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Entrevistas

Juana Molina: “Ya no me dicen que estoy loca por la música que hago”

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Hablar de Juana Molina es hablar de una historia llena de puntos de giro. Desde ser una comediante, hija de un cantante de tango, Juana decidió ser una cantante, colgarse la guitarra y sacar “Rara” el ’96, y también darle con muchos sonidos más, marcando su camino con huellas de una búsqueda de los matices incansables y con una historia llena de incomprensión, tanto en su Argentina natal, como desde los públicos masivos e incluso desde los propios músicos. Pero con “Un Día” (2008) y “Wed 21” (2013) Juana Molina ganó adeptos, elogios, y también ganó un poquito de comprensión en lo que hace. Algo es algo, y la persistencia en lo suyo trajo resultados, aunque ella casi ni lo note.

La tuvimos en Chile por segunda vez, en el GAM, tocando en el Festival Neutral el pasado 01 de marzo donde, sin duda alguna, armó uno de los mejores y más desconcertantes shows, con problemas y todo.

Acá la conversación que tuvimos con ella, donde queda claro que con Juana Molina las certezas son evanescentes y la genialidad de la cantautora prevalece:

juana_molina

Cuando revisaba material de otras entrevistas me fijé que todo el mundo estaba obsesionado con la categorización de tu música, buscando en qué te defines en materia de estilos. Entonces, no se cuánto pudo haber afectado a la percepción de tu música que te hayan tratado de meter en cajas chiquititas…

(Interrumpe) Y que no lo lograron (sonríe).

…y que no lo lograron, en el tema de no dejarte en medio de un nicho muy chiquito.

Yo no lo siento así, sino que lo siento al revés: como no se me puede clasificar entonces pertenezco a más géneros, aunque creo que no pertenezco a ninguno. Pero no, no, no, no es un problema mío.

Es un problema de la gente.

Sí. Eso es.

El proceso de notoriedad de tu música ha sido difícil. Después de tanto tiempo, recién tienes un reconocimiento transversal, con “Wed 21”, que antes venía de grupos más pequeños. Cómo fue encontrarse con esto ahora.

No me doy cuenta de eso que dices, tan de esa forma.

Tú te concentrabas en lo tuyo.

Es que no me di cuenta que las cosas eran tan así. Sí me di cuenta que tuve más prensa, pero menos nota de calificación, cosa que me alegra. Más comentarios de gente y menos reportajes.

¿Y cuál fue tu proceso para “Wed 21”, en su creación?

La diferencia más grande radica en las estrucutras y las dinámicas de las canciones. Puede ser un poco la química también, pero los elementos son casi todos los mismos desde el segundo disco (“Segunda”). Es difícil a veces poder describir lo que se hace porque uno está a diario consigo mismo, entonces uno no se da mucho cuenta de lo que va cambiando paulatinamente ni lo ve como un cambio repetino. Pero como te decía, para mi la gran diferencia es la dinámica y la estructura.

JuanaMolina_hair2

En ese sentido, ahora se nota que hay un cuidado en los matices y en la dinámica que existe en tu trabajo, que también se condice con una escena que hoy está atiborrada de chicas como Julia Holter, Cate Le Bon, St. Vincent, y no sé si has notado cómo ha cambiado el panorama.

No conozco a ninguna de ellas. Yo me empecé a meter en esto en el 97, 98, entonces no noto cuando hay más o menos gente. Y sí, claro que ha cambiado la cosa para mi. Lo principal es que ya no me dicen que estoy loca. Me daba rabia porque me parecía que lo decían para indicarme que lo que hacía era una porquería. ‘Ay, mirá lo que hacés’ era una forma simpática de decir algo horrible. Muchos músicos con los que hablaba me preguntaban de vuelta ‘¿Estás segura de que quieres sacar esto?’ cuando escuchaban “Segundo”, que para mi es el disco que marcó el camino. ‘Por qué no los trabajás un poquito’, me decían también. Y bueno, esas cosas después se van repitiendo y haciendo más comunes, y la gente inconscientemente va identificando como suyo un sonido así, pero bueno, qué se yo. Me acuerdo que un amigo en 2004 me dijo ‘ay, se puso de moda la música que hacés vos’, no era mi música la que se había puesto de moda, sino que la prensa había decidido que estuviera de moda. Y bueno, qué rabia, qué se le va a hacer.

