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Julien Ehrlich de Whitney: “El escenario es un lugar sagrado”

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Uno de los nombres más llamativos del próximo Fauna Primavera, que se realizará este 11 de noviembre, es Whitney, la banda que surgió de las cenizas de Smith Westerns cuando Cullen Omori quiso aventurarse como solista, no sin antes basurear a sus ex compañeros. Conversamos con Julien Ehrlich, vocalista y baterista de la agrupación y, aunque no nos concentramos en ese tema, queda claro que parte de la fuerza que motivó a Whitney en sus inicios fue romper con ese pasado y crear algo nuevo, que con “Light Upon The Lake” (2016) concertó uno de los mejores discos debut de la pasada temporada, generando un sonido que puede mirar al futuro cercano con optimismo, tal como se podrá ver en el escenario de Espacio Broadway.

Primero, para hablar del disco, ustedes lo grabaron en un espacio único, ¿fue aquello el componente clave del sonido?

Creo que el proceso de composición fue la llave. El lugar donde grabamos no importaba tanto, porque creo que hubiéramos hecho el mismo disco de cualquier manera. Lo escribimos atascado en el más crudo invierno de Chicago, encerrados en un departamento de porquería, casi con el sueño de una mejor vida y esperando que esto nos llevara a cumplir con eso.

Preguntaba eso porque el disco tiene una vibra diferente en el sonido que está dentro del lo-fi, como la ausencia del reverb que parecía ley. Entonces, ¿cómo llegaron a este sonido más único, con vibras soul?

Yo supongo que estábamos haciendo un disco que sonara como todos los registros con los que estábamos obsesionados. Queríamos evadir el uso de cosas como el reverb y casi sin delay. Que fuera cálido y muy directo, y al mismo tiempo hace sentido porque todo en los últimos seis años o más –quizás desde 2008 a 2014– ha sido pintado alrededor de bandas indie haciéndose cada vez más y más grandes, con letras y voces cada vez más golpeadoras y grandilocuentes, con canciones que fueran super honestas y creíbles, donde todas las líricas fueran fácilmente descifrables y donde la voz sonaba al comienzo medio rara. Sin embargo, empezó a crecer y a desarrollarse entre nosotros, y vemos que a la gente le gusta, lo que es muy genial.

Una cosa interesante también es que ustedes estaban pasando por un proceso de cambio en sus vidas, casi como un renacimiento.

Sí, estábamos en un punto crucial de nuestras vidas. Creo que nunca lo he planteado como una “crisis del cuarto de vida”, pero eso es prácticamente lo que fue. La banda (Smith Westerns) era una cosa tan establecida, que cuando acabó todo empezó a derrumbarse. Nos echaron de nuestros departamentos, pasaron demasiadas cosas malas, y por eso creo que vimos que la mejor forma era crear el disco que mejor pudiéramos armar. Y se puede escuchar eso en el álbum; es el sonido de dos personas perdiendo la cabeza un poco, creo.

Ustedes (con Max Kakacek) son el dúo que compone en la agrupación, pero colaboran con una banda completa y gente de otros lados al grabar y llevar el disco en vivo. ¿Cómo es ese proceso?

Simplemente trabajamos con nuestros mejores amigos en la banda, entonces no es algo complicado. Ellos estuvieron en nuestro departamento, vieron la escritura del disco, así que no fue difícil. Sí lo puede ser el convertirse en una buena banda, que exige trabajo, pero no en el hecho de abrirnos emocionalmente a ellos y decirles “estas son las canciones”, porque ellos son nuestros amigos.

¿Cómo han sentido el reconocimiento al disco? Porque cuando salió hubo muchas buenas palabras.

Se siente bien, pero queremos concentrarnos en lo que hacemos y poder forjarnos una verdadera carrera. No nos basamos en que la crítica buena se nos vaya a la cabeza. Cada noche salimos al escenario a hacer nuestro trabajo y a hacerlo lo mejor posible para entretener a la gente, darle un buen rato, porque el escenario es un lugar sagrado, así que nunca hemos intentado faltarle el respeto. Todos los músicos, y gente que hemos respetado y querido, los queremos hacer sentir orgullosos.

