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Entrevistas

Fernando Ruíz de Catupecu Machu: “Queremos conocer y recorrer nuevos sonidos”

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A pocos días de una nueva presentación de la agrupación argentina Catupecu Machu en Chile, HumoNegro habló con su líder, Fernando Ruíz. Adelantando sus próximos sonidos y formatos de show, los lados personales de la banda, también repasando un poco los casi veinte años de existencia y, por qué no decirlo, de parte de la historia del rock argentino.

Se encuentran haciendo una serie de conciertos que los traerán a Santiago y también harán shows en Lima y en Nueva York. ¿Estos shows se están haciendo bajo el marco de algún formato en vivo en especial o es simplemente un show eléctrico más estándar?

Nosotros estamos aquí en la Argentina preparando un tipo de show especial que se llamará Madera Microchip, que será un experimento donde mezclemos un montón de influencias acústicas, y por ahí tiraremos todos nuestros instrumentos por iPad, y en general experimentamos de otras formas. Este show no lo podremos llevar aún ni a Chile ni a Perú como bien dices, y los actuales estarán más basados en nuestro último disco de hace un par de años, “El Mezcal y La Cobra” (2011). También un montón de cosas que tienen que ver con la historia de Catupecu, porque estamos en un momento conjugando muchas cosas que la gente nos venía pidiendo, entonces, como en un show, la idea es que todos vayamos a compartir; queremos ir a hacerlo con toda la historia de Catupecu.

Con la noticia de Madera Microchip la gente está bastante intrigada sobre estas funciones. Según han dicho, mezclarán sonidos españoles y, como dijiste, con la inclusión de la tecnología de los iPads. Pero, ¿cuál es la idea a seguir principalmente?

El concepto de Madera Microchip consiste en un experimento que mandamos a hacer. Hace tiempo que lo teníamos en la cabeza, e incluso habíamos hecho cosas que iban un poco por ese lado. Tiene una dinámica en el show donde nos movemos muchos, vamos y venimos con distintos sonidos, dándole energía como por otro lado, porque nosotros estamos sentados. Pero nuestra música, nuestros sonido están todos por línea, por nuestros iPads. Estamos todos con iPads, salvo el baterista que estará con un cajón peruano, más otros artilugios acústicos para adherirle al sonido más riqueza. Y bueno, el bajista, Seba, toca su bajo procesándolo por el iPad, entonces todo eso hace que el sonido se conjugue en muchos tipos y mezclas. Porque, por ejemplo, yo tengo decenas de pedales y procesos conectados al iPad, por lo que mi guitarra española pasa a convertirse en un momento en un sonido eléctrico, y al siguiente, a toda la dulzura del mundo. Es como un viaje que se va haciendo por distintas texturas. Tiene que ver con una manera distinta de sonar de Catupecu. Nosotros siempre nos mantenemos haciendo cosas pequeñas, para 200 o 300 personas, pero decidimos hacerlo en el Gran Rex para afianzar esta idea divina de Microchip, junto a mucha más gente. Ojalá podamos llevar esta misma idea a todos en Sudamérica, porque es una manera alucinante de ver la música. A ver si por ahí esta visita a Chile resulta para tener conversaciones con gente que quiera y esté interesada en llevar este show a un teatro pequeño. Es una nueva forma de ver la mezcla de la tecnología con lo más acústico.

Catupecu Machu es muy famoso por presentar distintos formatos de shows. Teatrales, acústicos, etcétera. Ciertamente el más impresionante es el formato 5.1. Sobre este último, ¿han pensado en retomarlo? Y, sobre todo, ¿han pensando en llevarlo a estudio para pasar de la estereofonía al multicanal?

Bueno, justamente antes del accidente de Gabriel, él fue de viaje a Londres y a Paris, y estaba muy sumergido en el tema del 5.1, estudiando un montón de cosas. Incluso había comprado un disco de Björk que estaba en 5.1. Con esto comenzó a investigar y a comprar equipamiento para trabajar en multicanal, porque decía que el próximo disco nuestro debía ir mezclado 5.1, pero la historia fue distinta. Y bueno, un poco por eso apareció el tema de Madera Microchip, por esa necesidad de pasar por distintos sonidos y tecnologías. Nosotros en Catupecu Machu somos viajeros del sonido, de la música, y de las vivencias. No sólo somos una banda que le gusta viajar por los países y recorrer. Hay gente que quiere conocer y recorrer nuevas ciudades. Nosotros queremos conocer y recorrer nuevos sonidos.

El último disco de Catupecu Machu fue una inclusión muy rápida de Agustín Rocino, a la salida de Javier Herrlein. A dos años de eso, ¿en qué crees que ha contribuido Rocino al sonido de la banda?

