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Jean-Michel Jarre: “Hay gente que se mantiene viva trotando, yo lo hago creando música”

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A sus 69 años, Jean-Michel Jarre es toda una leyenda para la escena electrónica, ya que se le atribuyen técnicas tan revolucionarias como el uso de sintetizadores, considerándolo todo un pionero en estas lides. Además de eso, sus múltiples colaboraciones con diferentes artistas lo posicionan como uno de los músicos franceses más exitosos, en especial por su tercer álbum, “Oxygène” (1976), que vendió alrededor de 15 millones de copias.

Luego de años de espera, el mítico compositor francés debutará en Chile para presentarse el próximo 27 de marzo en Movistar Arena. Bajo ese contexto, nos reunimos en un hotel de Santiago para conversar sobre su gira, algunos de sus álbumes más importantes, su colaboración con Gorillaz en el disco “Humanz” (2017), entre otros aspectos de este destacado artista. Te dejamos a continuación toda nuestra conversación con el legendario músico francés.

Hola, Jean. Quiero comenzar hablando de “Oxygène”. En 2016 se cumplieron 40 años desde que lanzaste ese disco, ¿qué recuerdas de aquellos años?

Bueno, cuando hice “Oxygène” lo concebí por partes 1, 2, 3, etcétera. No hay títulos, cada track es como el capítulo de un libro, ya que me parecía interesante hacer una serie a lo largo de mi vida y poder lanzar una secuela de este disco. Me encantan las secuelas en la literatura, la televisión, las películas, y eso no existe tanto en la música, así que cuando me hice esa pregunta a mí mismo, decidí ir por ese camino. “Oxygène 3” (2016), por ejemplo, es como “Oxygène: Tercera Temporada”, con algunos sonidos e instrumentos que son lo mismo, pero en un escenario e historia diferente.

Este es el álbum más vendido en la historia de Francia, ¿estabas preparado para un éxito así en ese momento?

¿En ese momento? No, fue una gran sorpresa, porque no era mi primer intento de realizar un álbum de música electrónica, los anteriores trabajos que hice se vendieron sólo en mi calle (risas), pero con este disco, sobre todo después de haber sido rechazado por todas las compañías discográficas, no me di por vencido. En ese sentido, es un consejo que le daría a los principiantes: no se rindan y hagan lo que quieren hacer, no se limiten porque les dicen que no. El responderse quién eres, es algo único como definición, eso lo traté de hacer con “Oxygène” y funcionó.

Luego vino “Équinoxe” (1978), el que incluso tocaste frente a una audiencia de un millón de personas. ¿Fue diferente hacer este álbum en comparación al anterior?

“Équinoxe” es probablemente uno de mis álbumes favoritos de toda la vida, porque hay rezagos de lo que quise hacer en “Oxygène”, además de que no tuve presión alguna haciéndolo. Cuando te llega el éxito de esta forma tienes un montón de nuevos amigos, en especial en tu compañía discográfica, que te presionan y hacen todo un poco más difícil con esa atmósfera. Intenté olvidar eso, y busqué lo que quería representar bajo el concepto de lo que fue el álbum.

Tus composiciones están concebidas como “música del futuro”. Considerando que estamos en 2017, ¿cuál crees que es la clave para seguir sonando fresco y futurista?

Nunca me sentí como que estaba haciendo algo futurista, pero cuando era adolescente siempre me interesaron los conceptos futuristas como la ciencia ficción, y todavía lo estoy ahora. Creo que de alguna forma olvidamos esta idea del futuro, este apetito de lo que viene, pero ahora ha regresado con películas como “Interstellar”, “Gravity” y “The Martian”, entre otras. Estoy fascinado con conceptos como la Inteligencia Artificial, con todo lo que está ocurriendo ahora en 2017; para mí es como una fuente de inspiración que espero me mantenga fresco.

