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Especial SUE 2018: Junun

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Un hombre lleva su armonio donde un anciano lutier, quien repara con extrema paciencia y sutileza las cuerdas de tan milenario instrumento, tratando la delicada madera con especial cuidado y dándole una nueva vida a las melodías que salen de él. Al mismo tiempo, vemos a un hombre entrar a una tienda de electrónica barata para llevarse consigo un teclado infantil de juguete, que emite, a duras penas, unos chillidos casi inentendibles debido a la precaria calidad de sus materiales. Los paralelos son simples, pero no tan evidentes, lo cierto es que esas dos escenas en particular pertenecen a “Junun” (Paul Thomas Anderson, 2015), documental que retrata el viaje de Jonny Greenwood y Shye Ben Tzur por la India, mostrando durante 54 minutos el contexto espiritual y musical que dio vida al álbum del mismo nombre.

Esos paralelismos, entre lo sencillo y lo complejo, encuentran un punto en común en un elemento de vital importancia para este proyecto: la creatividad. Greenwood ya es más que conocido por su trabajo como compositor de bandas sonoras, algo que lo pone en el principal foco de atención fuera de Radiohead. Por su parte, el israelí Ben Tzur ha dedicado prácticamente toda su vida adulta a unir culturas con su música, inspirado por su fuerte relación con ambas partes del mundo. Sumemos también a la fórmula esa especial creatividad que los músicos indios tienen en su ADN, cuyo mayor ejemplo es la inspiradora pasión que ejerce The Rajasthan Express, encargados de cimentar lo que el dúo Greenwood/Ben Tzur realizan con su música.

La imponente Fortaleza de Mehragarh, ubicada en la cima de una colina a 125 metros de altura, fue la base de operaciones para que todo el conjunto dejara fluir su creatividad, manteniéndose privados de electricidad, así como también de cualquier distracción que sacara a los músicos de su zona. Ahí, entre medio de un conjunto de ilustraciones, decoración y elementos de la cultura india, la música va tomando forma gracias al aporte de cada uno de los presentes en una habitación, capturando otro de los momentos importantes que se pueden ver en el documental mencionado al inicio. Greenwood emite una envasada percusión desde su MacBook, la cual es seguida poco a poco por diferentes instrumentos, como la guitarra de Shye Ben Tzur o los múltiples intérpretes de Rajasthan Express, que van aportando trompetas, trombones, tuba, un armonio, así como otros instrumentos originarios de la zona. Todo esto bajo la estricta mirada de Nigel Godrich, el genio detrás de la producción en estudio de Radiohead.

Momentos como ese hay muchos, sirviendo como el ejemplo mejor graficado de aquellos paralelismos que goza el álbum, los que pueden ser explayados en vivo gracias a un relato casi cinematográfico. En el escenario, cada músico tiene su papel, cada quien va entregando lo mejor de su creatividad para expandir las fronteras del sonido y, de paso, entregar una experiencia musical que nos aleja del clásico esquema basado en guitarras, batería y bajo. La apertura del espectro musical es algo muy importante cuando se trata de la creatividad, y qué mejor ejemplo que este, donde Greenwood se aleja totalmente de las fórmulas y estructuras que utiliza en Radiohead y en su carrera en solitario. No se trata de un cambio como músico, sino que uno de contexto, donde los elementos que utiliza a su favor pueden ser los mismos, pero las bases para hacerlo pueden ser más exigentes.

Sin duda, será todo un lujo poder disfrutar de una de las colaboraciones más interesantes que oriente y occidente han generado, cuando presenciemos el excelente show que Junun dará el próximo 11 de abril en el Estadio Nacional, momento en que recibiremos una nueva versión del Festival SUE. En esa instancia, podremos ver cómo cobra vida un álbum que desde su génesis se ha visto centrado en la innovación artística y el deseo casi instintivo de sus creadores por romper barreras y unir culturas. En un sentido musical, puede que se sienta como un disco de poco mensaje y difícil enganche, pero, más allá de eso, no intenta ser motivo de análisis y discusión, sino más bien funcionar como un vehículo hacia un viaje directo al contexto de su creación, permitiendo así la comprensión de cómo Greenwood y Ben Tzur dieron vida a una de las expresiones artísticas más singulares que se ha visto.

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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