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Entrevistas

John Corabi de The Dead Daisies: “Mis grandes héroes son Paul McCartney, Robert Plant y Steven Tyler”

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Año 1991: Vince Neil se retiraba de Mötley Crüe, dejando a la legendaria banda de los ochenta sin un vocalista. Fue ahí cuando John Corabi pegó el salto desde The Scream para unirse a Nikki Sixx, Mick Mars y Tommy Lee, lanzando “Mötley Crüe” (1994), un álbum que hasta el día de hoy sigue marcando un precedente para el sonido que el cuarteto norteamericano desarrolló en sus últimos años de existencia.

Luego de una extensa carrera por diferentes proyectos, el músico se asentó en el supergrupo The Dead Daisies, que estará en Santiago por primera vez este 19 de julio en Club Chocolate. Conversamos al teléfono con John, quien nos atendió amablemente desde su hotel en Alemania para hablar sobre su carrera, su período en Mötley Crüe, entre otras cosas. Te dejamos con la conversación de manera íntegra a continuación:

Hola, John. ¿Puedes oírme?

Qué tal, Manuel. Te escucho perfecto.

Bueno, John, primero que todo, quiero saber cómo andan las cosas actualmente. ¿Qué tal va la gira?

En estos momentos, estoy sentado en mi habitación de hotel en Núremberg, Alemania. La gira ha estado increíble, hemos hecho muchos festivales y algunos shows en clubes; todos nuestros conciertos en solitario están agotados, los fans han sido geniales. La respuesta de la gente ha sido muy buena, todo marcha bien, la vida es buena (risas).

Genial. ¿Qué esperas para esta gira sudamericana?

Bueno, para serte honesto, estoy muy emocionado. He estado algunas veces en diferentes partes del continente; no he recorrido todo Sudamérica aún, sólo he estado en Argentina y Brasil. Lo que más amo de los fans de Sudamérica es que son muy locos y apasionados por la música, así que estoy seguro que lo pasaremos muy bien. Esta es nuestra primera gira allá con The Dead Daisies, así que espero mucha locura y buenos momentos junto a todos nuestros fans sudamericanos, será impresionante.

Estuve chequeando tu cuenta de Instagram y noté que sueles subir muchas fotos de bandas, artistas, leyendas del rock y cosas así. ¿Hay alguien a quien consideres tu más grande héroe musical?

Creo que tengo tres héroes, que son quienes probablemente más han influenciado en mí. Estos serían: Paul McCartney, Robert Plant y Steven Tyler. Los considero a ellos más que al resto quizás, pero tengo muchos más. Suelo mostrarle fotos de las bandas que más amo a mi esposa, que es un poco más joven que yo. Hay una de Mark Farner de Grand Funk Railroad en sus mejores años, que cada vez que la miro le digo: “Mira esta foto, mira a este tipo, ¡es jodidamente rudo!” (risas). Él es toda una estrella de rock, hoy en día ya no se ve eso, ya no hay rockstars. Suelo mostrarle fotos antiguas de Robert Plant, Steven Tyler, Steve Marriott, todos estos tipos que crecí escuchando. Ella me dice cosas como “¡Vaya! ¿Quién es este tipo?”, y yo le voy contando sobre ellos, ella ríe y piensa que nació 10 años más tarde, que se perdió todo eso, ya sabes (risas). Esto es algo que pasa con los Daisies, mucha gente nos llama un supergrupo, una “all star band”, pero aún somos fans. Amo ese período en la música, siempre estoy en mi computador mirando fotos, incluso las tengo en mi teléfono. Tipos como Gregg Allman, qué sé yo, la gente que crecí admirando. Siempre los miro porque aún me siento un fanático.

Pasando a la música: tienes sólo un álbum solista, “John Corabi Unplugged” (2012). ¿Pretendes lanzar más material por tu cuenta?

