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Entrevistas

John Corabi de The Dead Daisies: “Mis grandes héroes son Paul McCartney, Robert Plant y Steven Tyler”

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Año 1991: Vince Neil se retiraba de Mötley Crüe, dejando a la legendaria banda de los ochenta sin un vocalista. Fue ahí cuando John Corabi pegó el salto desde The Scream para unirse a Nikki Sixx, Mick Mars y Tommy Lee, lanzando “Mötley Crüe” (1994), un álbum que hasta el día de hoy sigue marcando un precedente para el sonido que el cuarteto norteamericano desarrolló en sus últimos años de existencia.

Luego de una extensa carrera por diferentes proyectos, el músico se asentó en el supergrupo The Dead Daisies, que estará en Santiago por primera vez este 19 de julio en Club Chocolate. Conversamos al teléfono con John, quien nos atendió amablemente desde su hotel en Alemania para hablar sobre su carrera, su período en Mötley Crüe, entre otras cosas. Te dejamos con la conversación de manera íntegra a continuación:

Hola, John. ¿Puedes oírme?

Qué tal, Manuel. Te escucho perfecto.

Bueno, John, primero que todo, quiero saber cómo andan las cosas actualmente. ¿Qué tal va la gira?

En estos momentos, estoy sentado en mi habitación de hotel en Núremberg, Alemania. La gira ha estado increíble, hemos hecho muchos festivales y algunos shows en clubes; todos nuestros conciertos en solitario están agotados, los fans han sido geniales. La respuesta de la gente ha sido muy buena, todo marcha bien, la vida es buena (risas).

Genial. ¿Qué esperas para esta gira sudamericana?

Bueno, para serte honesto, estoy muy emocionado. He estado algunas veces en diferentes partes del continente; no he recorrido todo Sudamérica aún, sólo he estado en Argentina y Brasil. Lo que más amo de los fans de Sudamérica es que son muy locos y apasionados por la música, así que estoy seguro que lo pasaremos muy bien. Esta es nuestra primera gira allá con The Dead Daisies, así que espero mucha locura y buenos momentos junto a todos nuestros fans sudamericanos, será impresionante.

Estuve chequeando tu cuenta de Instagram y noté que sueles subir muchas fotos de bandas, artistas, leyendas del rock y cosas así. ¿Hay alguien a quien consideres tu más grande héroe musical?

Creo que tengo tres héroes, que son quienes probablemente más han influenciado en mí. Estos serían: Paul McCartney, Robert Plant y Steven Tyler. Los considero a ellos más que al resto quizás, pero tengo muchos más. Suelo mostrarle fotos de las bandas que más amo a mi esposa, que es un poco más joven que yo. Hay una de Mark Farner de Grand Funk Railroad en sus mejores años, que cada vez que la miro le digo: “Mira esta foto, mira a este tipo, ¡es jodidamente rudo!” (risas). Él es toda una estrella de rock, hoy en día ya no se ve eso, ya no hay rockstars. Suelo mostrarle fotos antiguas de Robert Plant, Steven Tyler, Steve Marriott, todos estos tipos que crecí escuchando. Ella me dice cosas como “¡Vaya! ¿Quién es este tipo?”, y yo le voy contando sobre ellos, ella ríe y piensa que nació 10 años más tarde, que se perdió todo eso, ya sabes (risas). Esto es algo que pasa con los Daisies, mucha gente nos llama un supergrupo, una “all star band”, pero aún somos fans. Amo ese período en la música, siempre estoy en mi computador mirando fotos, incluso las tengo en mi teléfono. Tipos como Gregg Allman, qué sé yo, la gente que crecí admirando. Siempre los miro porque aún me siento un fanático.

Pasando a la música: tienes sólo un álbum solista, “John Corabi Unplugged” (2012). ¿Pretendes lanzar más material por tu cuenta?

Sí, de hecho tengo otro álbum, es un disco en vivo. Lo hice hace unos años cuando giré tocando el disco que hice con Mötley Crüe; grabé un show para lanzarlo posteriormente, pero cada vez que quiero hacerlo The Dead Daisies saca un nuevo álbum, así que tenemos que salir de gira y todo eso (risas). He estado guardándolo durante algún tiempo; hablé con mi sello hace poco y creo que seguirá en espera porque The Dead Daisies entrará al estudio de grabación en octubre o noviembre. Vamos a empezar a componer en septiembre lo que será nuestro próximo álbum, así que mientras no estemos haciendo shows creo que ahí lanzaré este disco. Además, tengo material que no es el más adecuado para los Daisies, por lo que he estado apilándolo para usarlo en mi próximo álbum solista.

