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Julien Ehrlich de Whitney: “El escenario es un lugar sagrado”

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Uno de los nombres más llamativos del próximo Fauna Primavera, que se realizará este 11 de noviembre, es Whitney, la banda que surgió de las cenizas de Smith Westerns cuando Cullen Omori quiso aventurarse como solista, no sin antes basurear a sus ex compañeros. Conversamos con Julien Ehrlich, vocalista y baterista de la agrupación y, aunque no nos concentramos en ese tema, queda claro que parte de la fuerza que motivó a Whitney en sus inicios fue romper con ese pasado y crear algo nuevo, que con “Light Upon The Lake” (2016) concertó uno de los mejores discos debut de la pasada temporada, generando un sonido que puede mirar al futuro cercano con optimismo, tal como se podrá ver en el escenario de Espacio Broadway.

Primero, para hablar del disco, ustedes lo grabaron en un espacio único, ¿fue aquello el componente clave del sonido?

Creo que el proceso de composición fue la llave. El lugar donde grabamos no importaba tanto, porque creo que hubiéramos hecho el mismo disco de cualquier manera. Lo escribimos atascado en el más crudo invierno de Chicago, encerrados en un departamento de porquería, casi con el sueño de una mejor vida y esperando que esto nos llevara a cumplir con eso.

Preguntaba eso porque el disco tiene una vibra diferente en el sonido que está dentro del lo-fi, como la ausencia del reverb que parecía ley. Entonces, ¿cómo llegaron a este sonido más único, con vibras soul?

Yo supongo que estábamos haciendo un disco que sonara como todos los registros con los que estábamos obsesionados. Queríamos evadir el uso de cosas como el reverb y casi sin delay. Que fuera cálido y muy directo, y al mismo tiempo hace sentido porque todo en los últimos seis años o más –quizás desde 2008 a 2014– ha sido pintado alrededor de bandas indie haciéndose cada vez más y más grandes, con letras y voces cada vez más golpeadoras y grandilocuentes, con canciones que fueran super honestas y creíbles, donde todas las líricas fueran fácilmente descifrables y donde la voz sonaba al comienzo medio rara. Sin embargo, empezó a crecer y a desarrollarse entre nosotros, y vemos que a la gente le gusta, lo que es muy genial.

Una cosa interesante también es que ustedes estaban pasando por un proceso de cambio en sus vidas, casi como un renacimiento.

Sí, estábamos en un punto crucial de nuestras vidas. Creo que nunca lo he planteado como una “crisis del cuarto de vida”, pero eso es prácticamente lo que fue. La banda (Smith Westerns) era una cosa tan establecida, que cuando acabó todo empezó a derrumbarse. Nos echaron de nuestros departamentos, pasaron demasiadas cosas malas, y por eso creo que vimos que la mejor forma era crear el disco que mejor pudiéramos armar. Y se puede escuchar eso en el álbum; es el sonido de dos personas perdiendo la cabeza un poco, creo.

Ustedes (con Max Kakacek) son el dúo que compone en la agrupación, pero colaboran con una banda completa y gente de otros lados al grabar y llevar el disco en vivo. ¿Cómo es ese proceso?

Simplemente trabajamos con nuestros mejores amigos en la banda, entonces no es algo complicado. Ellos estuvieron en nuestro departamento, vieron la escritura del disco, así que no fue difícil. Sí lo puede ser el convertirse en una buena banda, que exige trabajo, pero no en el hecho de abrirnos emocionalmente a ellos y decirles “estas son las canciones”, porque ellos son nuestros amigos.

¿Cómo han sentido el reconocimiento al disco? Porque cuando salió hubo muchas buenas palabras.

Se siente bien, pero queremos concentrarnos en lo que hacemos y poder forjarnos una verdadera carrera. No nos basamos en que la crítica buena se nos vaya a la cabeza. Cada noche salimos al escenario a hacer nuestro trabajo y a hacerlo lo mejor posible para entretener a la gente, darle un buen rato, porque el escenario es un lugar sagrado, así que nunca hemos intentado faltarle el respeto. Todos los músicos, y gente que hemos respetado y querido, los queremos hacer sentir orgullosos.

Ese concepto me interesa: el del respeto. Se nota en el disco que todo está pensado con el fin de respetar las canciones y los sonidos, como el uso de la trompeta, quizás del jazz o el blues.

Sí, así es. No soy un nerd pasando por una “fase de jazz”, pero sí estoy muy pegado con un músico llamado Mulatu Astatke que hace jazz etíope, y estábamos muy atentos a eso cuando hacíamos el disco. No se trata de copiar o algo así, pero sí de concentrarnos en hacer buenas canciones.

En nuestro país hay debates y se ha puesto el tema del espacio y respeto a las mujeres en el mundo de la música. Ustedes eligieron un nombre femenino para su banda, entonces quiero saber cuál es su postura e ideas en este tema que hoy importa tanto.