Sí, de hecho tengo otro álbum, es un disco en vivo. Lo hice hace unos años cuando giré tocando el disco que hice con Mötley Crüe; grabé un show para lanzarlo posteriormente, pero cada vez que quiero hacerlo The Dead Daisies saca un nuevo álbum, así que tenemos que salir de gira y todo eso (risas). He estado guardándolo durante algún tiempo; hablé con mi sello hace poco y creo que seguirá en espera porque The Dead Daisies entrará al estudio de grabación en octubre o noviembre. Vamos a empezar a componer en septiembre lo que será nuestro próximo álbum, así que mientras no estemos haciendo shows creo que ahí lanzaré este disco. Además, tengo material que no es el más adecuado para los Daisies, por lo que he estado apilándolo para usarlo en mi próximo álbum solista.

Este álbum se compone íntegramente de material acústico, ¿por qué decidiste dejar las guitarras eléctricas de lado, siendo que tu carrera se ha basado en el hard rock?

Eso es un tanto divertido, porque desde siempre, incluso ahora, siempre he compuesto todo sólo con una guitarra acústica. Recuerdo haber estado pensando en qué hacer, no tenía un sello discográfico en ese momento que me diera dinero para hacer un disco, pretendía crear algo totalmente inesperado y diferente, quería que a futuro nadie supiera cómo iba a sonar cada vez que lanzara un nuevo disco como solista, me gusta esa especie de expectación. Además de eso, como no tenía un sello, lo tuve que grabar en mi casa, fue como un álbum autofinanciado, hacerlo de manera acústica fue una forma de levantarme y decirle a todos que aún seguía vivo. Hubo muchas razones, pero creo que hacerlo de esa forma fue bueno porque me trajo muchas críticas positivas, incluso me permitió salir de gira presentándolo durante casi un año y medio. Es bueno que no haya expectativas; todo el que ha seguido mi carrera sabe que nunca podrá adivinar cómo sonaré en el siguiente trabajo, me encanta eso.

¿Crees que la forma de hacer música ha cambiado a cómo era en los noventa?

Sí, hay algunas cosas diferentes. Los sellos no dan el mismo dinero de antes, así que los presupuestos de grabación son diferentes, tampoco tienes a la radio o a MTV para ayudarte, por ende, hay que recurrir a las redes sociales. Tenemos YouTube, todas estas cosas, es algo diferente, pero es genial de cierta forma el usar estas plataformas.

Hace unos días un fan -creo que de Argentina- me escribió diciendo que, cuando fuera para allá, le gustaría invitarme a un trago o comprarme una cerveza para conversar y conocernos. Le escribí de vuelta diciéndole que no sé cómo estará nuestra agenda en ese momento, pero que de seguro hay un bar cerca del hotel, así que ahí estaremos (risas). Es genial tener contacto directo con los fans, todo lo de las redes sociales, hay que saber bien cómo usarlas, pueden ser muy beneficiosas para tener ese intercambio con la gente. Creo que esa es una de las cosas buenas que tiene The Dead Daisies, sabemos cómo mantener actualizados a nuestros seguidores. Constantemente estamos chequeando Facebook, Instagram, Twitter, todas estas cosas, siempre haciendo cosas con los fans y para los fans, es un fenómeno muy positivo y que está creciendo muy rápido también.

John, me gustaría pasar al álbum “Mötley Crüe” de 1994. En ese disco la banda tomó una dirección diferente a lo hecho hasta ese momento; se acabaron las canciones sobre mujeres, sexo y drogas, pasando a temas más serios como política y movimientos sociales, entre otras cosas. ¿Crees haber influenciado en ese giro que la banda tomó para abordar temáticas más serias?