Este álbum se compone íntegramente de material acústico, ¿por qué decidiste dejar las guitarras eléctricas de lado, siendo que tu carrera se ha basado en el hard rock?

Eso es un tanto divertido, porque desde siempre, incluso ahora, siempre he compuesto todo sólo con una guitarra acústica. Recuerdo haber estado pensando en qué hacer, no tenía un sello discográfico en ese momento que me diera dinero para hacer un disco, pretendía crear algo totalmente inesperado y diferente, quería que a futuro nadie supiera cómo iba a sonar cada vez que lanzara un nuevo disco como solista, me gusta esa especie de expectación. Además de eso, como no tenía un sello, lo tuve que grabar en mi casa, fue como un álbum autofinanciado, hacerlo de manera acústica fue una forma de levantarme y decirle a todos que aún seguía vivo. Hubo muchas razones, pero creo que hacerlo de esa forma fue bueno porque me trajo muchas críticas positivas, incluso me permitió salir de gira presentándolo durante casi un año y medio. Es bueno que no haya expectativas; todo el que ha seguido mi carrera sabe que nunca podrá adivinar cómo sonaré en el siguiente trabajo, me encanta eso.

¿Crees que la forma de hacer música ha cambiado a cómo era en los noventa?

Sí, hay algunas cosas diferentes. Los sellos no dan el mismo dinero de antes, así que los presupuestos de grabación son diferentes, tampoco tienes a la radio o a MTV para ayudarte, por ende, hay que recurrir a las redes sociales. Tenemos YouTube, todas estas cosas, es algo diferente, pero es genial de cierta forma el usar estas plataformas.

Hace unos días un fan -creo que de Argentina- me escribió diciendo que, cuando fuera para allá, le gustaría invitarme a un trago o comprarme una cerveza para conversar y conocernos. Le escribí de vuelta diciéndole que no sé cómo estará nuestra agenda en ese momento, pero que de seguro hay un bar cerca del hotel, así que ahí estaremos (risas). Es genial tener contacto directo con los fans, todo lo de las redes sociales, hay que saber bien cómo usarlas, pueden ser muy beneficiosas para tener ese intercambio con la gente. Creo que esa es una de las cosas buenas que tiene The Dead Daisies, sabemos cómo mantener actualizados a nuestros seguidores. Constantemente estamos chequeando Facebook, Instagram, Twitter, todas estas cosas, siempre haciendo cosas con los fans y para los fans, es un fenómeno muy positivo y que está creciendo muy rápido también.

John, me gustaría pasar al álbum “Mötley Crüe” de 1994. En ese disco la banda tomó una dirección diferente a lo hecho hasta ese momento; se acabaron las canciones sobre mujeres, sexo y drogas, pasando a temas más serios como política y movimientos sociales, entre otras cosas. ¿Crees haber influenciado en ese giro que la banda tomó para abordar temáticas más serias?

No sé si ayudé o no, es raro que mucha gente esté escuchando tanto ese álbum actualmente, se está volviendo una obra importante y eso es genial. Siempre se me acercan y me comentan que yo cambié el sonido de la banda y no sé si es tan así para serte honesto, sólo nos sentamos todos juntos en una habitación e improvisamos, luego Nikki (Sixx) y yo nos apartamos para discutir las letras entre ambos, que me contara de qué quería que se trataran las canciones. Muchos de los temas que se abordan en el disco eran cosas que estaban pasando en ese momento, entre 1992 y 1993, incluso en los títulos como “Hooligan’s Holiday”. Ese en particular nació a raíz de los motines que estaban ocurriendo en Los Angeles, no sé si recuerdas haber visto eso en las noticias, fue en el ‘92 si no me equivoco. Hubo muchos disturbios en la ciudad luego del veredicto en el juicio de Rodney King (*), recuerdo ver imágenes de los autos, las casas incendiándose y todo eso, cuando el tipo de las noticias dijo “it’s a hooligan’s holiday out there, don’t go outside if you wanna avoid it” (“hay una fiesta de rufianes allí afuera, no salgan si quieren evitarla”), y yo quedé como “Oh, Hooligan’s Holiday suena genial”, así que la compusimos en torno a la vida de la banda, ya sabes, estar en Mötley Crüe significaba que siempre pasaría algo, algún disturbio, noches desenfrenadas, cosas así (risas), fue algo autobiográfico.