Definitivamente tenemos nada más que respeto por las músicas mujeres, y nuestra sensibilidad lo entiende así, por lo que nuestro sonido no tiene trabas con que se caracterice por lo andrógino. Cuando un oyente al comienzo nos escucha por primera vez, al ver que el nombre de la banda es Whitney, con mi voz, e incluso con el antecedente de Whitney Houston, sabemos que podemos ser confundidos por mujeres, y está muy bien. La industria musical está dominada por los hombres y se deben tomar todos los pasos necesarios para que sea más equilibrada.

Estarán por primera vez en Chile. ¿Tenías alguna referencia sobre este país?

Conocía a Chile por las conversaciones con otras bandas, que te decían que “el tour sudamericano es lo mejor que te va a pasar”, y otras cosas así. Todos estaban de acuerdo con que era algo muy divertido y que debía ver con mis ojos. Recuerdo que conversé con gente que ha ido a Fauna Primavera, que es un festival no muy grande, pero con gente muy entretenida, con un ambiente muy bueno para el público y las bandas. Espero con muchas ganas verlos por allá.

Fotos por Miranda Chiechi y Matt Lief Anderson

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Entrevistas

Tony Hajjar de At The Drive-In: “Lo estamos pasando excelente como banda en estos momentos”

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Tony Hajjar

Cada vez falta menos para el esperado debut de At The Drive-In en nuestro país, quienes llegarán para presentarse por partida doble, deleitando a sus fanáticos con una sobredosis de potencia. Primero, con un show en solitario ya agotado en Cúpula Multiespacio el viernes 9 de noviembre y, al día siguiente, en la octava versión del festival Fauna Primavera, donde compartirán escenario con artistas como Lorde, Death Cab For Cutie y MGMT, entre otros.

Con toda una historia a cuestas, la banda regresó a la actividad en 2014, lo que se tradujo en el lanzamiento en 2017 de “in•ter a•li•a”, su primer álbum en 17 años. Bajo aquel contexto, nos sentamos al teléfono y conversamos con Tony Hajjar, encargado de las baquetas, quien también tiene una trayectoria con la banda Sparta y Gone Is Gone, su más reciente proyecto con miembros de Queens Of The Stone Age y Mastodon. Por supuesto, le preguntamos al baterista por sus reflexiones en torno a la reunión de At The Drive-In, así como también de sus proyectos alternos, el futuro de Gone Is Gone, su fanatismo por St. Vincent, las diferencias de esta nueva vida de la banda en comparación con el período anterior, su postura frente a “Relationship Of Command” (2000), la obra más controversial de su discografía, entre otras cosas, en una conversación que te dejamos íntegramente a continuación.

Tony, quisiera que partamos obviamente hablando sobre la reunión con la banda. Primero hicieron algunos shows en 2012, pero luego eso tomó fuerzas y volvieron a tener actividad constante. ¿Como fue volver a compartir después de tantos años?

Se sintió muy bien, originalmente comenzamos a hablar del tema en 2011, ya que nos juntamos a compartir por algunos días y lo pasamos muy bien recordando nuestro período con la banda. A raíz de eso decidimos juntarnos de nuevo y hacer esos shows de 2012, donde estuvimos en Coachella. En 2014 hablamos de volver a girar, acoplarnos de nuevo, escribir mientras estuviéramos girando y luego hacer nueva música, lo que se fue dando muy bien afortunadamente.

¿Se te pasó por la cabeza alguna vez que la reunión sería mucho más que un par de conciertos?

Definitivamente no teníamos un plan al respecto; en octubre de 2014 decidimos eso, antes no se me pasó por la cabeza. El plan era ir de gira, ver cómo nos iba componiendo y luego grabar. Todo se dio muy bien, fue genial.

¿Fue muy diferente hacer “in•ter a•li•a” (2017) en comparación a los álbumes anteriores de At The Drive-In?

Si, por supuesto, siempre es diferente, siempre quieres ser diferente. Esta vez estábamos más calmados, teníamos a Omar como productor, además que eso cambió las cosas. Todo fue genial, eran muy buenos cambios, pero aún así seguía siendo At The Drive-In. Todos ponían sus ideas, todos aportaron. Lo pasamos tan bien, que terminamos sacando un EP posteriormente, eso demuestra que lo estamos pasando excelente como banda en estos momentos.

¿Como describirías la diferencia entre hacer shows ahora y hacerlos antiguamente?

Ahora hay gente que va a vernos, eso es bueno (risas). Antiguamente, en muchos shows no había nadie, ahora tenemos un público que nos apoya y después de todos estos años sigue interesado en nuestra música y en apoyarnos, estamos muy agradecidos de eso.