Ese concepto me interesa: el del respeto. Se nota en el disco que todo está pensado con el fin de respetar las canciones y los sonidos, como el uso de la trompeta, quizás del jazz o el blues.

Sí, así es. No soy un nerd pasando por una “fase de jazz”, pero sí estoy muy pegado con un músico llamado Mulatu Astatke que hace jazz etíope, y estábamos muy atentos a eso cuando hacíamos el disco. No se trata de copiar o algo así, pero sí de concentrarnos en hacer buenas canciones.

En nuestro país hay debates y se ha puesto el tema del espacio y respeto a las mujeres en el mundo de la música. Ustedes eligieron un nombre femenino para su banda, entonces quiero saber cuál es su postura e ideas en este tema que hoy importa tanto.

Definitivamente tenemos nada más que respeto por las músicas mujeres, y nuestra sensibilidad lo entiende así, por lo que nuestro sonido no tiene trabas con que se caracterice por lo andrógino. Cuando un oyente al comienzo nos escucha por primera vez, al ver que el nombre de la banda es Whitney, con mi voz, e incluso con el antecedente de Whitney Houston, sabemos que podemos ser confundidos por mujeres, y está muy bien. La industria musical está dominada por los hombres y se deben tomar todos los pasos necesarios para que sea más equilibrada.

Estarán por primera vez en Chile. ¿Tenías alguna referencia sobre este país?

Conocía a Chile por las conversaciones con otras bandas, que te decían que “el tour sudamericano es lo mejor que te va a pasar”, y otras cosas así. Todos estaban de acuerdo con que era algo muy divertido y que debía ver con mis ojos. Recuerdo que conversé con gente que ha ido a Fauna Primavera, que es un festival no muy grande, pero con gente muy entretenida, con un ambiente muy bueno para el público y las bandas. Espero con muchas ganas verlos por allá.

Fotos por Miranda Chiechi y Matt Lief Anderson

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Entrevistas

Philip Selway de Radiohead: “Queremos volver a Sudamérica, pero no hay nada concreto por el momento”

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Philip Selway

No hay duda de que Radiohead es una de las bandas más queridas por los chilenos, algo comprobado durante los dos shows que los británicos realizaron en Santiago el año 2009. Ahora, ocho años después, sus fanáticos todavía siguen esperando por buenas noticias de parte de Thom Yorke y compañía, ya que la gira de su álbum “The King Of Limbs” (2011) no pasó por Sudamérica, y en cuanto al periplo que promociona “A Moon Shaped Pool” (2016), su último trabajo, todavía no da pistas de llegar a nuestro territorio. En estos momentos, gran parte de sus integrantes se encuentran trabajando en proyectos de carácter solista, como es el caso del baterista Philip Selway, que en octubre lanzó el soundtrack para la película “Let Me Go” (Polly Steele, 2017), su tercer trabajo de manera solitaria dentro de su carrera.

Bajo ese contexto, tuvimos la oportunidad única de entrevistar a Selway, quien nos atendió amablemente al teléfono desde Londres para contarnos sobre sus proyectos actuales y la manera en que trabaja al momento de entrar al estudio, entre otras cosas. Siempre alegre y muy abierto a responder todas nuestras interrogantes, el músico nos comentó sobre la creación de su último disco, por qué decidió hacer álbumes de manera solista, en qué se encuentra Radiohead en estos momentos, como fue el proceso detrás de “A Moon Shaped Pool”, su pequeño cameo en una película de Harry Potter, y lo que todos quieren saber: qué tan posible es tener a Radiohead en sudamérica durante 2018. Te dejamos a continuación con la conversación entre HumoNegro y Phil Selway.

Acabas de lanzar en octubre el soundtrack de la película “Let Me Go”, ¿qué nos puedes contar sobre el proceso detrás de él?

Bueno, este fue mi primer soundtrack, así que tuve que aprender muchas cosas. Se acercaron a mí cuando recién estaban iniciando el proceso de hacer la película, conversé con la directora Polly Steele y la productora Lizzie Pickering cuando apenas estaban consiguiendo el financiamiento. Polly había trabajado en el guion por varios años y tenía la idea de preguntarme si yo estaba interesado en trabajar haciendo la música. Así se dio todo, básicamente estuve involucrado durante casi toda la producción, en un principio sólo tenía algunas ideas de lo que iba a realizar.