“Poison Apples” también fue autobiográfica, o “Uncle Jack”, que se trata de un miembro de mi familia que fue a prisión por abusar de niños, lo odiaba y escribí esa canción sobre él. Eran cosas que pasaban en el momento, estábamos muy pendientes de las noticias y de lo que ocurría en el mundo, nos ayudó para inspirarnos y el disco salió bien de esa manera. No fue realmente que yo llevé la banda por esa dirección, sólo se fue por ese camino por su cuenta.

* El caso se trató sobre el taxista de raza negra Rodney King, a quien cuatro agentes de policía le propinaron una paliza luego de intentar huir de ellos en una persecución por la autopista. Aunque el caso fue documentado en video por un testigo, los policías fueron absueltos en el juicio, donde hubo un jurado compuesto casi completamente por blancos. Esto produjo que miles de personas, principalmente jóvenes afroamericanos y latinos, realizaran disturbios en Los Angeles, incluyendo saqueos, incendios y asesinatos. Se estima que murieron entre 50 a 60 personas en estos hechos.

Bueno, quería contarte algo personal: lo creas o no, nací en 1993, por lo que tenía solamente un año cuando este disco fue publicado. La cosa es que yo, así como muchos otros fans de Mötley Crüe, logramos descubrir este álbum muchos años después. Considerando el hecho de que en su momento de publicación fue una obra un tanto menospreciada, ¿crees que el disco logró su importancia gracias a las nuevas generaciones?

Oh, bien, eres más joven de lo que pensaba (risas). Es divertido porque en ese momento la música estaba cambiando, mucha gente se estaba interesando por Soundgarden, Alice In Chains, Pearl Jam y todo eso. Las personas estaban muy en contra de bandas como Poison, Mötley Crüe, Def Leppard, Bon Jovi, por lo que teníamos a todos en contra nuestra.

Otra cosa que pasaba -algo que no encontraba para nada bien- era que Nikki, Tommy y Mick perdieron un poco su norte en cuanto a criticar a Vince Neil, lo hacían cada vez que podían. Los seguidores de Mötley Crüe sentían que tenían dos opciones: estar del lado de Vince o del lado de la banda, lo que generó muchas divisiones en nuestros fanáticos. Mucha gente en ese momento estuvo en plan de “A la mierda Mötley Crüe, no voy a comprar ese disco, ni siquiera voy a escucharlo”, y lo entiendo, lo entendí absolutamente. Y bien, cuando Vince volvió muchos se relajaron y decidieron que era tiempo de escuchar el álbum, eso sorprendió a muchos fans, que se dieron cuenta de que en realidad era un buen disco. Tomó algo de tiempo, pero lo genial de todo esto es que, si escuchas el álbum en estos días, aún suena relevante y actual.

Sí, siento que la banda trató de hacer lo mismo para los siguientes tres álbumes, aunque nunca lo logró. Si escuchas “Generation Swine” (1997), “New Tattoo” (2000) o incluso “Saint Of Los Angeles” (2008), Motley Crue siempre estuvo intentando reencontrarse con el sonido que consiguieron junto a ti, pero nunca pudieron dar con él.

No sé si estaban intentando volver a eso. Estuve involucrado en gran parte de “Generation Swine”, y creo que parte de la belleza que tenía Mötley Crüe desde sus inicios hasta que yo llegué, es que todos sus discos eran compuestos según lo que sentían. No creo que pensaran mucho en las cosas, tuvieron mucho éxito siendo espontáneos, temerarios y haciendo lo que querían. Incluso en el disco en que yo estuve, como te dije antes, sólo nos sentamos en una habitación a dejar que la música fluyera, sin saber dónde iríamos. A pesar de eso, ese fue su primer fracaso, algo que generó que ellos comenzaran a mirar alrededor para ver qué era lo popular en ese momento.