Acá en Santiago tocarán dos veces: primero un show en solitario y luego en el Festival Fauna Primavera. ¿Será necesario implementar cambios para una presentación y otra?

Sí, el festival no es tu show, tienes que dejarte llevar un poco y pensar diferente, dejar pasar ciertas cosas y tocar tus 40, 50 minutos o una hora. No hay prueba de sonido, retraso, nada. Sólo sales y tocas tu música, es algo menos elaborado que nuestros shows en solitario.

Es curioso que en sus festivales sudamericanos compartirán cartel con muchas bandas de música más “pop”, si podríamos llamarlo de alguna forma. ¿Es más complicado atraer la atención del público cuando se trata de un festival?

Esa es una buena pregunta. Afortunadamente –o desafortunadamente, como quieras llamarlo– la mayoría de los festivales ahora son pop. Incluso Coachella acá en Estados Unidos o Reading en Reino Unido es pop, tienen un par de bandas de rock. Aún así, hay muchos festivales sólo de rock y tenemos la fortuna de elegir donde tocar. Cuando tocamos con System Of A Down o Royal Blood, por ejemplo, son shows diferentes en comparación a tocar en un festival con bandas de pop. Ahí sólo hacemos nuestro show y esperamos que a la gente le guste.

Vi en tu Instagram que fuiste a un concierto de St. Vincent. ¿Sueles disfrutar de música nueva?

Oh, sí, a veces voy a festivales y veo algunas bandas. En 2012 cuando hicimos Coachella vi a St. Vincent por primera vez y me voló la mente, así que ahora cada vez que puedo o me la topo en la ciudad voy a verla, es increíble. Vi un show donde también estuvo Erykah Badu y fue uno de los mejores conciertos que he ido. Soy su fan, es música de corazón, todo lo que venga del corazón es algo que destaca, por ende, seré un seguidor.

Pasemos a Gone Is Gone, tu otro proyecto. He leído que esta banda surgió solo por la necesidad de hacer algo con personas nuevas. ¿Es tan así?

No realmente, la idea salió cuando Mike Zarin y yo estuvimos haciendo música para trailers y había una melodía que nos daba vuelta, por lo que se nos ocurrió hacer una canción a raíz de ella. La grabamos, buscamos un cantante y apareció Troy Sanders y nos encantó lo que hacía, lo amamos como persona. Es un proyecto de arte que nos tomamos muy en serio, lo describimos como una banda que ninguno de nosotros necesitaba, pero que todos queríamos. Todos amamos la banda, sabemos que estamos muy ocupados, pero queremos encontrar el momento el próximo año para hacer algunos shows.

Sé que a futuro pretenden experimentar con tecnología VR (Realidad Virtual). ¿Siguen en pie esos planes?

Sí, conocimos mucha gente en el mundo del VR, por lo que queremos hacer algo en nuestra siguiente etapa. Somos cuidadosos en todo lo que transforma a Gone Is Gone en algo más artístico; lo vemos como un proyecto en vez de una banda, siempre estamos buscando ideas nuevas y el VR es algo que nos interesa mucho a futuro.

Y en cuanto a nueva música, ¿tienes planes ajenos a At The Drive-In o Gone Is Gone?

Sí, siempre estoy escribiendo por mi cuenta. Estoy trabajando con un amigo con el que quizás armemos algo, pero no puedo contar nada todavía. De vez en cuando Cedric viene a visitarme y hacemos algunas cosas, siempre estoy tratando de hacer cosas nuevas en el estudio, a ver qué es lo que sale de eso.

Volvamos a At The Drive-In. He leído muchas veces que no están del todo conformes con “Relationship Of Command” (2000), al punto que Omar dijo que odiaba la mezcla del álbum por ser demasiado plástica. Esto es muy curioso, ya que finalmente fue su álbum más exitoso. ¿Estás de acuerdo con eso?

A ver, éramos jóvenes en ese tiempo, al menos hablaré por mi cuenta. La mezcla es genial, teníamos a Andy Wallace haciendo la mezcla, es increíble y suena muy bien, pero teníamos la mezcla original que es mucho más cruda y es como oír a la banda tocando en tu sótano, espero que podamos lanzarlo alguna vez porque es una locura.

Bueno, Tony, se nos acaba el tiempo. Los fans están muy entusiasmados por las dos presentaciones de At The Drive-In en Chile, su show en solitario ya está agotado. ¿Quisieras dedicar unas palabras a tus seguidores?

Por supuesto. Sólo quiero agradecerles a todos en Chile por su apoyo, estamos muy felices por llevarles At The Drive-In finalmente, así que haremos que el show sea lo mejor posible. Sé que esperaron por esto tanto o incluso más que nosotros, por lo que deseo verlos a todos disfrutando con nosotros en esas dos noches.

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