¿Qué opinas sobre la escena electrónica en la actualidad? Considerando que hoy en día hay más DJs que artistas tocando verdaderamente música electrónica…

Creo que la escena musical electrónica nunca ha sido tan rica como lo es ahora. Mi proyecto “Electronica” está basado en eso, en celebrar a las tantas personas involucradas directa o indirectamente con la música electrónica, a los tantos estilos diferentes, y distintas generaciones también. La música electrónica está en todos lados y tienes muchos artistas muy muy buenos, con los cuales tuve el privilegio de trabajar, y por supuesto me gustaría poder colaborar más en el futuro. Ustedes aquí en Chile tienen muy buenos artistas electrónicos, como Ricardo Villalobos o Nicolas Jaar, que aunque se mueva entre Chile y Nueva York, es chileno también.

En cuanto a tus álbumes “Electronica” (2015-2016), ¿por qué escogiste a esos artistas para trabajar en él?

Principalmente quería trabajar con gente que fuera una fuente de inspiración para mí; el hecho de que estuvieran ligados a la música electrónica era importante para mí. Les pregunté y todos dijeron que sí, así que terminé teniendo un montón de colaboradores, por eso tuve que separar el disco en los volúmenes 1 y 2.

¿Crees que podríamos tener un volumen 3 en el futuro?

Quizás, porque estoy considerando a “Electronica” como un proyecto permanente. Un crítico de música en Londres una vez me dijo que con esto estaba inventando el concepto del álbum infinito. Me gustó eso, así que es por esa razón que “Electronica” va por un camino diferente a otro álbum que pueda hacer, es algo que experimenté colaborando con diferentes artistas. También colaboro con álbumes de otros, como fue el caso de Damon Albarn y Gorillaz recientemente, fui parte de tres canciones. Y es interesante que estas colaboraciones terminen abriendo nuevas ventanas y forzándote a trabajar en conjunto más frecuentemente.

¿Y cómo terminaste trabajando con Damon Albarn en el último álbum de Gorillaz?

Nos conocimos en París, donde ambos vivimos. Me dijo que le gustaría que colaborara en un proyecto, pero yo no sabía que era Gorillaz en ese momento. Luego, en Londres, pasamos como dos o tres días en su estudio y luego trabajamos en un montón de canciones, pero en especial en tres que quedaron en el álbum: “We Got The Power” y dos más que olvidé, pero son fáciles de encontrar (risas).

Uno de los invitados en “Electronica” es Pete Townshend, guitarrista de The Who. ¿Por qué lo escogiste siendo él un artista ligado al rock?

Porque Pete es quien introdujo las secuencias propias de la música electrónica en el rock británico, con álbumes como “Who’s Next” (1971), o tracks como “Baba O’Riley”, además de que fortaleció las formas de tocar en vivo, como la ópera rock con conciertos que utilizaban un montón de conceptos audiovisuales. Noté que por eso teníamos mucho en común y estoy muy contento de colaborar con él. Hicimos un canción en tres partes llamada “Travelator”, pero en el disco sólo quedó la parte 2, porque de lo contrario habría sido un track muy largo con Pete Townshend en medio de todos los demás, así que me gustaría lanzar las otras dos partes en el futuro.

Hay artistas como The Who, entre otras bandas, que tienen un montón de álbumes tal como tú, pero en cierto punto dejan de lanzar discos y sólo giran. ¿Por qué sientes la necesidad de seguir haciendo música nueva?

Depende del punto de vista. En el cine, la literatura, la música, la pintura, tienes personas que en cierto punto ya no quieren seguir haciendo eso. Las razones deberías preguntárselas a cada uno para saber por qué no lo hacen más. En mi caso, estoy siempre emocionado por hacer nuevos proyectos, como si fuera el primer día, siempre estoy recibiendo material y trabajando en nuevos proyectos con la mejor de las ganas, creo que en, en mi opinión, eso es lo que me mantiene fresco. Hay gente que se mantiene viva trotando, yo lo hago creando música (risas).

Este será tu debut aquí en Chile, ¿qué nos puedes contar sobre este próximo show en Santiago?

