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Jerry Horton de Papa Roach: “Lamentamos que tuvieran que esperar tanto por nosotros”

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Nunca es tarde para saldar una deuda, y Papa Roach tiene una de años con sus fanáticos chilenos que, a principios de la década pasada, agitaron la cabeza al ritmo de los fraseos de Jacoby Shaddix presentes en el hit metalero, conocido como “Last Resort”. ¿Será muy tarde para el debut de los californianos en nuestro país? Esta incógnita ronda la cabeza de todos los que esperan con ansias el próximo 14 de agosto, día en el que podrán encontrarse cara a cara con la versión 2013 de una banda que dejó la cúspide hace mucho tiempo. Jerry Horton, guitarrista del conjunto, nos concedió una entrevista en donde profundiza en el presente del grupo y eleva las expectativas para el esperado debut en el Movistar Arena.

Primero que todo, ¿cómo está  la salud de Jacoby? Supe que ha estado muy enfermo y ha tenido que tomar especial precaución con su voz.

No está del todo mejor, se está cuidando y creo que se recuperará, pero nos hemos visto forzados a cancelar varios shows que teníamos programados para esta gira.

¿Estará todo bien para su show en Santiago?

Para cuando estemos en Chile, todo estará bien, eso podemos asegurarlo.

¿Por qué tardaron tanto en llegar a Sudamérica? ¿Crees que es el momento idóneo para que Papa Roach nos visite por primera vez?

Para serte honesto, no tengo idea. Nunca tuvimos un agente o promotor que nos ofreciera realizar una gira por esos lugares. Fue nuestra decisión la de realizar esta gira, algo que estuvo motivado principalmente por el feedback que recibimos de nuestros fanáticos sudamericanos a través de las redes sociales.

¿Y cómo ha respondido el público chileno? ¿Qué esperas que ocurra en su primer concierto en Chile?

Creo que será espectacular. La anticipación ha sido demasiada y no dejamos de recibir mensajes de aliento desde Chile. Será una noche increíble.

A lo largo de su carrera, Papa Roach, se ha destacado por recorrer variados estilos musicales. Primero fue el nü metal, luego el glam rock, algo de rock alternativo, y ahora con el lanzamiento de “The Connection” (2012), han explorado estilos de la electrónica como el dubstep. ¿De dónde nace la necesidad de Papa Roach por cambiar constantemente?

Es algo que siempre hemos hecho. Muchos pasan por diferentes fases a través de la vida, creo que nosotros también lo hemos hecho con la música. Durante la vida aparecen cosas nuevas, y en la música es igual. Como artistas es nuestro trabajo evolucionar, hacer cosas diferentes, ahora es la electrónica, pero nunca nos hemos despegado del rock, que es nuestro norte. Para el nuevo disco quisimos probar la electrónica como “intérprete” de una segunda guitarra, salirnos de lo tradicional, y personalmente estoy conforme con el resultado.

Para su concierto en Chile, y para la gira en general, ¿todas estas secciones electrónicas son tocadas en vivo, o utilizarán pistas pre grabadas?

Nos encantaría poder tocar todo en vivo, pero tendremos que usar pistas de fondo. Por temas de logística, no es posible poder interpretar esos instrumentos en vivo. Seremos sólo nosotros con nuestras guitarras.

Durante los primeros años del nuevo milenio, Papa Roach vivió su peak de popularidad. ¿Cómo crees que ha sido su evolución como músicos a los largo de su carrera? ¿Crees que sus fanáticos han logrado crecer con ustedes?

Creo que hemos crecido, y nuestros fanáticos también. Sin embargo, nos hemos dado cuenta que hemos sumado nuevos fanáticos con lo que estamos haciendo ahora. En la gira por Europa hemos visto a adolescentes con nuestras poleras, y es genial, porque tenemos a fanáticos que han crecido con nosotros y otros que vienen recién sumándose. Los más veteranos ceden el paso a los más jóvenes, quienes se lanzan contra la reja y moshean durante todo el espectáculo. Además, puede que estemos captando nuevo público debido a que ya no estamos tan “graves” con nuestra música y hemos podido empatizar con el público adolescente escribiendo música dirigida a ellos.

Si ya pudieron experimentar con la electrónica, ¿qué les depara el futuro? ¿Existe algún estilo en particular con el que te gustaría crear nueva música?

Me gustaría abandonar lo “plástico” y dejarnos llevar por algo más orgánico. Me encantaría poder usar pianos y órganos. Como banda, delimitar bien las cosas y enfocarnos en la melodía y en la música.

¿Los fanáticos old school podrán escuchar todos los clásicos en su show, o estará todo más enfocado al nuevo material?

Lo mezclamos todo, lo nuevo y lo viejo. Es un repaso por lo mejor de nuestra discografía. La verdad es que no creo que alguien salga decepcionado del show.

Por último, Jerry, ¿podrías enviar unas palabras a tus fanáticos chilenos?

A todos nuestros fanáticos en Chile, lamentamos que hayan tenido que esperar tanto por nosotros. Estamos muy emocionados por lo que pasará en agosto y queremos que todos estén presentes, porque les prometemos que después de esto, ya no tendrán que pasar trece años para una nueva visita de Papa Roach a su país.

Por Sebastián Zumelzu

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Se nota que los esperaron caleta ............ será un fiasco ese concierto.

    30-Jul-2013 en 6:39 pm

    pffffffffffff

  2. jesmal my life is rock and metal

    07-Ene-2014 en 4:59 pm

    papa roach es una banda super fantastica que me a ayudado a tenerle compasion a los pobres idiotas que no gustan de la buena musica como lo es el rock y el metal. soy muy joven tal vez para decir esto pero me gusta la vieja escuela y con ellos e aprendido tambien a evolucionar. existos chicos sigan haciendo lo que les gusta rock and roll. saludos desde venezuela los esperamos aqui tambien pronto.

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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