Cuando hicimos “Generation Swine” ellos pusieron su mirada en bandas como Nine Inch Nails, Marilyn Manson, toda esa música con muchos loops, sonidos generados digitalmente, etcétera. Ellos miraban eso y decían “bien, esto es lo que está sonando ahora, tenemos que llevar a la banda en esa dirección”, estaban más preocupados de hacer lo que era cool en el momento en vez de sólo ser Mötley Crüe. No me preocupé mucho de eso cuando hice canciones como “Afraid” o “Let Us Prey”, había una canción llamada “Bang”, creo que ellos terminaron titulándola “Glitter”, donde en vez de tener a Mick tocando la guitarra, la llenaron con todas estas cosas que arruinan su sonido. Estaban tratando de ser algo que no eran, y creo que los fans también pensaron que eso que escuchaban no era Mötley Crüe. Inclusive cuando el álbum que yo hice no era como los otros, cuando Vince regresó intentaron muy insistentemente en sentirse relevantes en vez de volver a sus orígenes y ser la misma banda que fueron por años.

Después de una carrera llena de álbumes con diferentes bandas, ¿tienes algún disco favorito dentro de todos en los que has participado?

La verdad es que no, creo que cada banda tiene lo suyo. The Scream, por ejemplo, fue mi primera banda, así que tener un contrato discográfico, viajar a Europa, irnos de gira, todas esas cosas fueron nuestra primera vez. Con Mötley Crüe todo era más grande, más loco, más rápido, ya sabes, en cambio con Union, por el contrario, todo era más introspectivo. Estoy muy orgulloso de cada cosa que he hecho en mi vida, no puedo decir que hay algún proyecto favorito, lo genial de cada banda en que he estado es el hecho de aprender algo y mantenerlo conmigo, permitiéndome seguir haciendo lo que amo. Lo aprendido en The Scream lo usé con Mötley Crüe, lo aprendido ahí lo usé en Union, luego todo lo adquirido lo apliqué en The Dead Daisies, y así. Todo ha sido muy divertido, no hay algo más que lo otro, aprendí de cada uno de ellos.

¿Pensaste en algún punto de tu vida reunirte de nuevo con The Scream?

No, nunca. No sé cómo explicarte esto. Si bien trabajé con ellos, no seguimos llevándonos bien posteriormente, la verdad. Y luego Walt, el baterista, lamentablemente murió, hace siete u ocho años, así que incluso si ellos quisieran reunirse, yo no lo haría porque no estaríamos los cuatro miembros originales.

Bueno, John, creo que esta fue la última pregunta porque se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría decir algo para tus fans aquí en Chile?

Estoy muy ansioso por ir a Chile, porque nunca antes he estado allá, así que espero verlos a todos en el show.

Gracias por tu tiempo, John. Fue un gran honor hablar contigo.

Gracias a ti, amigo. Cuídate. ¡Nos vemos!

Por Manuel Cabrales

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Entrevistas

Frost de Satyricon: “Satyr es uno de los compositores más brillantes que conozco”

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Frost

La historia de Satyricon comenzó en los años noventa, bajo la denominada “segunda ola del black metal noruego”. Ya desde el lanzamiento de su placa debut, “Dark Medieval Times” (1994), lograron acaparar la atención de un público que los sigue lealmente pese a todos los cambios que han experimentado en su sonido. Con nueve trabajos de estudio bajo el brazo, Satyricon llegará a Club Blondie el próximo 7 de noviembre para presentar “Deep Calleth Upon Deep” (2017), su último álbum, que los mantiene girando hace algunos meses alrededor del mundo.

Con motivo de esta visita, nos sentamos al teléfono con Frost, baterista y único miembro oficial de la banda junto a Satyr, en una conversación donde abordamos algunos puntos destacados de su discografía, el boom de bandas black metal luego de la quema de iglesias en Noruega, sus recuerdos del primer y único show de la banda en Chile, entre otras cosas, en una entrevista que ponemos a tu disposición a continuación.

Hola, Frost, ¿cómo va todo? ¿Qué tal ha estado la gira?

