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Juana Molina: “Ya no me dicen que estoy loca por la música que hago”

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Hablar de Juana Molina es hablar de una historia llena de puntos de giro. Desde ser una comediante, hija de un cantante de tango, Juana decidió ser una cantante, colgarse la guitarra y sacar “Rara” el ’96, y también darle con muchos sonidos más, marcando su camino con huellas de una búsqueda de los matices incansables y con una historia llena de incomprensión, tanto en su Argentina natal, como desde los públicos masivos e incluso desde los propios músicos. Pero con “Un Día” (2008) y “Wed 21” (2013) Juana Molina ganó adeptos, elogios, y también ganó un poquito de comprensión en lo que hace. Algo es algo, y la persistencia en lo suyo trajo resultados, aunque ella casi ni lo note.

La tuvimos en Chile por segunda vez, en el GAM, tocando en el Festival Neutral el pasado 01 de marzo donde, sin duda alguna, armó uno de los mejores y más desconcertantes shows, con problemas y todo.

Acá la conversación que tuvimos con ella, donde queda claro que con Juana Molina las certezas son evanescentes y la genialidad de la cantautora prevalece:

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Cuando revisaba material de otras entrevistas me fijé que todo el mundo estaba obsesionado con la categorización de tu música, buscando en qué te defines en materia de estilos. Entonces, no se cuánto pudo haber afectado a la percepción de tu música que te hayan tratado de meter en cajas chiquititas…

(Interrumpe) Y que no lo lograron (sonríe).

…y que no lo lograron, en el tema de no dejarte en medio de un nicho muy chiquito.

Yo no lo siento así, sino que lo siento al revés: como no se me puede clasificar entonces pertenezco a más géneros, aunque creo que no pertenezco a ninguno. Pero no, no, no, no es un problema mío.

Es un problema de la gente.

Sí. Eso es.

El proceso de notoriedad de tu música ha sido difícil. Después de tanto tiempo, recién tienes un reconocimiento transversal, con “Wed 21”, que antes venía de grupos más pequeños. Cómo fue encontrarse con esto ahora.

No me doy cuenta de eso que dices, tan de esa forma.

Tú te concentrabas en lo tuyo.

Es que no me di cuenta que las cosas eran tan así. Sí me di cuenta que tuve más prensa, pero menos nota de calificación, cosa que me alegra. Más comentarios de gente y menos reportajes.

¿Y cuál fue tu proceso para “Wed 21”, en su creación?

La diferencia más grande radica en las estrucutras y las dinámicas de las canciones. Puede ser un poco la química también, pero los elementos son casi todos los mismos desde el segundo disco (“Segunda”). Es difícil a veces poder describir lo que se hace porque uno está a diario consigo mismo, entonces uno no se da mucho cuenta de lo que va cambiando paulatinamente ni lo ve como un cambio repetino. Pero como te decía, para mi la gran diferencia es la dinámica y la estructura.

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En ese sentido, ahora se nota que hay un cuidado en los matices y en la dinámica que existe en tu trabajo, que también se condice con una escena que hoy está atiborrada de chicas como Julia Holter, Cate Le Bon, St. Vincent, y no sé si has notado cómo ha cambiado el panorama.

No conozco a ninguna de ellas. Yo me empecé a meter en esto en el 97, 98, entonces no noto cuando hay más o menos gente. Y sí, claro que ha cambiado la cosa para mi. Lo principal es que ya no me dicen que estoy loca. Me daba rabia porque me parecía que lo decían para indicarme que lo que hacía era una porquería. ‘Ay, mirá lo que hacés’ era una forma simpática de decir algo horrible. Muchos músicos con los que hablaba me preguntaban de vuelta ‘¿Estás segura de que quieres sacar esto?’ cuando escuchaban “Segundo”, que para mi es el disco que marcó el camino. ‘Por qué no los trabajás un poquito’, me decían también. Y bueno, esas cosas después se van repitiendo y haciendo más comunes, y la gente inconscientemente va identificando como suyo un sonido así, pero bueno, qué se yo. Me acuerdo que un amigo en 2004 me dijo ‘ay, se puso de moda la música que hacés vos’, no era mi música la que se había puesto de moda, sino que la prensa había decidido que estuviera de moda. Y bueno, qué rabia, qué se le va a hacer.

