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Fernando Ribeiro de Moonspell: “Sentimos que nuestra música ahora es más adulta y sofisticada”

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El 1 de mayo de este año, Club Blondie será testigo del regreso a nuestro país de Moonspell, la insigne banda portuguesa que vendrá a presentar “1755” (2017), su último álbum de estudio. Concebido como una historia conceptual, el disco relata los sucesos del tremendo terremoto de Lisboa ocurrido en el año que da nombre al álbum, entregando una historia con un contexto y narrativa muy particulares.

Para conversar sobre el último disco, y mucho más, es que tomamos contacto con su líder, Fernando Ribeiro, quien nos comentó sobre las decisiones creativas de “1755”, sus recuerdos de Santiago, la evolución del sonido de la banda, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Primero, quiero que hablemos de “1755”, el último álbum de Moonspell. Entiendo que este disco tiene una profunda historia detrás, ¿no es así?

Sí, la verdad es que amamos la historia de Portugal, es muy extensa y llena de sucesos. En este caso, el disco guarda relación con el terremoto de Lisboa en 1755, es un episodio que nos marcó cuando aprendimos de eso en la secundaria. Fue el día más largo en la historia de nuestro país, el más destructivo, pero también fue el hecho que nos permitió escapar de la oscura Edad Media hacia una nueva era para Portugal y sus ciudadanos. Un día de apocalipsis y renacimiento para Lisboa y nuestro Portugal.

El sonido de la banda ha experimentado algunos cambios a través de los años, ¿es esa una evolución natural en términos de estilo o se trata más de probar cosas diferentes?

La evolución musical, o el cambio, siempre ha sido algo que queríamos hacer si teníamos una banda. Para nosotros es algo muy natural, para otros es bastante raro, pero siempre tenemos nuestras razones. Sentimos que la música debería perseguir las ideas y no estar pendiente de lo que los otros digan alrededor. En nuestro caso, cada vez que queremos contar una historia diferente nos ajustamos a lo mejor que podamos, sea un sonido experimental o algo más clásico.

Específicamente en el último disco, ¿cómo describirías la evolución del sonido en “1755”?

Creo que después de “Memorial” (2006) nos volvimos mejores compositores, por lo que pudimos perfeccionar de mejor forma nuestro sonido. Crecimos, supongo. No quiero decir nada malo de nuestros primeros álbumes, pero es importante para una banda vivir otros tiempos y reencontrar una confidencia con tu trabajo. “Extinct” (2015) y “1755” fueron pasos muy importantes para nosotros, sentimos que nuestra música cuenta mucho mejor su concepto ahora, es más adulta y sofisticada. En “1755” pudimos crear un puente entre el metal épico junto con una trama que se sintiera como lo mejor para nosotros.

¿Por qué quisieron grabar canciones en portugués?

El uso del portugués fue una decisión inmediata. No pensamos mucho en eso, era obvio para nosotros que las letras en portugués serían más genuinas en cuanto al concepto y que la expresión se sentiría mucho mejor, ya que consideramos a “1755” como una experiencia, como si tomaras al auditor y lo llevaras hasta lo que ocurrió durante ese día. En ese sentido, el idioma portugués contaría mucho mejor la historia.

Ahora que regresan a Santiago, ¿qué recuerdas de tu último show en Chile?

Ese fue un día muy loco. Salimos a divertirnos por la ciudad, llegamos un día antes y bebimos vino tinto, pisco, y comimos carnes. La ciudad era genial, muy acogedora y calurosa. Amamos Santiago. Además de que el show fue increíble, el público chileno siempre lo da todo, tuvimos un gran momento arriba y fuera del escenario.

Después de todos estos años, ¿qué es lo siguiente para Moonspell?

¿El fin? (risas). ¿Quién sabe? Ahora estamos girando por el mundo. Después de Latinoamérica, que es nuestro próximo tour, tendremos algunos festivales y una gira por Estados Unidos con Amorphis, Dark Tranquillity y Omnium Gatherum. En el intertanto, se viene un DVD y Blu-ray llamado “Under The Spell”, que saldrá en agosto. Si te soy sincero, tenemos ganas de trabajar muy pronto en un nuevo álbum, también.