Por lo menos ahora existe una conciencia de tu música. Una valoración que quizás pasó porque tu música estaba, quién sabe, adelantada a su tiempo.

Eso yo no lo sé. Antes, cuando yo terminaba de tocar, la mitad de la gente se quedaba después del show para ver qué era lo que tenía en el escenario, para ver cómo lo hacía. Antes era realmente muy novedoso. No se si eso me conviene.

Juana-Molina

El proceso de armado de tus canciones debe ser más personal, lo que me hace pensar en la diferencia que marca el hecho de plasmarlas en un espectáculo en vivo.

El único pensamiento sólo viene en el momento de armarlo para el show, porque en el momento de componerlo no hay una idea previa a la canción, y pasando ese momento yo siento que es un caudal de información que me va llegando, que estoy recibiendo y que voy acumulando, así lo pienso como un bordado y me puse a hacer el bordado, y lo que está rosa por acá queda rosa, y celeste por allá arriba (hace gestos como bordando), luego veo si ese celeste le saco o agrego unos puntos y todo queda en ese mismo momento. No es que yo grabe unas cosas y luego vea qué hago con eso. Cada cosa que llega se acomoda, como cuando haces la valija: llega, te instalas, desde la repisa, son entidades que ya están ahí. Por eso a veces cuando conectan mal los cables, al revés, y no suena stereo, yo digo ‘¿Qué pasó?’. No es lo mismo que una canción que no tenga esa estructura pictórica esté así, porque no está sino al revés. El equilibrio se me cambia y por eso no puedo escucharlo cuando está al revés.

Se te descompone el cuerpo.

Sí (risas). Y bueno, después en el momento cuando el disco está editado, salió y pienso ‘¿Cómo voy a representar esto para que la gente lo reconozca?’. Al principio creí que era una tarea imposible, y ponía todo y estaba con pistas y duró dos, tres conciertos. Luego me empecé a fijar en qué es lo esencial, eso que hace a la canción, porque hay algunas que están llenas de cosas como “El Perro” que está en “Segundo”, y esa canción la puedo tocar con la guitarra sola, y la gente siente que estoy tocando “El Perro”. Y casi cualquier canción la puedo definir en esos sonidos mínimos, y por eso toqué sola muchos años. Lo que no me permitió este disco fue la dinámica de las canciones para hacerlo sola. Necesitaba músicos, primero estaba con Marín el tecladista y realmente estuvimos semanas para descubrir cómo dejar la canción intacta aunque sea otra cosa, sin que parezca otra cosa.

O sea, la composición por sobre la forma.

Sí. Que por más que cambien elementos, la canción siga ahí, porque no falta quién pensaría ‘ay, entró antes’, ‘ese sonido no es’, y yo quiero decir que la canción tiene un desarrollo con la misma identidad, para decirlo con una palabra pretenciosa, que la canción grabada. Eso con algunas canciones de este disco fue muy difícil. Fueron semanas de elucubrar qué hacer. Incluso hay temas que todavía no tocamos porque todavía no encontramos la forma, aunque estamos cerca. Si me hace el click me doy cuenta, ‘ay, lo que debemos hacer es esto’, y sale una versión que representa a la versión del disco. Son sus representantes en vivo (risas).

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En tu último show en Buenos Aires tocaste casi completo “Wed 21”.

Es que estoy presentando el disco (risas)

Y ahora nos encontraremos con algo similar.