No sé si ayudé o no, es raro que mucha gente esté escuchando tanto ese álbum actualmente, se está volviendo una obra importante y eso es genial. Siempre se me acercan y me comentan que yo cambié el sonido de la banda y no sé si es tan así para serte honesto, sólo nos sentamos todos juntos en una habitación e improvisamos, luego Nikki (Sixx) y yo nos apartamos para discutir las letras entre ambos, que me contara de qué quería que se trataran las canciones. Muchos de los temas que se abordan en el disco eran cosas que estaban pasando en ese momento, entre 1992 y 1993, incluso en los títulos como “Hooligan’s Holiday”. Ese en particular nació a raíz de los motines que estaban ocurriendo en Los Angeles, no sé si recuerdas haber visto eso en las noticias, fue en el ‘92 si no me equivoco. Hubo muchos disturbios en la ciudad luego del veredicto en el juicio de Rodney King (*), recuerdo ver imágenes de los autos, las casas incendiándose y todo eso, cuando el tipo de las noticias dijo “it’s a hooligan’s holiday out there, don’t go outside if you wanna avoid it” (“hay una fiesta de rufianes allí afuera, no salgan si quieren evitarla”), y yo quedé como “Oh, Hooligan’s Holiday suena genial”, así que la compusimos en torno a la vida de la banda, ya sabes, estar en Mötley Crüe significaba que siempre pasaría algo, algún disturbio, noches desenfrenadas, cosas así (risas), fue algo autobiográfico.

“Poison Apples” también fue autobiográfica, o “Uncle Jack”, que se trata de un miembro de mi familia que fue a prisión por abusar de niños, lo odiaba y escribí esa canción sobre él. Eran cosas que pasaban en el momento, estábamos muy pendientes de las noticias y de lo que ocurría en el mundo, nos ayudó para inspirarnos y el disco salió bien de esa manera. No fue realmente que yo llevé la banda por esa dirección, sólo se fue por ese camino por su cuenta.

* El caso se trató sobre el taxista de raza negra Rodney King, a quien cuatro agentes de policía le propinaron una paliza luego de intentar huir de ellos en una persecución por la autopista. Aunque el caso fue documentado en video por un testigo, los policías fueron absueltos en el juicio, donde hubo un jurado compuesto casi completamente por blancos. Esto produjo que miles de personas, principalmente jóvenes afroamericanos y latinos, realizaran disturbios en Los Angeles, incluyendo saqueos, incendios y asesinatos. Se estima que murieron entre 50 a 60 personas en estos hechos.

Bueno, quería contarte algo personal: lo creas o no, nací en 1993, por lo que tenía solamente un año cuando este disco fue publicado. La cosa es que yo, así como muchos otros fans de Mötley Crüe, logramos descubrir este álbum muchos años después. Considerando el hecho de que en su momento de publicación fue una obra un tanto menospreciada, ¿crees que el disco logró su importancia gracias a las nuevas generaciones?

Oh, bien, eres más joven de lo que pensaba (risas). Es divertido porque en ese momento la música estaba cambiando, mucha gente se estaba interesando por Soundgarden, Alice In Chains, Pearl Jam y todo eso. Las personas estaban muy en contra de bandas como Poison, Mötley Crüe, Def Leppard, Bon Jovi, por lo que teníamos a todos en contra nuestra.

Otra cosa que pasaba -algo que no encontraba para nada bien- era que Nikki, Tommy y Mick perdieron un poco su norte en cuanto a criticar a Vince Neil, lo hacían cada vez que podían. Los seguidores de Mötley Crüe sentían que tenían dos opciones: estar del lado de Vince o del lado de la banda, lo que generó muchas divisiones en nuestros fanáticos. Mucha gente en ese momento estuvo en plan de “A la mierda Mötley Crüe, no voy a comprar ese disco, ni siquiera voy a escucharlo”, y lo entiendo, lo entendí absolutamente. Y bien, cuando Vince volvió muchos se relajaron y decidieron que era tiempo de escuchar el álbum, eso sorprendió a muchos fans, que se dieron cuenta de que en realidad era un buen disco. Tomó algo de tiempo, pero lo genial de todo esto es que, si escuchas el álbum en estos días, aún suena relevante y actual.