Para terminar, ¿te gustaría decirle algo a los fans de Chile?

Gracias y saludos a todos desde Portugal. Moonspell los extraña y estamos con muchas ganas de volver a verlos, Chile. ¡Under the spell!

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Entrevistas

Doug Wimbish de Living Colour: “Gracias a CM Punk la gente volvió a saber de nosotros”

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Doug Wimbish

Living Colour ha desarrollado una carrera muy fructífera gracias a su combinación de diferentes estilos, además de una que otra canción sonando regularmente en varias plataformas, lo que ha permitido a la banda mantenerse vigentes desde su creación en 1984. Ahora, con un nuevo álbum de estudio bajo el brazo, “Shade” (2017), la banda regresará a Santiago para presentarse el próximo 15 de mayo en Cúpula Multiespacio, donde, además de presentar su nuevo trabajo, interpretarán una selección de lo más destacado dentro de su catálogo.

Bajo ese contexto, conversamos con Doug Wimbish, bajista de la banda, quien se tomó el tiempo para relatarnos el trabajo detrás de su último disco, la importancia del guitarrista Robert Johnson en su música, la exposición masiva que experimentaron gracias al ex luchador de WWE, CM Punk, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Partamos hablando de “Shade”, el primer álbum de Living Colour en ocho años. ¿Qué los motivó a entrar al estudio nuevamente?

El proceso detrás de este disco comenzó con la planificación de cómo queríamos hacerlo, y eso se originó en el concierto de aniversario de Robert Johnson, donde se celebraron los 100 años desde su nacimiento. Nos pidieron ser parte de este evento, que se realizó en el Apollo Theater y, mientras preparábamos el show, escogimos la canción “Preachin’ Blues”, la que fue recibida con gran entusiasmo por los asistentes. Luego de eso nos preguntamos cómo sería hacer un álbum de blues con nuestra propia interpretación del género, y así buscar el lado artístico y desarmar el ADN del blues, resolviendo cómo influye en los géneros modernos como el rap, rock, country, dance, funk, reggae, lo que sea, donde todos tienen algo del blues. Eso fue todo un desafío.

¿Cómo desarrollaron ese concepto?

Comenzamos a pensar cómo podíamos conectar todo eso en un disco y mezclar nuestro mundo musical, ya que nos gusta el hip hop, jazz, entre otros estilos como banda, y nos divertimos tocando cosas diferentes. Lo principal era ver cómo podíamos deconstruir el blues y, a la vez, unir todas esas piezas que le entregan a tantos estilos en términos de letras, arte, estilo, e incluso estructuras. Quisimos intentar eso, y creo que lo logramos.

¿Sientes quizás que esto fue como un “segundo aire” en términos creativos?

Fue interesante porque nos llegó de golpe. A veces las cosas sólo pasan, no estás preparado para ello, pero la idea persiste y ahí empiezas a preguntarte cómo puedes hacerlo. Eso hicimos con “Shade”, y la clave de todo eso fue traer gente que nos ayudara a darle forma al disco. Uno de ellos fue Andre Betts, un buen amigo mío. Andre y yo trabajamos con Madonna, e incluso con otros artistas antes de unirme a Living Colour, por lo que pensé que sería una buena idea traerlo a él para que nos ayudara a alcanzar la meta de grabar un álbum como este. En resumidas cuentas, la misión era tomar los códigos del blues y conjugarlos junto a los estilos musicales que habíamos estado escuchando por los últimos 40 años. Por supuesto, nos tomó un buen tiempo lograrlo, necesitábamos dilucidar bien cómo rendir homenaje a la música con la que crecimos.

De hecho, en el álbum hay covers de Robert Johnson, Marvin Gaye y The Notorious B.I.G., por lo que asumo que ellos influenciaron en tu carrera como músico. ¿Las canciones que versionaron han sido importantes en tu vida?