Estoy muy emocionado de compartir con la audiencia chilena el “Electronica Tour”, porque es probablemente el proyecto más sofisticado y espectacular en que me he involucrado. Yo mismo diseñé toda la escenografía para crear esta atmósfera 3D sin lentes, con algunas pantallas LED transparentes moviéndose por el escenario, y también para cada track diseñé gráficas y visuales. Por supuesto, nuestro equipo es quien las desarrolla, pero quería controlar todo para lograr la idea que tenía. Además, es un proyecto expandible porque puedo tocar en exteriores, en arenas grandes como el Movistar Arena, en teatros, estadios, en fin, es un proyecto modular. De verdad tienes que verlo para creerlo. Si lo ves en YouTube puedes pensar “ah, sí entiendo de qué se trata”, pero si lo experimentas en vivo es algo totalmente diferente.

Has tocado en un montón de lugares durante tu carrera, especialmente en exteriores, como las pirámides de Egipto. ¿Hay algún lugar donde te gustaría tocar, pero nunca se ha dado?

Hay un montón de lugares, pero en todas las partes donde he tocado es porque me lo han preguntado, y hay lugares donde me falta tocar aún, como algún exterior en Sudamérica. Hubo algunos proyectos en Chile en el pasado donde planeamos tocar en lugares como alguna plaza de Santiago, o la Patagonia, y por diferentes razones no pasó nada, aunque espero que en el futuro se pueda concretar.

¿Habrá alguna sorpresa en el show para tus fans chilenos?

Sí, pero como es una sorpresa, no puedo hablar de eso (risas). Bueno, en realidad hay una emoción muy grande por tocar acá, porque desde que empecé he recibido muchas cartas de apoyo desde Chile, así que me gustaría devolverles ese cariño a las personas. El espectáculo es como un animal evolucionando, estoy preparando un show diferente a lo que estuve haciendo en Norteamérica, estoy mejorando todo, todo está más controlado y preciso que antes, además que habrá algunos arreglos especialmente para el público chileno.

Bueno, Jean, estamos terminando esta entrevista, ¿te gustaría decir algunas palabras para los lectores de HumoNegro?

Hola, mi nombre es Jean-Michel Jarre y quiero saludar a todos los lectores de HumoNegro, estoy ansioso de verlos a todos este 27 de marzo en el Movistar Arena, en Santiago. Nos vemos.

Fotos por Pedro Mora

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Mario Sawers

    05-Sep-2017 en 11:33 pm

    No puedo creer q me lo perderé ctm

  2. Fernando

    04-Nov-2017 en 11:10 pm

    Nos estamos agrupando para querellarnos contra los ejecutivos de esta productora y además demandar colectivamente, han jugado con el sueño de miles de chilenos, argentinos y brasileños que han esperado por décadas ver al maestro JARRE

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Entrevistas

Miyavi: “Estoy muy entusiasmado de ver a mi gente de Chile de nuevo”

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Miyavi

Luego de casi siete años de ausencia en los escenarios locales, el japonés Miyavi volverá a Chile para presentar esta nueva etapa de su carrera, más ligada al dance y la electrónica, pero sin dejar de lado los furiosos guitarrazos que despliega en el escenario. Será este próximo 29 de mayo en Club Blondie cuando el nipón realice su cuarta presentación en nuestro país, anotándose con hitos como el primer artista masivo de su país en presentarse en Chile con un repleto Teatro Teletón en 2008, así como también el primero en llegar a un festival como Maquinaria 2011, donde resaltó siendo la gran sorpresa de la segunda jornada. Ahora esos días, acompañado de un colectivo musical, una banda de rock e incluso sólo con batería, han quedado atrás, ya que Miyavi mira hacia el futuro con una configuración completamente diferente, privilegiando los sonidos electrónicos.

Esa necesidad de estar a la vanguardia e ir siempre avanzando –algo casi innato del país asiático– es lo que mantiene a Miyavi en la órbita, transformándose poco a poco en un artista que traspasa las barreras de su tierra. Todo eso fue motivo suficiente para sentarnos a conversar con el guitarrista, quien nos habló de sus recuerdos de Chile, su carrera como actor, la influencia de otros músicos japoneses en su vida, entre otras cosas, en una entrevista exclusiva que te dejamos de manera integra a continuación.

