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Gorillaz: Apostando a más

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Una de las características que define al rock contemporáneo tiene que ver con su capacidad de responder a ciclos. El punk como respuesta –entre otras cosas– a la pomposidad del rock progresivo, el grunge como respuesta al glam metal y, en el caso que nos convoca, Gorillaz como respuesta a una escena estancada. Se acercaba el fin de siglo y las revoluciones musicales que le habían dado vida a los noventa comenzaban a hacerse predecibles y autocomplacientes, perdiendo por completo la irreverencia que alguna vez les había sobrado.

La fórmula seguía repitiéndose hasta el hastío y cada nuevo exponente no era más que una mala copia del anterior. Jamie Hewlett (cofundador de Gorillaz) lo expresaría de la siguiente forma al ser consultado: “Si alguien mira MTV durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta de que es un poco como el infierno: ahí no hay nada interesante”. Pues bien, frente a las crisis hay quienes esperan pacientemente a que las cosas cambien y otros que se sienten con la obligación de hacer algo. Hewlett y Albarn son del segundo grupo.

Si el desafío era proponer algo transgresor, la idea de una banda formada por caricaturas dio justo en el blanco. Sin ser la primera agrupación de rock animada, puesto que The Archies ya había recorrido esta senda en 1968, 2-D (voz y teclado), Murdoc (bajo), Noodle (guitarra y voz) y Russel (batería) definitivamente lograron capturar la atención de todos desde el primer día. Han pasado diecisiete años desde su lanzamiento y “Clint Eastwood” sigue sintiéndose como uno de esos singles que roza la perfección. Echando mano a un sample del tema principal de la cinta “Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo” (Sergio Leone, 1966) y a un video que resucita imágenes grabadas a fuego en la memoria colectiva (los gorilas bailando al estilo de “Thriller” de Michael Jackson), además de ser tremendamente contagioso, el track tiene el mérito adicional de revelar en tan sólo seis minutos las dos características que a la larga definirían la identidad musical del conjunto: el riesgo a la hora de explorar géneros y la nutrida presencia de colaboraciones.

Sirviéndose de una generosa base hip hop, un par de excelentes singles y un fantástico puñado de canciones destinadas a explorar otros domicilios musicales con “Sound Check”, “Punk” o la maravillosa “Latin Simone (¿Qué Pasa Contigo?)” que anota una imperdible colaboración del músico cubano Ibrahim Ferrer, el homónimo “Gorillaz” (2001) no tuvo grandes problemas para instalarse como una de las ofertas más interesantes de su momento. Con el público ya entregado, “Demon Days” (2005) podría haberse limitado a lanzar un par de buenos singles, sin aspirar a más, sin embargo, es en este momento donde el conjunto comienza a definir su real identidad, obligándose a ir por más. Nuevamente hacen la tarea con un par de singles de alto impacto como “Feel Good Inc.” y “DARE”, pero es el cuidado puesto en esos “otros” temas lo que realmente comienza a nutrir el bestiario de la banda (“Fire Coming Out Of The Monkey’s Head” y “Don’t Get Lost In Heaven” hacia el final del álbum son realmente imperdibles).

Con el tiempo, el mensaje sería cada vez más evidente y, en el caso de Gorillaz, leer entre líneas comenzaba a ser definitivamente más interesante que quedarse con la portada. Tras varios años y con pausas cada vez más extensas, “Plastic Beach” (2010), “The Fall” (2010) y “Humanz” (2017) se encargarían de cerrar la historia por el momento, dando lugar a un epílogo desafiante y, al mismo tiempo, inesperado. Si en los dos primeros discos del conjunto habíamos visto desfilar colaboradores, desde “Plastic Beach” en adelante estos terminan definitivamente adueñándose de la identidad de la banda, expandiendo los límites de la oferta sonora en un camino que parece no tener retorno. Snoop Dogg, Lou Reed, los ex The Clash, Mick Jones y Paul Simonon, Mos Def, Grace Jones, Jean-Michel Jarre e incluso Graham Coxon, llegarían a formar parte de esta fiesta con la intención de sumar aportes, estableciendo una dinámica que hoy parece más propia de una cooperativa que de una banda tradicional.

Los singles de antología y los innumerables “lados b” que posee la banda han seguido deleitándonos, invitándonos a disfrutar de una paleta sonora cada vez más generosa, que en la actualidad se da el lujo de incorporar con absoluta naturalidad ritmos que van desde la arábica “White Flag”, al synth pop de “We Got The Power”, pasando por la distorsionada presencia industrial de “Charger” y el blues de “Bobby In Phoenix”.

El proyecto que en 1998 visualizaron Albarn y Hewlett hoy ha alcanzado límites que muy probablemente ni ellos imaginaron, tanto así, que, si bien los personajes animados sirvieron al inicio como gancho perfecto, hoy parecen realmente accesorios, del mismo modo que parecen ser accesorios los humanos involucrados en el proyecto. Gorillaz ha terminado tomando vida propia, alzándose como un animal inquieto, transgresor e impredecible, que incluso a riesgo de parecer inconexo, sigue escribiendo su historia sin pedirle permiso a nadie. La pregunta ahora es saber si cada uno de nosotros tiene la capacidad de seguirles el ritmo.

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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