Por lo menos ahora existe una conciencia de tu música. Una valoración que quizás pasó porque tu música estaba, quién sabe, adelantada a su tiempo.

Eso yo no lo sé. Antes, cuando yo terminaba de tocar, la mitad de la gente se quedaba después del show para ver qué era lo que tenía en el escenario, para ver cómo lo hacía. Antes era realmente muy novedoso. No se si eso me conviene.

Juana-Molina

El proceso de armado de tus canciones debe ser más personal, lo que me hace pensar en la diferencia que marca el hecho de plasmarlas en un espectáculo en vivo.

El único pensamiento sólo viene en el momento de armarlo para el show, porque en el momento de componerlo no hay una idea previa a la canción, y pasando ese momento yo siento que es un caudal de información que me va llegando, que estoy recibiendo y que voy acumulando, así lo pienso como un bordado y me puse a hacer el bordado, y lo que está rosa por acá queda rosa, y celeste por allá arriba (hace gestos como bordando), luego veo si ese celeste le saco o agrego unos puntos y todo queda en ese mismo momento. No es que yo grabe unas cosas y luego vea qué hago con eso. Cada cosa que llega se acomoda, como cuando haces la valija: llega, te instalas, desde la repisa, son entidades que ya están ahí. Por eso a veces cuando conectan mal los cables, al revés, y no suena stereo, yo digo ‘¿Qué pasó?’. No es lo mismo que una canción que no tenga esa estructura pictórica esté así, porque no está sino al revés. El equilibrio se me cambia y por eso no puedo escucharlo cuando está al revés.

Se te descompone el cuerpo.

Sí (risas). Y bueno, después en el momento cuando el disco está editado, salió y pienso ‘¿Cómo voy a representar esto para que la gente lo reconozca?’. Al principio creí que era una tarea imposible, y ponía todo y estaba con pistas y duró dos, tres conciertos. Luego me empecé a fijar en qué es lo esencial, eso que hace a la canción, porque hay algunas que están llenas de cosas como “El Perro” que está en “Segundo”, y esa canción la puedo tocar con la guitarra sola, y la gente siente que estoy tocando “El Perro”. Y casi cualquier canción la puedo definir en esos sonidos mínimos, y por eso toqué sola muchos años. Lo que no me permitió este disco fue la dinámica de las canciones para hacerlo sola. Necesitaba músicos, primero estaba con Marín el tecladista y realmente estuvimos semanas para descubrir cómo dejar la canción intacta aunque sea otra cosa, sin que parezca otra cosa.

O sea, la composición por sobre la forma.

Sí. Que por más que cambien elementos, la canción siga ahí, porque no falta quién pensaría ‘ay, entró antes’, ‘ese sonido no es’, y yo quiero decir que la canción tiene un desarrollo con la misma identidad, para decirlo con una palabra pretenciosa, que la canción grabada. Eso con algunas canciones de este disco fue muy difícil. Fueron semanas de elucubrar qué hacer. Incluso hay temas que todavía no tocamos porque todavía no encontramos la forma, aunque estamos cerca. Si me hace el click me doy cuenta, ‘ay, lo que debemos hacer es esto’, y sale una versión que representa a la versión del disco. Son sus representantes en vivo (risas).

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En tu último show en Buenos Aires tocaste casi completo “Wed 21”.

Es que estoy presentando el disco (risas)

Y ahora nos encontraremos con algo similar.