En cierto punto estaba trabajando paralelamente en el último álbum de Radiohead, “A Moon Shaped Pool”, así que durante las mañanas lo hacía en lo del soundtrack. Discutimos varias ideas y presencié mucho de lo que ocurrió en la producción, conocí al casting, e incluso revisé la cinematografía con el fin de incorporar esos elementos dentro de la banda sonora, ya que eso afecta el tono de la música. Como te dije, tuve que aprender muchas cosas porque este fue mi primer –y único– soundtrack hasta el momento, pero haber tenido la posibilidad de estar envuelto desde prácticamente el principio fue una experiencia muy enriquecedora, aprendí mucho sobre cómo hacer una OST y también sobre cómo se hace una película.

¿Es más complicado hacer música específicamente para una película en vez de un álbum solista o con Radiohead?

No es tanto más complicado como podría parecer; de hecho, creo que es bastante interesante trabajar sin los parámetros de ese “esfuerzo creativo” de alguien más, eso es algo que se tiene cuando eres parte de una banda. Aquí se hace un trabajo más personal, utilizas tu propia manera para conseguir el tono adecuado, el ambiente ideal para las escenas, por ende, estás trabajando con un molde predeterminado, lo que es muy inspirador y, a su vez, como no estás trabajando un álbum solista, debes encontrar un camino especifico para desarrollar la música.

No todo lo que pienses para el soundtrack debe funcionar realmente, ahí está la diversión cuando trabajas con parámetros ya establecidos. Cuando haces un disco solista o un disco con tu banda puedes ir en cualquier dirección, lo que es más liberador, pero también más intimidante. Esa presión al trabajar es buena, y es genial que te pidan hacer una colaboración de esa manera.

Quiero pasar a tu primer álbum solista, “Familial” (2010), donde pudiste colaborar con varios músicos. ¿Por qué quisiste hacer un álbum solista en ese momento?

Hace unos diez años me surgió la idea de hacer un álbum solista. De hecho, en 2007 comencé a componer cosas para “Familial”; siempre estaba planteando algunas ideas en la banda y algunas se iban desarrollando. En cierto momento tuve una colección de canciones y sentía que no estaría del todo bien adaptarlas al contexto de Radiohead porque iban en una dirección diferente musicalmente. Estar en Radiohead es fantástico, todos estamos muy orgullosos de eso, pero ahí tengo un rol en específico que es ser el baterista. Había un montón de elementos músicales que quería explorar, además de algunas canciones que eran de carácter más personal para mí, así que todo terminó dándose de manera natural. Era lo más sensato hacer un álbum como solista.

Sé que hacer un soundtrack siempre fue tu sueño. Ahora que ya lograste cumplirlo, ¿qué es lo que sigue en tu carrera solista?

Hacer más soundtracks, espero (risas). Quiero hacer más álbumes solistas porque cada colaboración artística en que uno se involucra presenta nuevos desafíos, expande tu espectro de maneras que quizás no esperarías. Encuentro que todo eso es muy emocionante, tengo muchas cosas por aprender todavía. Cuando tocas o compones, siempre será de la forma que tú quieras, y con Radiohead también pasa lo mismo. Siempre hay algún objetivo que alcanzar en la música, eso es lo que motiva a continuar adelante.

¿Cómo va todo con Radiohead? ¿En qué punto se encuentran en estos momentos?

Actualmente, estamos discutiendo la posibilidad de girar el próximo año, y es necesario conversarlo porque casi todos estamos haciendo cosas de manera solista. Una vez que podamos dilucidar lo que queremos hacer en términos musicales durante el próximo año, será algo así como una culminación, ya que pasará un buen tiempo antes de hacer otras cosas; es importante pensar bien la forma que le daremos a la música que vayamos realizando. Ya estamos acostumbrados a trabajar durante un período muy largo de tiempo, lo hemos hecho durante los últimos 15 años. Entre comenzar a hacer un álbum, grabarlo, irnos de gira, y otras cosas, eso nos toma una buena cantidad de años, luego nos alejamos un poco de aquello para pensar lo que haremos a continuación. Estamos bien ocupados con nuestros proyectos, lo estamos disfrutando y no estamos pensando realmente en lo que viene para el futuro.

