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Jean-Michel Jarre: “Hay gente que se mantiene viva trotando, yo lo hago creando música”

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A sus 69 años, Jean-Michel Jarre es toda una leyenda para la escena electrónica, ya que se le atribuyen técnicas tan revolucionarias como el uso de sintetizadores, considerándolo todo un pionero en estas lides. Además de eso, sus múltiples colaboraciones con diferentes artistas lo posicionan como uno de los músicos franceses más exitosos, en especial por su tercer álbum, “Oxygène” (1976), que vendió alrededor de 15 millones de copias.

Luego de años de espera, el mítico compositor francés debutará en Chile para presentarse el próximo 27 de marzo en Movistar Arena. Bajo ese contexto, nos reunimos en un hotel de Santiago para conversar sobre su gira, algunos de sus álbumes más importantes, su colaboración con Gorillaz en el disco “Humanz” (2017), entre otros aspectos de este destacado artista. Te dejamos a continuación toda nuestra conversación con el legendario músico francés.

Hola, Jean. Quiero comenzar hablando de “Oxygène”. En 2016 se cumplieron 40 años desde que lanzaste ese disco, ¿qué recuerdas de aquellos años?

Bueno, cuando hice “Oxygène” lo concebí por partes 1, 2, 3, etcétera. No hay títulos, cada track es como el capítulo de un libro, ya que me parecía interesante hacer una serie a lo largo de mi vida y poder lanzar una secuela de este disco. Me encantan las secuelas en la literatura, la televisión, las películas, y eso no existe tanto en la música, así que cuando me hice esa pregunta a mí mismo, decidí ir por ese camino. “Oxygène 3” (2016), por ejemplo, es como “Oxygène: Tercera Temporada”, con algunos sonidos e instrumentos que son lo mismo, pero en un escenario e historia diferente.

Este es el álbum más vendido en la historia de Francia, ¿estabas preparado para un éxito así en ese momento?

¿En ese momento? No, fue una gran sorpresa, porque no era mi primer intento de realizar un álbum de música electrónica, los anteriores trabajos que hice se vendieron sólo en mi calle (risas), pero con este disco, sobre todo después de haber sido rechazado por todas las compañías discográficas, no me di por vencido. En ese sentido, es un consejo que le daría a los principiantes: no se rindan y hagan lo que quieren hacer, no se limiten porque les dicen que no. El responderse quién eres, es algo único como definición, eso lo traté de hacer con “Oxygène” y funcionó.

Luego vino “Équinoxe” (1978), el que incluso tocaste frente a una audiencia de un millón de personas. ¿Fue diferente hacer este álbum en comparación al anterior?

“Équinoxe” es probablemente uno de mis álbumes favoritos de toda la vida, porque hay rezagos de lo que quise hacer en “Oxygène”, además de que no tuve presión alguna haciéndolo. Cuando te llega el éxito de esta forma tienes un montón de nuevos amigos, en especial en tu compañía discográfica, que te presionan y hacen todo un poco más difícil con esa atmósfera. Intenté olvidar eso, y busqué lo que quería representar bajo el concepto de lo que fue el álbum.

Tus composiciones están concebidas como “música del futuro”. Considerando que estamos en 2017, ¿cuál crees que es la clave para seguir sonando fresco y futurista?

Nunca me sentí como que estaba haciendo algo futurista, pero cuando era adolescente siempre me interesaron los conceptos futuristas como la ciencia ficción, y todavía lo estoy ahora. Creo que de alguna forma olvidamos esta idea del futuro, este apetito de lo que viene, pero ahora ha regresado con películas como “Interstellar”, “Gravity” y “The Martian”, entre otras. Estoy fascinado con conceptos como la Inteligencia Artificial, con todo lo que está ocurriendo ahora en 2017; para mí es como una fuente de inspiración que espero me mantenga fresco.

¿Qué opinas sobre la escena electrónica en la actualidad? Considerando que hoy en día hay más DJs que artistas tocando verdaderamente música electrónica…

Creo que la escena musical electrónica nunca ha sido tan rica como lo es ahora. Mi proyecto “Electronica” está basado en eso, en celebrar a las tantas personas involucradas directa o indirectamente con la música electrónica, a los tantos estilos diferentes, y distintas generaciones también. La música electrónica está en todos lados y tienes muchos artistas muy muy buenos, con los cuales tuve el privilegio de trabajar, y por supuesto me gustaría poder colaborar más en el futuro. Ustedes aquí en Chile tienen muy buenos artistas electrónicos, como Ricardo Villalobos o Nicolas Jaar, que aunque se mueva entre Chile y Nueva York, es chileno también.

En cuanto a tus álbumes “Electronica” (2015-2016), ¿por qué escogiste a esos artistas para trabajar en él?

Principalmente quería trabajar con gente que fuera una fuente de inspiración para mí; el hecho de que estuvieran ligados a la música electrónica era importante para mí. Les pregunté y todos dijeron que sí, así que terminé teniendo un montón de colaboradores, por eso tuve que separar el disco en los volúmenes 1 y 2.

¿Crees que podríamos tener un volumen 3 en el futuro?