Sí, y me pasó cuando me encontré con gente que me preguntaba ‘¿Vas a tocar esta canción?’ y yo respondía ‘No’. ‘¿Y está otra?’, ‘Tampoco’. Y qué le voy a hacer. El tiempo es acotado y acabo de sacar un disco, y no puedo presentar temas de discos más antiguos. Igual me cuesta porque a mi no me gusta hacer shows muy largos, cuando siento que se acabó, ya está, es suficiente y a veces, no sé si es una percepción errada, pero siento que la tensión, todo lo que la gente puso y lo que puse yo llegó a un límite, y que ahí se acaba el show, y en general eso se cumple luego de la hora, hora y diez, cuando mucho, y para hacer todas las canciones que me gustan, tendría que hacer mínimo un show de dos horas. No da para eso. Hay gente que toca como tres. No se cómo lo hacen.

También, quizás, te queda más cómodo así.

No sé, quizás. No quiero invadir. Porque hay momentos en los que pienso ‘todo bien, todo bien, todo bien’, y de pronto temo a que alguien mire con cara de ‘¿Cuánto más va a tocar?’. Porque para tocar tres horas debes tener canciones para que valga tres horas. Paul McCartney toca tres horas, pero es Paul McCartney. Cada canción renace la esperanza en la felicidad, no sé. No es mi caso. Si fuera un show para los ultrafans, en que estén ultra contentos todos, como en el de Buenos Aires que indicaste, donde toqué hora y media. Si no es así, no, y además que presentamos “Wed 21” que es lo que nos convoca y con lo que estoy feliz.

Por Manuel Toledo-Campos

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Romualdo Arias

    07-Jul-2014 en 6:36 pm

    Dios mio, que vieja pretenciosa de mierda, viene susurrando pelotudeces de forma desganada sobre loops desde hace una decada y se cree super “rarita” y especial.
    Que alguien le de clases de humildad a esta mujer snob porfavor.

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Entrevistas

Mark Bowen de IDLES: “Quisimos destilar la banda a su forma más esencial”

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IDLES

Uno de los nombres que más comentarios se ha llevado en los últimos años es IDLES, banda oriunda de Bristol que se ha ido abriendo camino poco a poco a punta de excelentes álbumes. Primero fue “Brutalism” en 2017 y luego “Joy As An Act Of Resistance.” En 2018, este último marcando un verdadero precedente en esta trinchera como el mejor álbum de ese año. Pero ahora la banda, más que seguir gozando de los elogios (algo que muchos hacen con apenas un par de trabajos actualmente), prefiere mirar adelante y adentrarse en una nueva etapa con “Ultra Mono”, su recién estrenado nuevo disco y que aspira a convertirse en una de las obras más destacadas de 2020.

Si bien, el disco ya tiene algunos días publicado, HumoNegro pudo escucharlo de manera anticipada antes de una grata conversación con Mark Bowen, guitarrista principal de la agrupación, con quien revisamos una serie de puntos de este trabajo, además de reflexionar sobre el éxito, la idea de IDLES como una banda en vivo, su pendiente debut en Chile y la influencia del segundo álbum en la banda, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Mark, ¿cómo estás?

Estoy bien.

Te llamo desde Chile. Mi nombre es Manuel y es muy bueno hablar contigo. ¿Cómo han ido los últimos días?

Sí, estoy bien. Es un momento bastante inusual para lanzar un álbum, así que hay un montón de nuevos e inesperados desafíos con eso. De todas formas, sigue siendo algo bueno, estoy contento por este nuevo álbum, así que, ¡vamos a hacerlo!

Escuché el álbum completo antes de que habláramos y es realmente increíble, así que me gustaría que partiéramos hablando del desarrollo detrás de este disco. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso creativo haciendo de este nuevo álbum?

Partió como una reacción a “Joy As An Act Of Resistance.” (2018). Recién habíamos terminado de mezclar y masterizar ese álbum y había algunos aspectos sonoros que no logramos del todo y queríamos trabajar en darnos cuenta por qué no lo habíamos hecho, pensar qué podíamos hacer en nuestro proceso de composición y grabación, queríamos poder sonar exactamente como queríamos hacerlo. Así que dimos con esta idea de que queríamos hacer algo como el hip hop contemporáneo y la música electrónica, poder identificar qué es lo que hacía esas cosas tan poderosas y, de hecho, es la singularidad.