Sí, hay cosas que creces escuchándolas, pero cuando te haces viejo vuelves a revisitarlas y analizarlas de otra forma, entiendes mucho más el concepto que cuando eras joven. De niño solía escuchar lo que me gustaba, principalmente motown y cosas que sonaban por la radio AM, mi oído se fue formando con la música popular como Sly & The Family Stone y todos esos artistas que se hicieron populares en los setenta. A medida que envejeces te interesas por el sentido artístico, y así descubres cosas incluso de antes que nacieras, o también aquellas a las que no les pusiste atención en su momento. Ahora con Living Colour probablemente los cuatro tuvimos el mismo crecimiento musical, aunque todos tenemos diferentes raíces, pero al final todo se termina conectando. Es como lo que hablé sobre la misión del álbum; creo que en estas tres canciones que me mencionas es donde más se nota esa conexión de distintos estilos mediante el blues.

Son versiones con un toque propio, realmente son canciones que tienen una estructura muy interesante dependiendo de su contexto.

Así es. Tenemos a “Preachin’ Blues” de Robert Johnson, que es una canción de blues, “Inner City Blues” de Marvin Gaye, que viene de fines de los sesenta y principios de los setenta. Finalmente, tienes “Who Shot Ya?” de The Notorious B.I.G., que es de fines de los ochenta o principios de los noventa. Tres artistas diferentes que tienen algo en común: la necesidad de comunicar un mensaje. Había letras que hablaban de las cosas que vivían, de sus problemas, la visión del mundo, la vida de la calle, entre otras cosas. Todos son poetas, documentaban la información de la vida que vivían, no es algo que leas en artículos, es algo que tienes la oportunidad de oír desde sus protagonistas. Si te fijas, los tres murieron a causa de la violencia desmedida de las armas. Si hacíamos un disco de blues, había que hablar de cosas reales, ellos no la tuvieron fácil en los inicios. A pesar de que gente como Marvin Gaye haya gozado de mayor libertad de expresión, las voces de la cultura afroamericana no estaban siendo tomadas en cuenta, y recién con Malcolm X hubo un representante para la comunidad negra. Biggie, en cambio, hablaba de la realidad de Nueva York en plena epidemia del crack, cómo tenías que sobrevivir y cómo costaba salir adelante. Vimos todo esto y quisimos representar la historia de estos tres personajes.

¿Consideras que influenciaron de igual manera en tus compañeros?

Absolutamente. Todas estas canciones surgieron desde conversaciones que tuvimos en el estudio. “Who Shot Ya?”, surgió por Corey (Glover, vocalista); él creció en Brooklyn y suele recitar las rimas de Biggie cuando comenzamos el ensayo. Un día nuestro productor lo vio y nos preguntó por qué no hacíamos una versión de The Notorious B.I.G., lo que nos pareció interesante para el proyecto. Lo de Robert Johson fue por el homenaje donde tocamos. Lo mismo con “Inner City Blues”, que la toqué en un homenaje a Marvin Gaye donde participé junto a Corey. Luego, en un show que hicimos con Living Colour en Washington, hice un solo de bajo donde tocaba la canción, a la banda le gustó y decidió ponerla en el disco también. Sé que la creación del disco es una larga historia, sólo te estoy contando un poco de lo que pasó. Ahora sabes cómo logramos todo esto, cómo pudimos emitir el mensaje de estos artistas a través del tiempo.

Debo decirte que tengo mucho respeto por lo que hicieron con este álbum, es un disco muy bueno, lo he escuchado mucho desde que salió. Espero que podamos escuchar mucho de este álbum cuando toquen aquí.

Muchas gracias por eso. Fue un trabajo duro, pero trajo sus recompensas.

Doug, quiero preguntarte algo completamente diferente. Es sobre la vez en WrestleMania 29, donde tocaron “Cult of Personality” como la entrada de CM Punk. Quiero saber cómo pasó todo eso, cómo llegaron a ser parte de un show de WWE.