Quizás, porque estoy considerando a “Electronica” como un proyecto permanente. Un crítico de música en Londres una vez me dijo que con esto estaba inventando el concepto del álbum infinito. Me gustó eso, así que es por esa razón que “Electronica” va por un camino diferente a otro álbum que pueda hacer, es algo que experimenté colaborando con diferentes artistas. También colaboro con álbumes de otros, como fue el caso de Damon Albarn y Gorillaz recientemente, fui parte de tres canciones. Y es interesante que estas colaboraciones terminen abriendo nuevas ventanas y forzándote a trabajar en conjunto más frecuentemente.

¿Y cómo terminaste trabajando con Damon Albarn en el último álbum de Gorillaz?

Nos conocimos en París, donde ambos vivimos. Me dijo que le gustaría que colaborara en un proyecto, pero yo no sabía que era Gorillaz en ese momento. Luego, en Londres, pasamos como dos o tres días en su estudio y luego trabajamos en un montón de canciones, pero en especial en tres que quedaron en el álbum: “We Got The Power” y dos más que olvidé, pero son fáciles de encontrar (risas).

Uno de los invitados en “Electronica” es Pete Townshend, guitarrista de The Who. ¿Por qué lo escogiste siendo él un artista ligado al rock?

Porque Pete es quien introdujo las secuencias propias de la música electrónica en el rock británico, con álbumes como “Who’s Next” (1971), o tracks como “Baba O’Riley”, además de que fortaleció las formas de tocar en vivo, como la ópera rock con conciertos que utilizaban un montón de conceptos audiovisuales. Noté que por eso teníamos mucho en común y estoy muy contento de colaborar con él. Hicimos un canción en tres partes llamada “Travelator”, pero en el disco sólo quedó la parte 2, porque de lo contrario habría sido un track muy largo con Pete Townshend en medio de todos los demás, así que me gustaría lanzar las otras dos partes en el futuro.

Hay artistas como The Who, entre otras bandas, que tienen un montón de álbumes tal como tú, pero en cierto punto dejan de lanzar discos y sólo giran. ¿Por qué sientes la necesidad de seguir haciendo música nueva?

Depende del punto de vista. En el cine, la literatura, la música, la pintura, tienes personas que en cierto punto ya no quieren seguir haciendo eso. Las razones deberías preguntárselas a cada uno para saber por qué no lo hacen más. En mi caso, estoy siempre emocionado por hacer nuevos proyectos, como si fuera el primer día, siempre estoy recibiendo material y trabajando en nuevos proyectos con la mejor de las ganas, creo que en, en mi opinión, eso es lo que me mantiene fresco. Hay gente que se mantiene viva trotando, yo lo hago creando música (risas).

Este será tu debut aquí en Chile, ¿qué nos puedes contar sobre este próximo show en Santiago?

Estoy muy emocionado de compartir con la audiencia chilena el “Electronica Tour”, porque es probablemente el proyecto más sofisticado y espectacular en que me he involucrado. Yo mismo diseñé toda la escenografía para crear esta atmósfera 3D sin lentes, con algunas pantallas LED transparentes moviéndose por el escenario, y también para cada track diseñé gráficas y visuales. Por supuesto, nuestro equipo es quien las desarrolla, pero quería controlar todo para lograr la idea que tenía. Además, es un proyecto expandible porque puedo tocar en exteriores, en arenas grandes como el Movistar Arena, en teatros, estadios, en fin, es un proyecto modular. De verdad tienes que verlo para creerlo. Si lo ves en YouTube puedes pensar “ah, sí entiendo de qué se trata”, pero si lo experimentas en vivo es algo totalmente diferente.

Has tocado en un montón de lugares durante tu carrera, especialmente en exteriores, como las pirámides de Egipto. ¿Hay algún lugar donde te gustaría tocar, pero nunca se ha dado?

Hay un montón de lugares, pero en todas las partes donde he tocado es porque me lo han preguntado, y hay lugares donde me falta tocar aún, como algún exterior en Sudamérica. Hubo algunos proyectos en Chile en el pasado donde planeamos tocar en lugares como alguna plaza de Santiago, o la Patagonia, y por diferentes razones no pasó nada, aunque espero que en el futuro se pueda concretar.

¿Habrá alguna sorpresa en el show para tus fans chilenos?

Sí, pero como es una sorpresa, no puedo hablar de eso (risas). Bueno, en realidad hay una emoción muy grande por tocar acá, porque desde que empecé he recibido muchas cartas de apoyo desde Chile, así que me gustaría devolverles ese cariño a las personas. El espectáculo es como un animal evolucionando, estoy preparando un show diferente a lo que estuve haciendo en Norteamérica, estoy mejorando todo, todo está más controlado y preciso que antes, además que habrá algunos arreglos especialmente para el público chileno.

Bueno, Jean, estamos terminando esta entrevista, ¿te gustaría decir algunas palabras para los lectores de HumoNegro?

Hola, mi nombre es Jean-Michel Jarre y quiero saludar a todos los lectores de HumoNegro, estoy ansioso de verlos a todos este 27 de marzo en el Movistar Arena, en Santiago. Nos vemos.