El 21 de mayo se cumplieron 10 años desde la primera vez que tocaste en Santiago. Obviamente, no fue la última, ya que regresaste en 2009 y 2011, pero quiero preguntarte específicamente sobre la primera vez. ¿Qué recuerdas de esa experiencia?

Bueno, fue extraño para mi ir la primera vez, jamás imaginé que todo fuera tan asombroso. Siempre recuerdo el apoyo que me dieron, incluso ahora que ha pasado mucho tiempo desde la última vez que fui. Han sido de mucho apoyo por muchísimos años, recuerdo que incluso fui a visitar esa estatua que tienen en la cima de un cerro, la ciudad se veía hermosa desde esa altura. Tengo los mejores recuerdos de Santiago.

Ahora vuelves luego de casi siete años de ausencia, con un nuevo estilo y, además, con una nueva banda en escena. ¿Qué puedes contarnos sobre esta gira?

Bueno, ya sabes, tenemos una mejor producción, además de un nuevo estilo, con baterías, un DJ y una corista. Obviamente haremos tracks nuevos, pero también algunos más antiguos, siento que será un encuentro muy importante porque tendremos ese preciado reencuentro, donde miraremos juntos hacia el futuro. De cierta forma, tanto el público como yo hemos crecido juntos, así que estoy muy entusiasmado de ver a mi gente de Chile de nuevo, ha pasado mucho tiempo desde que estuve ahí. Su apoyo es tremendo; de hecho, no teníamos planeado llevar esta gira a Sudamérica, no pudimos llegar a acuerdo con los promotores locales, pero los fans comenzaron a pedirlo y hacer sentir su voz fuertemente, y luego logramos un buen trato y así podremos ir. Los fans lo hicieron posible; si no se manifestaban, era muy probable que no pudiera volver allá.

Es interesante que menciones eso de mirar al futuro juntos. Pasaste por un período eléctrico con el álbum “Miyavizm” (2005), luego acústico en “Miyaviuta -Dokusou-” (2006), después te acercaste al hip hop en “This Iz The Japanese Kabuki Rock” (2008), estando ahora en otra etapa completamente diferente a todas las anteriores. ¿Qué versión de Miyavi veremos ahora?

Bueno, esto es un poco complejo, ya que siempre estoy experimentando. Diría que en cierta forma sigo siendo acústico, incluso con el shamisen, que lo volví a tocar hace un tiempo en un evento del que fui parte en Kyoto, donde se hizo conciencia del cuidado de nuestro planeta. No es que haya dejado esas cosas de lado, sólo que ahora me enfoco en lo nuevo, un poco más dance y EDM, con la guitarra siempre presente, por supuesto. Creo que, si quieres hacer algo nuevo, la guitarra es muy importante, siempre debe estar presente. Ya sea en América o en Japón, es difícil que canciones con guitarra se hagan populares en las radios. Mi intención es hacer de la música con guitarras algo interesante.

Considerando que siempre estás experimentando, ¿crees que en el futuro veamos otra fase completamente distinta en tu música?

No lo sé, siempre estoy enfocado en el presente. Es divertido, porque nunca sabes que vendrá después. Si lo pienso, creo que he estado aferrado a este estilo por muchos años, quizás sea la dirección que estaba buscando, no lo sé.

Quisiera preguntarte una curiosidad: he notado que muchos de tus álbumes no están en servicios de streaming, como Spotify, sobre todo los de la primera etapa de tu carrera. ¿Es esto por querer potenciar más tu presente musical?

¡Oh! ¿No están disponibles? La verdad no lo sabía (risas). Me encantaría que estuviera toda mi música disponible, le preguntaré a mi staff sobre eso. La verdad no tengo idea, le preguntaré a mi gente sobre eso, quizás sólo están disponibles en algunas zonas del mundo, no es mi intención omitir ninguno de esos discos.

Hablando de eso, quiero que reflexionemos sobre el álbum “This Iz The Japanese Kabuki Rock” (2008), que cumple 10 años desde su lanzamiento. En este disco experimentaste por primera vez con un montón de estilos diferentes, creando una obra que, en mi opinión, es el mejor álbum de tu discografía. ¿Sientes que marcó un precedente en tu carrera?