Sí, y me pasó cuando me encontré con gente que me preguntaba ‘¿Vas a tocar esta canción?’ y yo respondía ‘No’. ‘¿Y está otra?’, ‘Tampoco’. Y qué le voy a hacer. El tiempo es acotado y acabo de sacar un disco, y no puedo presentar temas de discos más antiguos. Igual me cuesta porque a mi no me gusta hacer shows muy largos, cuando siento que se acabó, ya está, es suficiente y a veces, no sé si es una percepción errada, pero siento que la tensión, todo lo que la gente puso y lo que puse yo llegó a un límite, y que ahí se acaba el show, y en general eso se cumple luego de la hora, hora y diez, cuando mucho, y para hacer todas las canciones que me gustan, tendría que hacer mínimo un show de dos horas. No da para eso. Hay gente que toca como tres. No se cómo lo hacen.

También, quizás, te queda más cómodo así.

No sé, quizás. No quiero invadir. Porque hay momentos en los que pienso ‘todo bien, todo bien, todo bien’, y de pronto temo a que alguien mire con cara de ‘¿Cuánto más va a tocar?’. Porque para tocar tres horas debes tener canciones para que valga tres horas. Paul McCartney toca tres horas, pero es Paul McCartney. Cada canción renace la esperanza en la felicidad, no sé. No es mi caso. Si fuera un show para los ultrafans, en que estén ultra contentos todos, como en el de Buenos Aires que indicaste, donde toqué hora y media. Si no es así, no, y además que presentamos “Wed 21” que es lo que nos convoca y con lo que estoy feliz.

Por Manuel Toledo-Campos

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Romualdo Arias

    07-Jul-2014 en 6:36 pm

    Dios mio, que vieja pretenciosa de mierda, viene susurrando pelotudeces de forma desganada sobre loops desde hace una decada y se cree super “rarita” y especial.
    Que alguien le de clases de humildad a esta mujer snob porfavor.

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Entrevistas

Doug Martsch de Built To Spill: “La industria discográfica está muerta”

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Doug Martsch

Queda muy poco para una nueva versión del festival Fauna Primavera, donde se producirá uno de los debuts más interesantes que tendremos este año. Hablamos de Built To Spill, banda seminal del movimiento indie durante los noventa, quienes, bajo la tutela de su líder Doug Martsch, han ido desarrollando un sonido gestado por las guitarras sucias y los intensos momentos de improvisación que se producen en el escenario. Con ocho álbumes de estudio a la fecha, la banda promete arrasar con todo a su paso cuando se tomen el Fauna Primavera Stage a las 15:10 de la tarde el próximo 10 de noviembre en Espacio Broadway, repasando su discografía ante quienes esperan por su arribo.

Como previa a su presentación, conversamos por teléfono con Doug Martsch, quien nos platicó sobre diversos temas en relación a la banda, como el aniversario de su álbum “Keep It Like A Secret” (1999), su relación con el sello Warner Bros., sus formas de trabajo a la hora de componer música, su opinión sobre la industria discográfica, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos íntegramente a continuación.

Doug, quiero que comencemos hablando de esta visita a Sudamérica. Estarán tocando en algunos festivales, además de algunos shows en solitario. ¿Qué se siente llegar por primera vez hasta un lugar tan lejano con tu música?

Estoy muy entusiasmado, nunca he ido a Sudamérica antes. No iremos a tocar tanto como nos gustaría, pero aun así estoy muy contento de ir por fin.

El próximo año tocarán algunas fechas para celebrar los 20 años de “Keep It Like A Secret” (1999). ¿Sienten que esta gira por Sudamérica será una especie de precalentamiento para lo que se viene en 2019?

No, los shows de allá serán shows comunes de nosotros, tocaremos canciones de todos nuestros álbumes.

He estado mirando los setlists de la gira y cambian bastante. ¿Cómo deciden lo que tocarán cada noche?