Fotos por Pedro Mora

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Mario Sawers

    05-Sep-2017 en 11:33 pm

    No puedo creer q me lo perderé ctm

  2. Fernando

    04-Nov-2017 en 11:10 pm

    Nos estamos agrupando para querellarnos contra los ejecutivos de esta productora y además demandar colectivamente, han jugado con el sueño de miles de chilenos, argentinos y brasileños que han esperado por décadas ver al maestro JARRE

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Entrevistas

Vladislav Parshin de Motorama: “La gente de acá es muy sensitiva con la música”

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Motorama

En su mejor momento creativo, con mucho equilibrio y colores en su propuesta, Motorama regresa a Chile el próximo sábado 18 de mayo para tocar en el ciclo de los 26 años de Club Blondie, y tuvimos la oportunidad para consultarle a Vladislav Parshin, vocalista y guitarrista de la banda, sobre su música en general y sus últimas novedades.

Parshin explora en la propuesta musical de la agrupación rusa, en los elementos que marcan “Many Nights” (2018), el álbum que sirve como excusa para su regreso a nuestro país, y mucho más, antes de la cita donde también estará la banda nacional Playa Gótica, evento para el que aún hay entradas disponibles Blondietickets.

Cuando escuchamos “Many Nights”, podemos notar que todo suena más brillante y liviano que antes. ¿Eso es algo que querían conseguir? ¿Buscaban mantener la oscuridad, pero además mostrar una vía hacia la luz?

Entiendo a lo que te refieres, pero para mí no es ni tan brillante, ni tan oscuro.

¿Qué crees es lo más atractivo del público sudamericano? Porque los fans mexicanos o peruanos son muy afectuosos, tal como los chilenos, ¿cómo se sienten respecto a eso, considerando que acá son casi una banda de culto?

Siempre hemos sido muy bienvenidos aquí y, supongo, tenemos una relación especial con el público de Sudamérica. Nuestro amor es afectuoso, espiritual y muy fuerte. La gente de acá es muy sensitiva con la música.

En “Many Nights” hay más elementos electrónicos, pero ustedes son una banda más orgánica por lo general. ¿Cómo ponderan el balance entre estos dos mundos de infinito sonido para mantenerse lo más genuinos posible como banda?

Soy un gran fan, tanto de la música acústica como la electrónica. Creo que podría haber cierto tipo de “bromance” entre todos estos elementos para este álbum. Diría que, para mí, es más acústico que electrónico.

“Voice From The Choir” y “He Will Disappear” suenan muy de los ochenta, pero con el clásico carácter y ritmo de la banda. ¿Hubo quizás cierta nostalgia sobre los sonidos o elementos ochenteros cuando estaban haciendo este disco?

Nací a mitad de los ochentas, escuchando un montón de música de ese tiempo en los noventa, así que ese período musical es uno de mis favoritos y también es una parte de mí.

¿Cuáles son los elementos que piensan que la gente menos comprende sobre la música de Motorama?

No lo sé, nunca he pensado en eso.

Aquí en Chile solemos escuchar bandas americanas o de Europa, por lo que nos perdemos mucho de lo que está pasando con la música del este, especialmente de Rusia, quizás por la barrera del lenguaje. ¿Cuáles son las cosas más interesantes que están pasando en la escena rusa en la actualidad?

No soy un gran experto de la escena local, quizás sabes que estamos viviendo en Rostov-on-Don, a las afueras de las comunidades musicales de Moscú y San Petesburgo. En general, no podría decir que tenemos una explosión musical en estos momentos, pero eso es solamente por mi gusto. Hay algunas bandas buenas, pero no tantas.

¿Cuáles son los sonidos y paisajes musicales que los formaron como artistas? Pregunto porque entendemos que ustedes intentan traer algunos de los sonidos soviéticos del pasado a la actualidad, por lo que es interesante abordar cuales serían esos elementos.

Crecí viendo películas y dibujos animados soviéticos, las bandas sonoras de todos ellos eran algo bien especifico, como una mezcla de elementos futuristas hechos de sintetizadores, que ahora se le llama “Ola Soviética”. También tenemos algunos elementos de bandas soviéticas de los 70 y 80 que tenían guitarras con algunas influencias occidentales.

Finalmente, debo preguntarte sobre el arte visual que hacen. Las portadas de los álbumes, las fotografías promocionales, incluso los afiches para promover los conciertos son hermosos. ¿Hay alguna inspiración para esto? Se me imagina que podría estar relacionado con paisajes rusos, como Rostov quizás, su ciudad de origen, o quizás hay algún otro elemento.

No creo que tengamos un motivo especial para nuestras visuales, es más que nada una especie de decoración. No lo llamaría arte en nuestro caso, tenemos afiches y portadas bastante simples. Aun así, me alegra mucho si es que vez algo de profundidad en todo eso, me gustan mucho algunas de las fotos que hemos podido usar, como, por ejemplo, la de “Many Nights”, que fue hecha por uno de mis fotógrafos soviéticos favoritos: Vadim Gippenreiter, su hija nos permitió usar una fotografía tomada en los 60, en el lejano este de Rusia.

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