Sí, sí, fue muy divertido. Quería mostrar la cultura japonesa, pero además mezclar la música moderna con un toque diferente. En esos momentos teníamos un montón de gente en el escenario: un beatboxer, un bailarín de tap, un DJ, en fin, una mezcla muy diversa. También fue un experimento en toda su forma, de verdad que fue un desafío muy grande para mí, lo que me ayudó a ampliar mucho más mis capacidades.

Bueno, ya que soy seguidor de la música japonesa desde mi infancia, quisiera preguntarte a ti sobre tus bandas favoritas. ¿Qué artistas creciste escuchando?

Bueno, principalmente escuchaba guitarristas como hide, Tomoyasu Hotei, ya sabes, los músicos más destacados de Japón en aquellos años. También fui muy seguidor de Masayoshi Takanaka, uno de los mejores guitarristas de Japón, todos ellos me inspiraron a tocar la guitarra, gracias a ellos me fui formando como guitarrista.

Sé que tocas un cover de hide en esta gira, “Pink Spider”, canción que versionarás en “hide TRIBUTE IMPULSE” (2018), próximo álbum en su honor. ¿Cuán grande su influencia en tu música?

Me inspiré mucho en su actitud, su música y la relación que hacía entre diferentes elementos. Realmente admiro su actitud, cómo tenía la capacidad de plasmarla en sus creaciones, es algo verdaderamente asombroso. Cuesta creer que ya pasaron 20 años desde que falleció, por lo que es un honor para mí tener la oportunidad de tocar una de sus canciones.

Pasemos a otro tema: interpretaste el papel de Kuchiki Byakuya en la película live action del animé “Bleach” (“Bleach”, Shinsuke Sato, 2018), que está pronto a estrenarse. ¿Cómo fue la experiencia de darle vida a un personaje tan icónico como este?

Fue muy entretenido, no estaba seguro de aceptar el rol porque jamás esperé interpretar a un personaje de animé, pero sé que muchos de mis fans adoran la serie y también me interesé en la relación que el personaje tiene con su hermana, la forma en que él quiere e intenta protegerla es muy parecida al cariño que tengo yo por mi hermana, así como también por mis hijas. Se ve como un tipo duro, pero en el fondo es dulce y sobreprotector con sus cercanos, esos sentimientos que él tiene son muy interesantes para mí, por eso quise intentar el papel.

Obviamente, esta no es tu primera película, ya que también has actuado en algunos filmes americanos (“Unbroken”, “Kong: Skull Island”). ¿Tienes algún proyecto a futuro?

Sí, claro. Además de “Bleach”, se viene “Gangoose” (“Yu Irie”, 2018), que también está basado en un animé. Trata sobre la vida en los guetos, donde hay chicos que deben sobrevivir haciendo cosas malas, pero que ven como una forma de hacer justicia. Incluso en Japón, que es considerado un país rico, todavía hay muchísimos problemas; la brecha entre ricos y pobres es muy notoria, la manera en que estos chicos de la película sobreviven es una situación completamente real. El personaje que interpreto es un villano, es el jefe de una pandilla en Tokio, que se comporta muy locamente.

Bueno, Miyavi, esa fue la última pregunta. Te agradezco por el tiempo que te tomaste para hablar con nosotros. Para finalizar: ¿te gustaría enviar un mensaje a tus fans en Chile?

Primero que todo, realmente estoy muy muy agradecido por su apoyo, perdónenme por tardar tanto en regresar, pero ahora prepárense, porque estoy listo para rockear con ustedes de nuevo. Hemos crecido juntos y estoy muy feliz de compartir esta nueva visión con ustedes. Les llevaré muchas canciones nuevas, todas con una perspectiva diferente, pero también tendré algunas antiguas. El punto es que no estamos viviendo del pasado, estamos avanzando y creando un futuro juntos, espero que podamos compartir eso y sentir cómo todos nos movemos para avanzar hacia otros tiempos. Muchas gracias por todo.

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