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Gorillaz: Apostando a más

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Una de las características que define al rock contemporáneo tiene que ver con su capacidad de responder a ciclos. El punk como respuesta –entre otras cosas– a la pomposidad del rock progresivo, el grunge como respuesta al glam metal y, en el caso que nos convoca, Gorillaz como respuesta a una escena estancada. Se acercaba el fin de siglo y las revoluciones musicales que le habían dado vida a los noventa comenzaban a hacerse predecibles y autocomplacientes, perdiendo por completo la irreverencia que alguna vez les había sobrado.

La fórmula seguía repitiéndose hasta el hastío y cada nuevo exponente no era más que una mala copia del anterior. Jamie Hewlett (cofundador de Gorillaz) lo expresaría de la siguiente forma al ser consultado: “Si alguien mira MTV durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta de que es un poco como el infierno: ahí no hay nada interesante”. Pues bien, frente a las crisis hay quienes esperan pacientemente a que las cosas cambien y otros que se sienten con la obligación de hacer algo. Hewlett y Albarn son del segundo grupo.

Si el desafío era proponer algo transgresor, la idea de una banda formada por caricaturas dio justo en el blanco. Sin ser la primera agrupación de rock animada, puesto que The Archies ya había recorrido esta senda en 1968, 2-D (voz y teclado), Murdoc (bajo), Noodle (guitarra y voz) y Russel (batería) definitivamente lograron capturar la atención de todos desde el primer día. Han pasado diecisiete años desde su lanzamiento y “Clint Eastwood” sigue sintiéndose como uno de esos singles que roza la perfección. Echando mano a un sample del tema principal de la cinta “Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo” (Sergio Leone, 1966) y a un video que resucita imágenes grabadas a fuego en la memoria colectiva (los gorilas bailando al estilo de “Thriller” de Michael Jackson), además de ser tremendamente contagioso, el track tiene el mérito adicional de revelar en tan sólo seis minutos las dos características que a la larga definirían la identidad musical del conjunto: el riesgo a la hora de explorar géneros y la nutrida presencia de colaboraciones.

Sirviéndose de una generosa base hip hop, un par de excelentes singles y un fantástico puñado de canciones destinadas a explorar otros domicilios musicales con “Sound Check”, “Punk” o la maravillosa “Latin Simone (¿Qué Pasa Contigo?)” que anota una imperdible colaboración del músico cubano Ibrahim Ferrer, el homónimo “Gorillaz” (2001) no tuvo grandes problemas para instalarse como una de las ofertas más interesantes de su momento. Con el público ya entregado, “Demon Days” (2005) podría haberse limitado a lanzar un par de buenos singles, sin aspirar a más, sin embargo, es en este momento donde el conjunto comienza a definir su real identidad, obligándose a ir por más. Nuevamente hacen la tarea con un par de singles de alto impacto como “Feel Good Inc.” y “DARE”, pero es el cuidado puesto en esos “otros” temas lo que realmente comienza a nutrir el bestiario de la banda (“Fire Coming Out Of The Monkey’s Head” y “Don’t Get Lost In Heaven” hacia el final del álbum son realmente imperdibles).

Con el tiempo, el mensaje sería cada vez más evidente y, en el caso de Gorillaz, leer entre líneas comenzaba a ser definitivamente más interesante que quedarse con la portada. Tras varios años y con pausas cada vez más extensas, “Plastic Beach” (2010), “The Fall” (2010) y “Humanz” (2017) se encargarían de cerrar la historia por el momento, dando lugar a un epílogo desafiante y, al mismo tiempo, inesperado. Si en los dos primeros discos del conjunto habíamos visto desfilar colaboradores, desde “Plastic Beach” en adelante estos terminan definitivamente adueñándose de la identidad de la banda, expandiendo los límites de la oferta sonora en un camino que parece no tener retorno. Snoop Dogg, Lou Reed, los ex The Clash, Mick Jones y Paul Simonon, Mos Def, Grace Jones, Jean-Michel Jarre e incluso Graham Coxon, llegarían a formar parte de esta fiesta con la intención de sumar aportes, estableciendo una dinámica que hoy parece más propia de una cooperativa que de una banda tradicional.

Los singles de antología y los innumerables “lados b” que posee la banda han seguido deleitándonos, invitándonos a disfrutar de una paleta sonora cada vez más generosa, que en la actualidad se da el lujo de incorporar con absoluta naturalidad ritmos que van desde la arábica “White Flag”, al synth pop de “We Got The Power”, pasando por la distorsionada presencia industrial de “Charger” y el blues de “Bobby In Phoenix”.