Cuando nos vamos de gira, ensayamos, por lo que no tenemos claro que canciones haremos. Los setlists se van armando con todo lo que preparamos, ya sabes, vamos rotando las canciones, cambiándolas de orden, explorando nuestras opciones cada noche. Siempre trato de darles un cambio a las canciones, extendiéndolas o tocándolas en un tempo diferente, son ideas que tengo en la cabeza u otras veces sólo porque siento que suena mejor, la idea es que sea fluido.

¿Los escribes en papel o van viendo en el escenario lo que tocarán?

Siempre los escribo, así todos estamos preparados para el show.

Quiero que hablemos del álbum “Keep It Like A Secret”. Entiendo que fue un proceso colaborativo entre todos los miembros de ese tiempo. ¿Cómo diste con las ideas que expresaste en ese disco?

Fue una mezcla de lo que tenía y lo que la banda fue creando mientras improvisábamos. Hicimos mucha improvisación mientras nos reuníamos a ensayar y desde ahí fueron saliendo cosas muy interesantes. Cuando todos se iban a casa, iba escuchando lo que habíamos creado y así lo integraba a lo que yo tenía preparado.

¿Esa es tu forma de componer o prefieres hacerlo por tu cuenta y luego mostrarle las ideas al resto?

Es algo que va y viene, dependiendo de cuál es la situación. Después de ese disco hicimos “Ancient Melodies Of The Future” (2001), donde yo lo hice todo y luego lo mostré para que lo grabáramos.En el álbum anterior a “Keep It Like A Secret”, “Perfect From Now On” (1997), también fue así. Luego, en “You In Reverse” (2006), volvimos al proceso colaborativo, incluso mucho más que la vez anterior. Y en “There Is No Enemy” (2009) de nuevo me encargué de todo basándome en las improvisaciones, lo mismo para “Untethered Moon” (2015), por ende, siempre es algo que va cambiando.

Sé que con cada disco intentas cambiar la alineación de la banda. ¿Es eso algo intencional para mantener la música en evolución?

Sí, eso también va dependiendo de la situación. Cuando comenzó la banda lo fuimos haciendo, pero en “Perfect From Now On” me gustó mucho lo que hicimos y quise seguir explorando esa colaboración, por eso la banda se mantuvo durante un tiempo. Después han ido pasando muchas formaciones por distintos intervalos de tiempo; recientemente dejé de tocar con quienes me acompañaron en el último disco, por ejemplo.

El último álbum fue en 2015, ¿tienes planes para uno nuevo a futuro?

Tengo algunas canciones que ya compuse, espero comenzar a grabar el próximo año, tal vez.

Hace poco se marcharon de Warner Bros. Records, terminando una relación de más de 20 años. ¿Por qué lo hicieron?

Bueno, nuestro contrato terminó, quedamos libres para irnos. Ellos querían firmarnos de nuevo, pero les mostramos lo que teníamos ganas de hacer y nunca nos respondieron, así que nada que hacer, optamos por seguir nuestro camino.

¿Querían irse de todas formas antes de que terminara el contrato?

No, realmente. Creo que hace 10 o 15 años debimos hacerlo, pero todo se fue dando bien. Hubo un momento en que quisieron renegociar, no sabía bien qué hacer y seguimos con ellos, pero estábamos felices porque podíamos hacer lo que queríamos, lanzábamos nuestros discos sin problemas. Quizás no habría sido la decisión más inteligente irnos a otra disquera, habríamos tenido complicaciones de dinero para hacer nuestros discos, a pesar de que nunca vendimos tantos la verdad; toda la industria discográfica está muerta, así que en el fondo no importa mucho. La mayoría de nuestro dinero lo ganamos gracias a las giras.

¿Qué opinas de la industria discográfica en estos días?

No le presto mucha atención a eso, pero obviamente en un tiempo nadie comprará discos, ya que ahora puedes escuchar todo en streaming. Creo que la industria discográfica está muerta.

¿No crees que este renacimiento del vinilo quizás está haciendo que la gente compre discos de nuevo?

No, eso es algo para niños ricos y súper fanáticos, no creo que traiga muchos beneficios para los artistas. Eso se terminará en un abrir y cerrar de ojos.