Ahora estamos en Praga, luego nos iremos a Cracovia, en Polonia. Han sido shows fantásticos, muy buen publico y la respuesta al nuevo disco también es fabulosa. Hemos compartido momentos muy potentes con nuestros fans en esta gira, vemos que el álbum está funcionando muy bien, así que estamos felices por eso.

¿Cómo te sientes al venir por segunda vez a Sudamérica?

Bien, es algo que queríamos hacer desde hace mucho tiempo. Ahora llevaremos un álbum nuevo para ustedes y será fabuloso, no podemos esperar. Estoy seguro de que Santiago de Chile será tremendo, son uno de los mejores públicos del mundo, así que es algo que tenemos muchas ganas de hacer.

Su primer show acá fue en 2011. ¿Qué recuerdas de esa visita a Santiago?

Lo que más recuerdo es que fue un show muy enérgico, creo que el 99 por ciento de nuestro público estaba verdaderamente involucrado en el concierto (risas). Recuerdo que había algunas personas muy emocionadas con la música, lo que siempre es bueno. Espero lo mismo esta vez, tendremos un muy buen recibimiento cuando regresemos ahora, ya son seis años desde que estuvimos.

Pasemos al último disco, “Deep Calleth Upon Deep”. Siento que este álbum tiene como una reinvención del sonido de la banda, algo común para cada disco de Satyricon, ya que están en una constante evolución. ¿Qué nos puedes contar sobre este álbum en particular y qué deseaban lograr con él?

Bueno, cada álbum de Satyricon tiene una evolución y un proceso detrás, siempre ha sido así. Creo que a veces esa evolución ha pasado en una escala menor entre un álbum y otro, así como también se ha producido en una escala mucho mayor. Con este álbum definitivamente es lo segundo.

Nos han pasado muchas cosas desde que salió el disco anterior, la banda se ha vuelto mucho más dinámica, nuestra música es mucho más diversa, creo que este álbum tiene un poder más rico musicalmente hablando, mucho más que cualquier cosa que hemos hecho antes. Lo que más destaco de este álbum es esa aura oscura y mística que tiene, mantiene una atmósfera muy particular. Queríamos hacer un disco que llevara a Satyricon mucho más lejos, queríamos empujarnos a nosotros hasta un espectro musical más allá de lo que llevábamos haciendo. Honestamente, teníamos la intención de que cada canción sonara autentica y única en su especie, con una vibra y espíritu particular. Esa es una cualidad del álbum: cada canción tiene un sello característico. Hacer este disco realidad fue esencial para nosotros.

Estuve revisando los setlist de esta gira y noté que se enfocan solo en álbumes más recientes. De hecho, hay dos canciones de “Nemesis Divina” (1996), que vendría a ser el único disco de los noventa presente en el repertorio. ¿Por qué prefieren enfocarse en canciones más recientes?

Eso depende, aunque el setlist ha sido el mismo en todos lados. Estamos analizando traer de vuelta algunas canciones que no hemos tocado en algún tiempo, quizás de los primeros dos álbumes. No hemos decidido aún si seguiremos con el mismo setlist porque queremos concentrarnos más en el nuevo álbum. Algo que queremos mantener vigente en este tour es que estamos más inspirados al tocar las nuevas canciones, Satyricon nunca ha sido de girar tocando viejos éxitos, siempre iremos pensando en nuestro presente. Si sacamos un disco recientemente, el tour será sobre ese álbum, aunque eso no quita que toquemos canciones de otros trabajos. Por ahora nos enfocaremos en el último disco, sentimos que la gira se desarrollará más naturalmente de esa forma.

El álbum “Volcano” (2002) supuso un giro en el sonido de Satyricon, siendo un disco más melódico que sus trabajos anteriores. ¿Por qué decidieron irse por esa dirección en esos momentos?

Creo que hemos tenido varios giros a través de nuestra historia. Con este nuevo álbum estamos experimentando otro giro más, con “Volcano” nos preocupamos de hacer que la banda fuera mucho más sólida, pusimos atención a las texturas de cada canción. Si escuchas los discos anteriores a “Volcano”, notarás que las composiciones tenían muchos desvíos, se iban en diferentes direcciones una de otra. Para ese disco quisimos estructurar más las cosas, hacer un álbum con un sonido más compuesto y enfocado, tener mayor control de lo que buscábamos y poder hacer todo más ordenado que antes, queríamos controlar la producción. Pasaban varias cosas en la banda durante ese período, muchas de ellas tuvieron un impacto en varios elementos, como la composición, grabación e incluso la manera en que tocábamos en vivo.