Sí, siento que la banda trató de hacer lo mismo para los siguientes tres álbumes, aunque nunca lo logró. Si escuchas “Generation Swine” (1997), “New Tattoo” (2000) o incluso “Saint Of Los Angeles” (2008), Motley Crue siempre estuvo intentando reencontrarse con el sonido que consiguieron junto a ti, pero nunca pudieron dar con él.

No sé si estaban intentando volver a eso. Estuve involucrado en gran parte de “Generation Swine”, y creo que parte de la belleza que tenía Mötley Crüe desde sus inicios hasta que yo llegué, es que todos sus discos eran compuestos según lo que sentían. No creo que pensaran mucho en las cosas, tuvieron mucho éxito siendo espontáneos, temerarios y haciendo lo que querían. Incluso en el disco en que yo estuve, como te dije antes, sólo nos sentamos en una habitación a dejar que la música fluyera, sin saber dónde iríamos. A pesar de eso, ese fue su primer fracaso, algo que generó que ellos comenzaran a mirar alrededor para ver qué era lo popular en ese momento.

Cuando hicimos “Generation Swine” ellos pusieron su mirada en bandas como Nine Inch Nails, Marilyn Manson, toda esa música con muchos loops, sonidos generados digitalmente, etcétera. Ellos miraban eso y decían “bien, esto es lo que está sonando ahora, tenemos que llevar a la banda en esa dirección”, estaban más preocupados de hacer lo que era cool en el momento en vez de sólo ser Mötley Crüe. No me preocupé mucho de eso cuando hice canciones como “Afraid” o “Let Us Prey”, había una canción llamada “Bang”, creo que ellos terminaron titulándola “Glitter”, donde en vez de tener a Mick tocando la guitarra, la llenaron con todas estas cosas que arruinan su sonido. Estaban tratando de ser algo que no eran, y creo que los fans también pensaron que eso que escuchaban no era Mötley Crüe. Inclusive cuando el álbum que yo hice no era como los otros, cuando Vince regresó intentaron muy insistentemente en sentirse relevantes en vez de volver a sus orígenes y ser la misma banda que fueron por años.

Después de una carrera llena de álbumes con diferentes bandas, ¿tienes algún disco favorito dentro de todos en los que has participado?

La verdad es que no, creo que cada banda tiene lo suyo. The Scream, por ejemplo, fue mi primera banda, así que tener un contrato discográfico, viajar a Europa, irnos de gira, todas esas cosas fueron nuestra primera vez. Con Mötley Crüe todo era más grande, más loco, más rápido, ya sabes, en cambio con Union, por el contrario, todo era más introspectivo. Estoy muy orgulloso de cada cosa que he hecho en mi vida, no puedo decir que hay algún proyecto favorito, lo genial de cada banda en que he estado es el hecho de aprender algo y mantenerlo conmigo, permitiéndome seguir haciendo lo que amo. Lo aprendido en The Scream lo usé con Mötley Crüe, lo aprendido ahí lo usé en Union, luego todo lo adquirido lo apliqué en The Dead Daisies, y así. Todo ha sido muy divertido, no hay algo más que lo otro, aprendí de cada uno de ellos.

¿Pensaste en algún punto de tu vida reunirte de nuevo con The Scream?

No, nunca. No sé cómo explicarte esto. Si bien trabajé con ellos, no seguimos llevándonos bien posteriormente, la verdad. Y luego Walt, el baterista, lamentablemente murió, hace siete u ocho años, así que incluso si ellos quisieran reunirse, yo no lo haría porque no estaríamos los cuatro miembros originales.

Bueno, John, creo que esta fue la última pregunta porque se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría decir algo para tus fans aquí en Chile?

Estoy muy ansioso por ir a Chile, porque nunca antes he estado allá, así que espero verlos a todos en el show.

Gracias por tu tiempo, John. Fue un gran honor hablar contigo.

Gracias a ti, amigo. Cuídate. ¡Nos vemos!

Por Manuel Cabrales

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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