En nuestra música, hasta ese punto, había mucho ruido de fondo; las guitarras tocaban cosas diferentes, nadie estaba poniendo atención a lo que hacia el otro. Podía sonar bien y caótico, pero en cierta forma templa la fuerza del mensaje, por lo que nos sentamos y quisimos calmar todo y destilar IDLES a su forma más esencial para que así pudiéramos realmente llevar este mensaje a través de estos pequeños gestos, como sencillas partes de guitarra, sencillas partes de batería, que realmente transmiten el mensaje, y luego quedó más que claro el tema de las letras o cuáles serían las temáticas que trataríamos. En ese minuto está el discurso social, la política, había muchas cosas pasando, especialmente en la izquierda, había mucha confusión, discusiones, disculpas, muchas cosas que hacían que cualquier mensaje perdiera la significancia, por lo que queríamos romper estas canciones que eran tan “blanco y negro”, tan simples y sencillas que no podían ser marcadas por algo más, esa era nuestra meta.

Para poder hacer eso en tu forma de componer, para poder decir estas cosas de forma sencilla en tu música, realmente debes aumentar tu confianza, porque es fácil cuando no estás confiado en algo. Hay que tener confianza para ayudar y decidir cosas como agregar alguna parte de guitarra, ese tipo de decisiones, eso es algo muy importante en el álbum, este mensaje de creer en uno mismo y tener determinación, creer en lo que quieres hacer y apegarte a algo. De esto se trata el álbum, este motiv de “Yo Soy Yo”, que es un arma de doble filo, ya que es como una arenga motivacional de “soy lo que soy, vamos”, o también de que “yo soy yo con todos mis defectos, virtudes; yo soy yo, y tengo que aceptar a esa persona”, por lo tanto, esa aceptación de uno mismo se transformó en una aceptación de lo que IDLES era y de lo que será. El sentimiento de “me estoy moviendo, estremeciendo, confío en mí”, emprender ese pensamiento para mejor, de esto se trata el álbum.

En cuanto a las letras, el mensaje es bastante claro, pero cuando nos vamos al sonido, lo primero que se vino a mi cabeza, especialmente cuando escuché la canción “The Lover”, fue que este disco pone el “sonido en vivo” de IDLES en un formato de estudio. Se siente como si estuvieran tocando estas canciones en un concierto. ¿Fue esto algo que intencionalmente quisieron hacer en el disco?

Sí, sí. Siempre está esa pelea entre la banda de que queremos dejar constancia de lo que somos en vivo. IDLES es principalmente una banda en vivo, eso es lo que hacemos, para eso componemos nuestras canciones, de eso se trata la banda: hacemos nuestra música para tocarla en vivo. Hay una energía cuando tocas en vivo que es muy difícil de capturar en un disco, y ahí es donde creo que Nick Launay y Adam Greenspan, nuestros productores, comprendieron eso como fans de la banda, y realmente lo lograron transmitir tan asombroso como les fue posible. Uno de los golpes de genialidad en este álbum es donde las baterías fueron grabadas, en algo así como un pequeño cuarto hecho de ladrillos; el cielo era de ladrillos, las paredes, todo. Eso permitió que tuviéramos este sonido cacofónico y violento en la batería, que es una parte fundamental de este disco, y una gran parte de esta canción que mencionaste, “The Lover”. Nunca había escuchado baterías como estas, y estoy tan contento de que estén en nuestro álbum (risas).

De hecho, escribí algunos apuntes de cada canción, y sobre esta puse que “es una de las canciones que más te hacen extrañar los conciertos”. Se siente como algo que desearían mucho tocar en vivo.