Claramente cuando paras por algún conflicto, siempre es más fácil decir “bueno, el tema fue por diferencias musicales…”. Pero el amor y el cariño de haber vivido tantas cosas juntos con Fernando, queda. Agustín siempre fue un miembro honorario; ha sido músico invitado y hasta lo hemos llevado a gira. Alguna vez hizo un trabajo de pre-producción tan comprometido, que hasta un tiempo se quedó viviendo en el estudio de grabación. Sin duda, Agustín es el músico fetiche de Catupecu. Llegó en un momento especial como banda, y me refiero mucho más allá de lo que pasó con Gabriel. El momento en que hicimos “El Mezcal y La Cobra” con Catupecu fue especial. Y quizás tampoco se vea reflejado en el disco. Quizás en vivo, ahora en 2013, se pueden ver ciertas cosas que no se veían antes. Agustín desde siempre no sólo nos trae buena música, aporta algo muy luminoso, muy positivo, que hemos podido incluir en algo muy bueno.

Hace algunas semanas, salió un anuncio por parte de la banda con respecto a que tu hermano Gabriel se encuentra en una buena rehabilitación, tranquilo, rodeado de familia y amigos. ¿Gabriel se ha convertido en una especie de inspiración tanto para ti y para Catupecu Machu? ¿Qué sigue de él en el sonido de la banda?

El siempre fue una fuente de inspiración y un guía espiritual. Y ahora Gabriel, aún en el estado que está, sigue siendo un creador. Siempre estuvo al menos veinte años adelantado y por ahí aún sigue estándolo. Entonces, ahora tenemos otra forma de vivir en Catupecu con  Gabriel. Componemos, tocamos y nos divertimos con él. Y tratamos de entender cómo es estar ahora con él. Es él en otro estado. Gabriel, al ser el eterno productor de Catupecu, ahora es una fuente de inspiración. Por ahí es mucho más fuerte una idea que nos dejó que la influencia de alguna música. Yo veo que este momento musical de Catupecu, es el momento más Gabriel de nuestra historia.

¿Cuándo se viene nuevo disco para Catupecu Machu?

Mira, estoy pensando en el año que viene, porque cumplimos 20 años. Es mucho, una montaña rusa emocional, física y musical. Se trata de recorrer la historia de Catupecu, y un montón de cosas. Tenemos muchas ideas. Yo, personalmente, escribo todo los días, así que nos mantenernos activos. Nosotros siempre estamos trabajando, lo que pasa es que a veces ese trabajo se vuelca todo junto y se llama “disco”.  Pero cuando la gente lo escucha y ya lo tiene en sus manos, ahí se convierte en algo que ha terminado para nosotros, que ya fue. Y como en Catupecu somos enfermos de los estudios, nos encanta estar ahí, entonces todas las experiencias futuras seguirán volcándose en algo nuevo.

¿Cómo definirías la parada musical argentina actual?

El rock argentino tiene mucha tradición. Desde que comenzó afuera, casi al mismo tiempo comenzó acá. Hay gente que escucha más aquí el rock argentino que el de afuera. En otros países de habla hispana es al revés, casi no escucha música en español. Aquí hay muchas radios que se dedican a escuchar casi sólo música argentina; siempre hay una banda que va a salir como la próxima gran cosa. ¿El futuro? Bueno, siempre hay momentos que todo está más calmado, otro que está más fuerte, pero el rock argentino es algo que siempre está vivo. Y aunque no sé qué expectativas tener, sí hay algo cierto: siempre puedes estar bien “copado” con nuevos artistas argentinos. Alguna vez alguien dijo por ahí que el rock en inglés había perdido poesía, y que el rock en español podría ser un lugar lleno de ella.

¿Algún mensaje para tu público chileno?

Gracias por estar siempre. Cada vez que vamos lo pasamos increíble. Les pido disculpas por no haber ido antes, no es falta de ganas, a veces se hace muy difícil ir. Con nuestro público chileno tenemos un romance que comenzó casi desde que nos iniciamos como banda. Esta entrevista no sería nada si no fuera por nuestro público. El futuro es importante, y el presente también. ¡Iremos a pasarla bien y a tomar harto pisco!

Por Pamela Cortés

Entrevistas

Dean Fertita: “Si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás”

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Años de trayectoria con proyectos como Queens Of The Stone Age, The Raconteurs, The Dead Weather o Hello=Fire avalan a Dean Fertita como uno de los músicos más moldeables en el rock, llevando su sello de guitarra y teclado como un aporte distintivo en los artistas con quienes toca. Ahora, el músico se pone por primera vez en la primera plana con el lanzamiento de “Tropical Gothclub”, su primer larga duración como solista, el que no sólo recoge ideas de las tantas sesiones de grabación durante la pandemia, sino que también de los años de carretera tocando en distintos países y con distintos músicos.