Tienes un gran punto con eso, ya que los discos son muy caros de todas formas. Quizás tienes razón en que sólo los súper fanáticos compran los discos en formato físico.

Exacto, y ni siquiera los escuchan. Siguen escuchando las canciones en streaming, mientras tienen una pieza de merchandising, pero es una buena forma de apoyar a las bandas. De cierta forma, las personas que crecieron con una banda sienten una especie de obligación en comprar los discos y apoyar a sus artistas, ya que comprenden el hecho de que la industria está completamente en descenso. Aman su arte y por eso quieren ayudarlos.

Los discos de hecho vienen con una tarjeta para descargarlo en formato digital.

Claro, en el fondo siguen escuchándolo de manera digital.

Hablando de tu experiencia personal: ¿es bueno o malo que una banda trabaje con una gran empresa discográfica?

Bueno, desde mi experiencia fue algo bueno. Como dije, quizás haber sido un poco más inteligentes y pacientes nos habría permitido lograr lo mismo o más en un sello independiente, o incluso por nuestra propia cuenta, pero no lo sé. No soy muy experto en ninguna de estas cosas, sólo hablo del lado artístico, nunca le presté atención a la parte comercial, dejaba que ellos se encargaran de todo mientras yo solamente jugaba básquetbol o hacía cualquier cosa en mis tiempos que no componía (risas). La verdad no sabría decir si es bueno o malo.

Estuve viendo tu perfil de Twitter y me llamó mucho la atención las cosas que posteas. ¿Son ideas que se te vienen a la mente o fragmentos de letras que estás escribiendo?

Nunca he visto mi perfil de Twitter, con eso te digo todo (risas). Contraté a una persona para que se encargue de eso, postee cuando tenemos shows y todo ese tipo de cosas. No debería haber nada más aparte de eso.

De hecho, te iba a preguntar más sobre eso porque son cosas bien abstractas.

Entiendo, tengo a una persona haciendo eso, yo solamente le dije: “Haz lo que creas conveniente” (risas). No sé qué pueda estar haciendo, ¿qué tal son las cosas que pone, te gustan?

Sí. De hecho, son palabras muy especiales. No sé si las tengo por aquí, déjame revisar.

Está bien, échales un ojo, quiero saber lo que dice (risas).

Sí, claro. Hay una del 19 de julio que dice: “Jesús odiaría lo que hicimos con este planeta”.

Oh, sí (risas). Eso es un poco en broma, es de una canción de reggae que hicimos, habla sobre la guerra de Irak, es una canción de protesta. Es como todas estas personas cristianas que apoyan la guerra y se supone que siguen a Jesús, pero adelante, vamos con otra más (risas).

Me gusta mucho la última, es del 14 de septiembre, y dice: “Si hay una palabra para ti, no significa nada”.

Ok, eso es algo que escribió mi esposa (risas).

De acuerdo, Doug, pasemos a otro tema. Has citado muchas influencias para tu música, ¿hay algún disco que haya cambiado tu vida?

Sí, hay varios. Mientras crecí escuchaba la radio todo el tiempo, durante los setenta y ochenta, pero me fui formando más cuando era adolescente. R.E.M. surgió en esos tiempos, ahí escuchaba cosas que no estaban en la radio. David Bowie me marcó mucho también, y en especial me interesé en Dinosaur Jr. y Butthole Surfers, No puedo recordar algún álbum en específico, pero creo que el “You’re Living All Over Me” (1987) de Dinosaur Jr. fue el disco que más influenció en mí durante mi proceso más transformativo.

De hecho, en Santiago tocarán en el mismo festival que Dinosaur Jr. en 2012.

¡Oh, genial! Es una gran coincidencia.

Bueno, Doug, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a la gente de Chile?

Sólo quiero decirles que estoy esperando para verlos a todos. ¡Nos vemos en el festival, muchas gracias por tu tiempo!

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