Tú y Satyr son los únicos miembros oficiales de la banda, trabajando en conjunto por más de 20 años. ¿Cuál crees que es la clave para mantenerse haciendo música juntos?

Lo más esencial es respetarse mutuamente, es muy importante ser respetuoso con los roles que cada uno tiene. Yo sé que él es el líder y principal compositor de la banda, creo que Satyr siempre ha tenido claro lo que busca, es uno de los compositores más brillantes que conozco. Respeto mucho lo que desea crear, y bajo mi rol en la banda siempre quiero contribuir para hacer que las canciones funcionen bien, y no solamente tocar mis partes de batería y nada más. También es importante respetar la idea central en Satyricon, que es la creatividad y la innovación, eso es fundamental. Ambos podemos reconocer los principios de la banda y vivir bajo esa pasión por nuestra música, una pasión por Satyricon que debe estar presente para que todo funcione bien, de lo contrario la banda ya no existiría. Mientras eso suceda, Satyricon continuará evolucionando para perfeccionarse y hacer las cosas cada vez mejor.

Frost, hay algo que siempre me he preguntado: los jóvenes de hoy en día tienen acceso a un montón de música gracias a internet, haciendo todo más fácil. Mi duda es: ¿cómo llegaste a descubrir música más extrema o pesada cuando empezaste a tocar, considerando lo difícil que debió ser acceder a la información en esos años?

Esa sí que es una buena pregunta (risas). Creo que todo comienza con un descubrimiento. Personalmente me empecé a interesar por la música más pesada e intensa gracias a lo que escuchaba en la radio. Había una pequeña estación de radio en mi ciudad que tocaba música bastante particular, recuerdo haber oído la canción “Iron Fist” de Motörhead y de pronto captó toda mi atención. Comencé a involucrarme mucho en descubrir nueva música, pero creo que esa canción en particular me hizo interesarme verdaderamente en el hard rock y toda la música más pesada de ese tiempo. Luego comencé a comprar discos, interesarme mucho en la batería, hasta que compré la mía y pude comenzar a tocar; lo único que quería tocar eran todas esas cosas extremas del metal, aprendí de inmediato a tocar todo lo más rápido y pesado, por suerte. En mi escuela había otros chicos interesados por la música, así que no era muy difícil encontrar más gente para ponerse a tocar. Así es como todo comenzó, básicamente, años después de eso encontré a Satyricon y el resto es historia.

¿Fue muy complicado tocar en sus inicios? El black metal era mal mirado en Noruega con todo esto de la quema de Iglesias, ya que había sucedido sólo un par de años antes de que la banda comenzara.

Así es, el ambiente no era muy amigable que digamos.

¿Qué pasaba con ustedes? ¿Crees que estos hechos afectaron mucho en la escena del black metal?

Uff, absolutamente, ni te lo imaginas (risas). Para nosotros fue muy importante expresar desde el comienzo que Satyricon era una banda que se preocupaba más de su música, nos tomábamos todo más en serio. De hecho, al momento de firmar nuestro primer contrato discográfico la gente sabía perfectamente de qué se trataba Satyricon, sabían a lo que nos dedicábamos y no esperarían nada diferente de nosotros. La gente involucrada en la industria musical sabía muy bien de nuestra pasión por la música, nuestra dedicación y que de verdad nos estábamos tomando en serio todo esto. Todos comprendieron que éramos mucho más que esas bandas que más bien parecían sectas. Nuestras intenciones iban mucho más allá de todo ese espectáculo.

Frost, estamos finalizando esta entrevista. ¿Te gustaría decir algunas palabras a tus fans chilenos?

Me guardaré mis palabras para el show, ese día podré tocar y dirigirme a ustedes. Estoy seguro de que pasaremos un buen momento con nuestros fans chilenos. Por ahora, sólo les diré que vayan a vernos tocar, esa es mi forma de comunicarme con ustedes.

Muchas gracias por tu tiempo, nos vemos en el show.

Fantástico, estamos esperando poder llegar pronto allá. Cuídense todos mientras tanto. ¡Nos vemos!

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