La llegada de este trabajo fue suficiente para que nos conectáramos con Fertita a la distancia y conversáramos no sólo sobre la creación del LP, sino que también de la manera que tiene de trabajar, el estado actual del próximo disco de Queens Of The Stone Age, cómo surgieron los conceptos que aborda en esta obra, entre otros temas, que abordamos en esta entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Dean, ¿cómo estás?

Estoy muy bien. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, gracias por conversar con nosotros sobre tu nuevo álbum. ¿Dónde estás ahora? ¿Sigues viviendo en Nashville?

Sí. Estoy en mi casa en Nashville en estos momentos.

Partamos hablando de tu nuevo disco, “Tropical Gothclub”. Estuviste trabajando con Dave Feeny, que tiene un estudio en Detroit. ¿Viajaste hasta allá para grabar las canciones?

No, la verdad, con Dave tenemos una relación de trabajo desde hace mucho tiempo. Como antes yo vivía en Detroit, lo conozco hace años. Tenemos una relación al punto de que le mando tracks para que los mezcle, confiando plenamente en que sabe los resultados que busco; tenemos ese tipo de química. Para algunas canciones grabé unas partes allá, en unas tres o cuatro grabamos las baterías allá también. Con un amigo trabajamos en las ideas e hicimos unas versiones largas de las canciones, las que después acorté porque realmente no tenía claro qué hacer, sólo estaba materializando las ideas. El hecho de que todas ellas terminaran siendo un disco, básicamente fue un accidente (risas).

De hecho, te iba a preguntar sobre esto. Entiendo que comenzaste a trabajar en esta música durante la pandemia porque tenías mucho tiempo libre. Ya que dijiste que fue un accidente, ¿cómo llegaste a la idea de hacer un disco?

Nunca lo hice, de hecho. Es interesante. En 2020 estábamos preparándonos para grabar con Queens Of The Stone Age, y para todos fue como: “¿Cuánto irá a durar esta cuarentena? De seguro estaremos de regreso en dos semanas”. En 25 años que me la he pasado girando y grabando, nunca había estado más de seis meses seguidos en casa, así que de pronto me vi con mucho tiempo y entendiendo que las cosas seguirían así. En vez de prepararme para regresar a la vida habitual, preferí seguir siendo productivo y tener algo que hacer, para así al final del día sentir que hice algo más que sentarme a esperar que la situación mejorara, eso fue parte de mi rutina. Tengo un pequeño estudio, muy primitivo, así que llevé estas canciones que en mi mente no eran más que demos, y nunca pensé en una colección de canciones que se transformaran en un disco. Estas ideas estaban pensadas para terminar en algún otro lugar, pero no lo hicieron por distintas circunstancias. De pronto, fui persuadido por mis amigos de que debía publicar estas canciones como un álbum, así que confié en su opinión (risas).

¿Por qué decidiste que este álbum estuviera firmado con tu nombre y no con un pseudónimo o un nombre para el proyecto?

Interesantemente, luché porque el disco fuera sólo con el proyecto Tropical Gothclub, esa era la idea, no quería que se interpusiera mi nombre en el camino porque no era algo que había estado preparando ni nada, nunca estuvo concebido como un álbum solista. Así que, nuevamente, por consejo de mis amigos puse mi nombre en el disco y aquí estamos (risas).

También dijiste que el concepto de este disco es la “nostalgia futurista”. Quisiera que nos contaras un poco del significado de esto.

Lo de la nostalgia futurista es porque pasaron varias cosas cuando empecé a trabajar en este material. Eso me dio una oportunidad para realmente pensar en situaciones que han ocurrido en mi vida que me llevaron donde estoy ahora, así que me obsesioné con el hecho de volver a experimentar cosas que hice cuando era joven. Crecí durante los 70, así que volví a toda esa música que escuchaba, me reconecté con elementos que me unen a mis amigos y que se han transformado en parte importante de lo que soy actualmente. No sólo música, también hablo de arte, películas, y cosas por el estilo. Todo eso, sumado al período tan único que estábamos viviendo, el que espero que nunca más tengamos que vivir, me marcó de una forma en que en 20 años más, o incluso ahora mismo, miro profundamente porque realmente definió la forma de ver la vida, hizo que algunas cosas se aclararan, lo que es importante y todo eso. Estoy consciente de que actualmente vivo un período al que recordaré con nostalgia, por lo que de ahí viene el concepto, es lo que rodeaba mi cabeza cuando trabajaba en estas canciones.

¿Por qué nombraste el disco como “Tropical Gothclub”?