Sí, lo es (risas). Es prácticamente una canción para conciertos. De hecho, la compusimos durante una gira. Estábamos tocando en Alemania y la compusimos durante la prueba de sonido. Creo que es la única vez que la tocamos de alguna forma sobre un escenario, pero está diseñada para ser una canción de conciertos, no puedo esperar para que la gente la escuche. Además de eso, las guitarras son enormes, deben escucharlas en unos parlantes grandes, y háganlo lo más fuerte posible.

Me gustaría que habláramos de “Joy As An Act Of Resistance.”, segundo disco de la banda. Este fue escogido en nuestro sitio como el mejor álbum de 2018, y también el mejor de la década.

¡Oh, vaya! Muchas gracias.

Por esto quiero preguntarte cuál crees que es la principal influencia que este álbum ha tenido en la gente, y en la fanaticada de IDLES, especialmente.

Creo que la principal influencia que tuvo en nosotros como banda es que se transformó en una especie de motiv por el que vivimos ahora. “Joy As An Act Of Resistance.” es algo muy importante porque es realmente importante hacer las cosas con amor, compasión, con una mentalidad abierta. Debemos escucharnos los unos a los otros, compartir, ser capaces de sentirnos vulnerables y compartir tus sentimientos y pensamientos con los demás. Todo esto es algo por lo que nosotros como banda vivimos, y que se expandió a las comunidades alrededor de nosotros, como nuestros seguidores. Esta mentalidad abierta, este deseo de perseguir algo, incluso aunque parezca imposible, de sentirse bien a pesar de todo, sólo cosas buenas pueden salir de eso, y siento que ese es el legado de este álbum.

¿Sienten que este nuevo álbum es como el último capítulo de una trilogía? Lo pregunto por eso de que claramente hay un leitmotiv continuo en todos los discos.

Si, en cierta forma. Definitivamente hay un motiv que se mantiene, pero no creo que eso necesariamente se mantenga como la narrativa de una trilogía. Creo que con “Ultra Mono” alcanzamos el peak de IDLES. Siento que estamos por sobre la banda que hizo “Brutalism” o la que hizo “Joy As An Act Of Resistance.”. Con “Ultra Mono” llegamos a este peak de lo que nuestra banda es. Seguimos adelante y usamos este crecimiento de lo que somos en adentrarnos más en la experimentación y movernos de esa línea. Así que sí, se siente como una trilogía, pero no tiene la narrativa de “inicio, desarrollo, final”, es sólo el viaje de una banda comprendiendo quienes son.

Siento que este es el disco más diverso en cuanto a sonido; puedes oír un poco de cada período de IDLES en él. También estoy sorprendido por los nombres que están en el álbum, como Jehnny Beth, Warren Ellis o Kenny Beats, por lo que te pregunto: ¿por qué querían trabajar con estos colaboradores en este LP?

En este ejercicio de destilar IDLES a su forma más esencial, miramos estos conceptos que trata la banda, como la honestidad, la mentalidad abierta, auto aceptación, compartir, el sentimiento de comunidad. Esto último es una parte muy importante de IDLES, hemos formado comunidad entre la banda, con los colaboradores, también con nuestro público en los shows, los medios. Sentimos que ese sentido de comunidad era algo importante de tener en el álbum, y lo aplicamos teniendo voces externas a las cinco personas de la banda, gente como el saxofonista Colin Webster, David Yow en coros, Warren Ellis, Jehnny Beth, Jamie Cullum en el piano, todos son personas que pareciera no tiene mucho sentido tenerlas a juntas, pero funciona porque han mostrado interés en esos valores que promovemos, esa honestidad y entusiasmo en tener una mentalidad abierta, todos son IDLES. Por eso era importante tener sus voces en el disco.

Mark, lo siguiente es algo que pienso personalmente, por cierto. Creo que la banda va directo a su explosión de popularidad a nivel masivo. Pienso que ustedes serán –más bien, son ahora– una de las mejores bandas en el mundo. ¿Estás consciente de esta popularidad siempre en alza de IDLES?