El proyecto que en 1998 visualizaron Albarn y Hewlett hoy ha alcanzado límites que muy probablemente ni ellos imaginaron, tanto así, que, si bien los personajes animados sirvieron al inicio como gancho perfecto, hoy parecen realmente accesorios, del mismo modo que parecen ser accesorios los humanos involucrados en el proyecto. Gorillaz ha terminado tomando vida propia, alzándose como un animal inquieto, transgresor e impredecible, que incluso a riesgo de parecer inconexo, sigue escribiendo su historia sin pedirle permiso a nadie. La pregunta ahora es saber si cada uno de nosotros tiene la capacidad de seguirles el ritmo.

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Muse y los detalles de su extravagante retorno a Chile

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Simulation Theory

Altas expectativas ha generado el regreso de Muse a nuestro país. El trío británico, teloneado por Kaiser Chiefs, se presentará el próximo domingo 13 de octubre en la Pista Atlética del Estadio Nacional, mostrando un imperdible despliegue de tecnología, virtuosismo y pomposidad. Una presentación aclamada tanto por la crítica como por los fanáticos de la banda a nivel mundial, y que debe ser desglosada para apreciar y conocer su complejidad y magnificencia.

A pesar de que los europeos tocaron en el Estadio Nacional en 2011 como teloneros de U2, es la primera vez en que se presentan en un recinto abierto con show propio. Lo anterior se debe a que las dimensiones de ciertos elementos hacen imposible la realización del evento en un espacio cerrado, como el hecho de que contará con la impresionante cantidad de 248 luces robóticas encargadas de crear el ambiente sci-fi que se busca. Otro ejemplo claro de esto es la pantalla LED que mide 17 por 5 metros; su gran tamaño le asegura a los asistentes una excelente visualización desde cualquier sector de la Pista Atlética. Finalmente, otro elemento que destaca en la apuesta de la gira es la pasarela. La estructura de 28 metros de largo se transforma en escenario durante todo el concierto, dejando atrás la jerarquía de la plataforma central al incluir al público en la dinámica y creando un especial lazo con ellos durante toda la experiencia.

La tecnología y el amor a la cultura pop del pasado son indudablemente conceptos clave en este tour. Ello no solamente se grafica en un evidente montaje de técnica, vestimentas futuristas con colores neón, lentes LED y aparataje robótico, sino que también en los guiños a la ciencia ficción nostálgica de los 80 y 90. A lo largo del show, el grupo rinde homenaje en forma constante a icónicos exponentes del séptimo arte, tales como “Terminator”, “Alien” y “Back To The Future” –la que incluso inspiró el clip de la canción “Pressure”, perteneciente al último disco–. La tónica se mantiene con Murph, mascota de la banda. Dicho robot se creó en base a “Creator”, personaje del videoclip del tema “The Dark Side” y fue bautizado como tributo al inconfundible Murphy de “Robocop”. El androide, pieza central del show, mide 16 metros de alto y se roba la película gracias a su tamaño y rol interactivo.

Por último, el amor a David Byrne y sus espectáculos son la última oda rendida a los clásicos en esta travesía, con bailarinas que salen a escena realizando coreografías simples que evocan las presentaciones en vivo del líder de Talking Heads. Además del toque estético y art pop de tal intervención, las féminas aportan teniendo un activo rol en el manejo de ciertos efectos especiales, lo que reafirma el acento futurista que los ingleses han puesto en su vuelta a los escenarios.

Sin duda, la gira que trae a Muse por cuarta vez a Chile, llamada “Simulation Theory”, destaca por su puesta en escena y su dinámica con el público. Gracias a ella, la crítica internacional ha llenado de elogios a la banda, catalogándola como una de las mejores para ver en vivo. El tour, que comenzó el 22 de febrero en Houston y concluye el próximo 15 de octubre en Lima, siendo Chile su penúltima parada, cuenta hasta con un dato freak aportado por su vocalista, Matthew Bellamy. El otrora líder del grupo ostenta el récord Guinness de la mayor cantidad de guitarras rotas en un periplo, con nada más ni nada menos que 140 ejemplares destruidos. En resumen, la cita promete ser tanto hipnotizante como obligatoria para aquellos que disfrutan de la poderosa mezcla de potencia e innovación.

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