El nombre proviene de algo totalmente ajeno a la música. Durante la pandemia pasé mucho tiempo con mi hija, ya que girando por 25 años me perdí de muchas cosas importantes con ella. Cuando comenzamos a trabajar en el próximo disco de Queens Of The Stone Age, con mi familia nos mudamos a California, que era preciso para estar durante ese tiempo porque había una playa cerca. Cada vez que salíamos a la playa, no podíamos evitar pensar en el entorno tan maravilloso, vibrante y soleado, así como en el contraste con el período tan oscuro y depresivo que se vivía, por lo que empezamos a bromear de que íbamos al “Tropical Gothclub” (Club Gótico Tropical) cada vez que salíamos. Luego de que empezamos a bromear con eso, con mi hija comenzamos a tomar fotos en blanco y negro de las cosas más coloridas y alegres que encontráramos, y eso terminó mezclándose con la música en la que estaba trabajando.

Genial. Este es, sin duda, un disco muy ligado a lo que viviste estos años.

Sí, además de eso hay algo más filosófico, en el sentido de que estas ideas de lo bueno y malo, sombra y luz, el hecho de conocerse con lo bueno y lo malo, son cosas muy introspectivas que influyeron mucho. Todas estas cosas son más grandes y personales para mí, por lo que son importantes.

Cuando escucho las canciones de este disco, me recuerda a muchas de las cosas que has hecho en tu carrera, se sienten las influencias de artistas con los que has tocado. De hecho, siempre que he escrito sobre algo en donde estás involucrado, ya sea un show o un disco, te destaco como el “arma secreta” de la banda…

Oh, muchas gracias (risas).

Con todo esto, se me viene a la mente el saber cómo te enfocas a la hora de componer. ¿Tratas de aportar tu enfoque o más bien buscas cómo adaptarte a la situación?

Siempre habrá algo de adaptación cuando trabajas con otros músicos, pero pasa de una forma tan natural, que muchas veces no lo notas. Creo que la forma en que veo las cosas es de siempre aportar algo, si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás. Hay que sentirse muy cómodo con saber quién es uno y en qué puede ayudar. Cuando trabajaba en estas canciones, esa fue mi intención. Sabía que QOTSA haría otro disco y quería tener algo que aportar, mantenerme en forma como compositor y estar constantemente haciendo cosas, esperando que alguna pudiera funcionar y se complementara con otra idea. Por el otro lado, es interesante que todo esto probablemente no habría partido si no fuera por una conversación que tuve con Alison Mosshart, ya que después de terminar la gira con The Raconteurs, pensamos que quizás sería divertido trabajar en algunas ideas con The Dead Weather, debido a que estábamos todos en casa. Nos enviamos algunos demos, ella me envió una canción llamada “Street Level”, que era solamente su voz y una guitarra, y me encantó la idea y la reinterpreté para incluirla como lado B en el primer single de este disco. Eso me puso en la disposición para trabajar y ayudó mucho, sin duda.

Dean, hablemos de Queens Of The Stone Age, ya que justo un poco antes de que te llamara se confirmaron los primeros shows para 2023. ¿Eso significa un tour completo? ¿Un nuevo álbum? ¿Qué nos puedes contar del futuro de la banda?

Teóricamente, significa todo eso (risas). Vamos acercándonos a la etapa final del disco y estamos totalmente enfocados en terminarlo. De hecho, hace unos días regresé luego de estar durante unas semanas trabajando junto a la banda. Estoy muy entusiasmado, creo que el próximo año será muy divertido.

¿Están pensando en qué fecha de 2023 para publicar el disco?

Depende de cuando esté todo listo, pero idealmente ya estará disponible cuando giremos el próximo verano por distintos países.

Dean, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Antes de terminar, quisiera que nos contaras si estás enfocado en algún otro proyecto en estos momentos.

En estos momentos estoy enfocado en terminar el disco de QOTSA, es lo único en lo que pienso por ahora. He tenido conversaciones para hacer algunos shows un poco menos convencionales en torno al disco que lanzaré, pero tengo que pensarlo, ya que está ligado a la agenda que tendré con QOTSA, y espero tener más claridad de eso pronto.

Qué bueno que me dices esto, ya que en el comunicado de prensa del disco dices que no quieres hacer la promoción habitual para esta placa, sino que pensar en algo diferente.

Exacto. He pensado un poco en cómo me gustaría llevar estas canciones a un formato en vivo, lo que me da una oportunidad para llevar a cabo esas ideas y ver si es que funcionan y a la gente le gusta. Tengo también algunos proyectos con amigos, en los que no hemos podido trabajar por la falta de tiempo, pero eso no lo hace menos importantes. Definitivamente tengo que encontrar un espacio para dedicarme a ellos.

Muchas gracias por tu tiempo, espero verte el próximo año acá en Chile.

Esperemos que sí. Muchas gracias, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

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