Sí, ha sido todo un viaje. Con “Joy As An Act Of Resistance.” teníamos que promocionarnos nosotros mismos, nadie en la industria nos iba a tomar en cuenta y tuvo una popularidad más allá de nuestros sueños más locos. Creo lo mismo que tú dices: siento que con “Ultra Mono” esa popularidad llegará incluso más lejos, y también estoy de acuerdo con lo otro que dices de que IDLES es una de las mejores bandas del planeta (risas). Lo somos, es algo intencional, y lo digo de forma muy deliberada. Creo que eso nos presenta desafíos, que es un aspecto muy importante en nuestra relación como banda y también con los fans. Los fans sienten ese deseo de pertenencia, sienten que nuestros álbumes les pertenecen y eso es algo muy difícil de hacer.

A medida que te vas haciendo más y más popular, vas tocando en recintos cada vez más grandes, tus álbumes se venden cada vez más alrededor del mundo. Es difícil mantener eso, es difícil evitar que eso se desmorone, pero es una de las cosas divertidas de estar en una banda, tienes que enfrentarte a estos desafíos cada vez más difíciles. Nuestra tarea el año pasado, cuando pasamos de tocar en recintos con capacidad para mil personas a recintos para diez mil, presentaba un desafío enorme porque queríamos que todos se sintieran igual que en los shows de IDLES donde tocábamos para 200 personas. Esa es nuestra meta, teníamos que pensar realmente qué significaba estar ahí para cada una de las personas que asistía. Y lo digo de verdad, esto es cien por ciento como somos, y trabajaremos duro porque cada persona que descubra a IDLES pueda sentir eso.

Siento que esto es porque, por ejemplo, acá en Chile tuvimos muchas protestas en las calles el año pasado y eso coincide también con que especialmente la gente joven se siente muy motivada por la música de IDLES. Creo que, particularmente con “Joy…”, las canciones encienden una sensación de esperanza en las personas. Cuando iban a venir a Lollapalooza, la gente vio que IDLES iba a tocar a las dos de la tarde y todos estaban muy molestos porque querían tener un show completo, de noche y todo eso. Ahí fue cuando comprendí cuán popular es IDLES por acá. Bueno, todo esto que mencioné, es para preguntarte si te gustaría enviar algún mensaje a su público en Chile, que todavía están esperanzados de que puedan tocar acá, algún día.

Oh, sí (risas). Oh, Dios mío, no puedo explicarte lo entusiasmados que estábamos con la banda por ir a Chile y tocar para ustedes. Un gran factor motivante para nosotros ha sido ir a tocar para la gente donde sea que se encuentren, estábamos entusiasmados por todo esto. El hecho de que esos primeros shows que íbamos a tocar en el año hayan sido los primeros que se cancelaron fue algo lamentable. Les prometo que, en el instante que podamos volver, lo haremos. No tienen que preocuparse por la hora del día que tocaremos; de hecho, debo decirles que me gustan los shows de IDLES durante el día porque hay algo casi incongruente al vernos durante la luz fría del día, le añade una energía especial (risas). No se preocupen si será de día o de noche, igualmente daremos lo mejor sin importar la hora que sea.

Esta fue la última pregunta, ya que nos quedamos sin tiempo, Mark. Muchas gracias por la entrevista y felicitaciones por el disco, está realmente genial.

Sí, muchas gracias. Me siento muy honrado de que eligieran “Joy As An Act Of Resistance” como álbum del año, y ahora álbum de la década. Es un honor increíble. Me hace querer ir a Chile tan pronto como ahora mismo; si pudiéramos ir esta noche, iríamos esta noche. Estaremos allá, no se preocupen.

Bueno, siempre reviso los sets en festivales en YouTube y, cuando veo al público, pienso en que ustedes nunca jamás han visto un público como el de Santiago, se los prometo (risas).

Muy bien, estoy listo.

Bueno, Mark, espero que puedan venir a tocar acá. Cuídate mucho.

Muchas gracias, cuídate mucho. Adiós.

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