Quisiera que hablemos de “A Moon Shaped Pool”, el último álbum de Radiohead. Considero que este disco logra reflejar la sólida capacidad de composición que tiene la banda, demostrando que trabajan muy bien entre todos. ¿Fue un proceso demasiado exigente para lograr un resultado así de satisfactorio?

Hicimos una buena cantidad de sesiones en nuestro estudio. Inicialmente nos restringimos a trabajar en sólo ocho canciones, pero eso se expandió a dieciséis porque estábamos muy enfocados en desarrollar lo que estábamos haciendo. Construimos un montón de canciones y durante la edición tuvimos que decidir con cuáles nos moveríamos, eso le dio un impulso a nuestro trabajo. Es un privilegio entendernos tan bien entre nosotros musicalmente hablando, aunque en cierto punto debes tomar decisiones y llegar a un acuerdo, por lo que las sesiones ayudaron a regresar esa disciplina de trabajo. En resumidas cuentas, todo eso colaboró en el proceso, fue bueno enfocarse en mantener esa disciplina y comprender el arte de llegar a un consenso (risas).

Phil, sé que aún están hablando sobre el futuro de la banda, pero debo preguntarte lo que todos quieren saber: ¿tendremos la posibilidad de ver a Radiohead en Sudamérica el próximo año?

Realmente espero que así sea. Es algo que hemos estado conversando con la banda en estos días; queremos volver a Sudamérica, pero no hay nada concreto para anunciar o comentarte en estos momentos. Ha pasado mucho tiempo, desde 2009 que no vamos para allá, y desde mi punto de vista siento que ya ha pasado demasiado, así que espero volver.

Esperemos que esto se concrete, tenemos muchas ganas de verlos acá. ¿Cuáles son tus mejores recuerdos de la gira sudamericana en 2009?

Hicimos muchos shows en una cantidad de tiempo muy corta y todos fueron maravillosos. Buenos Aires fue un concierto increíble, estoy agradecido de haber llegado a lugares que no es tan fácil ir. Cuando acaba un concierto regresas a casa, pero tu música no, sigue allá con los fans y, como es muy bien recibida, termina significando algo para la gente, la acompaña todos los días. En el momento que estás allá es realmente increíble presenciar lo mucho que tu música significa en sus vidas, para una banda tener ese privilegio es algo increíble.

Desde que vi tu cameo junto a Jonny Greenwood y Jarvis Cocker en “Harry Potter And The Goblet Of Fire” (Mike Newell, 2005), siempre quise preguntarte esto: ¿cómo terminaron siendo parte de la saga “Harry Potter”?

Bueno, recibimos una carta desde Hogwarts y ese fue el inicio de nuestro viaje (risas). Sería genial contarte esa historia, pero fue así: había una banda ficticia que debía aparecer en la película, The Weird Sisters, y tocaban en Hogwarts. En un principio, nos invitaron junto a Jonny para hacer algunas sesiones de estudio, las que resultaron muy bien, por ende, nos invitaron a ser parte de la película. Estuvimos alrededor de tres días grabando nuestras escenas en un enorme estudio ubicado en Leeds, Inglaterra, donde hacen la mayoría de las películas, y fue increíble, realmente nos sentimos como si vivimos toda esa magia del mundo de Harry Potter durante nuestra estadía (risas).

Además de la batería, también tocas la guitarra. ¿Por qué optaste por perfeccionarte más en el primer instrumento?

Desde siempre amé la batería, era algo que me interesaba dentro de la música. Me especialicé mucho en ella y al mismo tiempo igual estaba tocando guitarra. Pero cuando llegué a Radiohead ahí todos tocan guitarra y no había un baterista, así que tuve que ocupar ese puesto (risas).

Phil, creo que nos estamos quedando sin tiempo, esta entrevista se pasó volando. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a tus fans en Chile para finalizar?

Espero que podamos cantar juntos muy pronto, lo pasé muy bien cuando estuvimos en Santiago. Realmente quiero volver a Chile, les agradezco por seguir interesados en nuestra música y en la banda.

Muchas gracias por tu tiempo, Phil, esperamos verte pronto por acá.

Gracias a ti por tu tiempo, Manuel. Cuídate mucho. ¡Hasta pronto!

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