Eso fue gracias a Phil (Brooks, nombre real de CM Punk), él era un fan de Living Colour en su juventud. Solía jugar béisbol en Chicago y, mientras practicaban, sonaba mucho “Cult Of Personality” y eso lo llenaba de energía. Eso fue una inspiración para él de manera personal porque, digamos las cosas como son, CM Punk no es el típico luchador, no es grande ni musculoso ni nada de eso, solía hacer mucho Backyard Wrestling cuando niño, lo que es básicamente poner un colchón en el patio y golpearte con tus amigos, lo que es básicamente imitar la lucha libre (risas). Él nunca fue el prototipo de luchador que tú ves en televisión, pero era tan bueno, que terminó siendo campeón mundial. Así que, cuando era campeón de WWE, luchó insistentemente para que esta fuera su canción de entrada, y tengo entendido que nunca había pasado que un luchador usara una canción de una banda. No estoy muy seguro, pero creo que toda la música es creada por ellos mismos.

Estás en lo correcto, recién ahora se está utilizando una canción externa para un luchador, “Bad Reputation” de Joan Jett como entrada de Ronda Rousey, pero CM Punk fue el primero en hacer eso.

Claro, fue un precedente, el insistió e insistió hasta que logró que “Cult Of Personality” fuera su canción, y eso permitió que comenzáramos las conversaciones con WWE. Tocar allí nos abrió muchas puertas, fue como una nueva luz para la banda y que la gente supiera que aún estábamos activos. Gracias a CM Punk la gente volvió a saber de nosotros. La canción había salido en algunos videojuegos, como “Grand Theft Auto: San Andreas” o “Guitar Hero 3”, eso nos ayudó un poco a elevar nuestro estatus, pero cuando llegó CM Punk como campeón usando esa canción, fue una ayuda enorme. Lo otro es que WrestleMania fue realizado en Nueva York ese año, como tres años atrás, por lo que Phil pidió que tocáramos la canción en su entrada.

De hecho, fue hace cinco años, en 2013.

Si, tienes razón, fue en 2013. Justo ahora estoy mirando un regalo que te dan cuando participas del show, te entregan un pequeño trofeo y claramente dice “7 de abril de 2013, MetLife Stadium”. Lo que hacen es sacar las cuerdas del ring cuando termina el show y cortan pequeños trozos que los ponen en tu galvano junto a una placa con la fecha. Esa oportunidad se la agradecemos totalmente a CM Punk, él fue quien hizo eso por nosotros y no podemos estar más agradecidos por esa oportunidad. MetLife Stadium es uno de los estadios más grandes del país; de hecho, ese evento fue el con mayor asistencia hasta la fecha, donde hubo casi 100 mil personas.

Si, el próximo año se realizará WrestleMania 35 en el mismo estadio. Es curioso pensar esto, pero esa fue la última lucha de CM Punk en un WrestleMania.

Sí, es una lástima, él ya estaba un poco viejo y cansado luego de tantos años. Phil no es de esos tipos grandes. Cuando lo conocimos sólo estuvimos un momento con él porque fue antes de su lucha, pero hace un tiempo vino a un show de nosotros en Chicago y conversé más con él, yo lo miraba y pensaba: “¡Es un tipo común y corriente!” (risas). Prácticamente es de estatura media, es increíble que pueda levantar gente y hacer todas esas cosas en el ring. Él creyó cien por ciento en nosotros, eso es muy valorable, esa canción fue una gran inspiración para él y estamos muy felices por eso.

Bueno, Doug, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Quiero pedirte si puedes enviar un mensaje a todos quienes esperan por Living Colour en Santiago.

Quiero decirle a la buena gente de Santiago de Chile que estamos muy agradecidos por todo el amor que le han dado a la banda por todos estos años, estamos felices por ver a tantos fans que han crecido con nuestra música y que están introduciendo a Living Colour a las nuevas generaciones. Gracias por apoyarnos y por favor apoyen a toda la música, porque es muy importante que las artes sean apoyadas. Estoy expectante por volver a Santiago, he estado con Living Colour y con otras bandas también. Vayan, lo pasarán bien, no los decepcionaremos, tenemos un gran disco recién lanzado. Escuchen “Shade”, espero que les guste. Eso es todo, cuídense mucho y ¡nos vemos el show!

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