Pero si pudieras elegir a cualquier músico, de cualquier época, ¿a quién elegirías para un proyecto musical y por qué?

¡Ay! Yo creo que me gustaría trabajar con Parliament, directamente en los 70’s.  Es que había tantos buenos músicos en esa banda. Tenían una forma de componer que ya no ves hoy en día. George Clinton y todos en esa banda construyeron algo único, mágico. Por eso creo que sería muy interesante ver qué harían ellos con algunas de mis canciones.

Esta es tu primera vez en Sudamérica. ¿Tratarás de encontrar alguna influencia musical en este viaje?

¡Absolutamente! Me gustaría mucho. Cada vez que viajo trato de mantener mis orejas por aquí o por allá con las diversas bandas que puedan haber tratado de descubrir. Espero que la gente me pueda enseñar de nuevos artistas, porque no sé nada de la música contemporánea en Chile, necesito mucha, demasiada educación al respecto (risas).

Bueno, feliz te ayudaríamos a indagar, hay una buena oleada de música por aquí en estos momentos.

¡Oh! ¡Me encantaría eso!

A veces cuando vienen bandas tan grandes a nuestro país, vienen con recursos limitados por los costos. Y terminan presentándose con muchas pistas pre grabadas, o sin músicos de apoyo. ¿Qué sucederá con Of Montreal? ¿Necesitarán también de esta ayudita extra de la tecnología para sonar más reales?

No, definitivamente vamos a llevar una gran producción. Lo que sea necesario. Muchos instrumentos, muchos cambios de vestuario, variedades de sorpresas. ¡Va a ser una producción realmente grande!

¡Buenas noticias entonces! Gracias Kevin por tu tiempo, estamos ansiosos por verlos.

¡Gracias! Yo estoy muy emocionado, en realidad estamos todos esperando el show. Será genial. ¡Nos vemos!

Por Pamela Cortés

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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