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Especial Queens Of The Stone Age: Las 10 favoritas, parte 4

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Lo que más me llama la atención de Queens Of The Stone Age es la enorme efectividad con que la banda combina tres elementos que son medulares y brillan de forma individual en su propuesta: el hard rock, la melodía y la voz de Josh Homme. Porque escuchar a QOTSA no sólo permite experimentar el desértico y desgarrado sonido de sus guitarras, sino que también hay espacio para dejarse ir con los arreglos instrumentales que muchas veces están presentes de manera más armónica en su catálogo. Lo interesante de esto es que las dos partes se ubican dentro de márgenes inéditos: cuando la música se mueve con lentitud, sin excepciones, siempre asoma una mezcla oscurísima que es tremendamente hipnótica, mientras los extremos más vertiginosos del sonido patentado por el grupo van funcionando bajo los ritmos que sean. Ahí está “Villains” (2017) para probarlo.

Mediante está la voz de Homme, una de las más cautivadoras de la música contemporánea en mi opinión. Sin la aspereza que necesariamente tuvo que aportar Nick Oliveri, Mark Lanegan, Troy Van Leeuwen o incluso Rob Halford en algún punto cronológico de QOTSA, lo del pelirrojo cantante es puro pulso, tono y tempo; el valor agregado al nuevo formato de stoner desarrollado por la misma banda.

Tomando en cuenta lo anterior, comparto mis diez favoritas actuales de Queens Of The Stone Age:

10°

God Is In The Radio

Si “Songs For The Deaf” (2002) es una catedral sonora, es porque en temas como este se exploran infinitos instrumentales con la sola rugosidad de una guitarra. La más grande e ignorada contribución de Mark Lanegan a la banda.

I Appear Missing

Hace no más de un año me detuve a ver con total atención el video de “I Appear Missing”, y confirmé que no existe momento más dramático en la carrera de QOTSA. Maravillosa forma de ir culminando una idea.

Un-Reborn Again

Pasada la reticencia inicial con “Villains”, no me di cuenta cuando llevaba cien reproducciones del disco en una semana. Este tema refleja lo que más me gusta de aquel: simpleza de epílogos devastadores.

Tangled Up In Plaid

Lo que hace una buena base y la paciencia de quien escucha. Porque a “Tangled Up In A Plaid” hay que esperarla en su estructura verso/coro para llegar a un desenlace implacable, donde Josh Homme canta sobre el suicidio. Ideal para el primer encore en vivo.

If Only

La primera muestra realmente concreta de que la banda quería una disociación de John García (Kyuss) con un gesto siempre deudor hacia el stoner. La voz de Josh Homme como la conocemos en estos tiempos.

Sick Sick Sick

Un clásico que será vitalicio para QOTSA. Es que si una canción logra demostrar que los sonidos pesados y disonantes pueden ser conjugados con ritmo, entonces hay que atesorarla. Tema enfermizo es poco.

Better Living Through Chemistry

Qué canción rara, oscura y adictiva es esta. Después de “Auto Pilot” empieza a sonar un bongó y, ¡¿por qué?! Sí, funciona, y luego está el caos perfecto. Por lejos, la que más disfruté en Lollapalooza 2013.

River In The Road

Una de las introducciones más divertidas en la discografía del grupo se quiebra en dos tiempos para pasar al relato de un escape que es a todas luces trágico. “River In The Road” es como la historia del payaso deprimido, o como el borracho Stumpy The Pirate.

I Never Came

La canción atípica en la producción de QOTSA. Sin guitarras ásperas, sin melodías siniestradas, sin cambios de velocidad, “I Never Came” es el tema que los norteamericanos escogieron para ratificar a la voz de Homme como un instrumento más.

Suture Up Your Future

Que las letras también se consideren y ubiquen a “Suture Up My Future” como la mejor composición de Queens Of The Stone Age en ese ítem. Tan directa que no se puede reinterpretar; cancelemos nuestro futuro porque ya no existe interés por saber qué va a pasar. La música hace toda su parte y, después del enorme “Era Vulgaris” (2007), Josh Homme junto a QOTSA se toman seis años para publicar un álbum repleto de excelentes cambios, “…Like Clockwork” (2013). La canción advierte sobre una procesión inmediata, y se forma un punto de inflexión en la historia de la banda. Creo que tenemos QOTSA a un buen ritmo para mucho tiempo más.

Queens Of The Stone Age se presentará en Chile el próximo 21 de febrero en Movistar Arena. Más información, AQUÍ.

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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