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Especial Queens Of The Stone Age: Las 10 favoritas, parte 1

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Conocí a Queens Of The Stone Age primero de nombre. En un principio, fue leer algo bueno sobre un disco en particular. No hubo conversaciones, radios o canciones colándose desde un parlante distante. “Songs For The Deaf” (2002) estaba escrito en un listado de lo mejor del año en una revista y por curiosidad busqué el disco; no sé por qué ese en particular, quizás es mi afición por los nombres largos, que me parecen más arriesgados que un concepto grandilocuente. Tal vez era porque una banda de hombres llamándose a sí mismos “reinas” me daba buena espina. Lejos estaban las noticias de patadas inexcusables a profesionales de la prensa.

En ese verano de 2003 conseguí el disco y quedé pegado con sus canciones largas. Además, no era rock común de riffs distorsionados sin intención y letras cliché. Desde ese momento que le puse atención a los movimientos de Queens Of The Stone Age, y el tiempo ha depurado el desprejuicio sonoro de Joshua y ha pulido esa capacidad de hacer temas largos que no se pierden en su vastedad. Acá 10 ejemplos de ese arte perdido de hacer canciones largas sin caer en la autocomplacencia:

10°

Spiders And Vinegaroons

En el ocaso de Kyuss vino QOTSA, y este track, hecho en medio de ese limbo, es muestra de la capacidad narrativa que, desde lo instrumental, terminaría gozando la banda.

Make It Wit Chu

Aunque no supera los cinco minutos en estudio, este tema en vivo puede alargarse, extendiendo la vida de una de las melodías más sensuales que haya creado QOTSA.

Fortress

El último ejemplo es el primero que pongo aquí. En el excelente “Villains”, Homme se deja llevar por la producción experta de Mark Ronson, y el resultado es un tema cuyo sentido melódico tiene como médula espinal el manejo vocal de Josh. Una canción sencilla, como las que más cuesta hacer.

The Blood Is Love

Pulso constante, mirada penetrante, voces profundas y una tonalidad oscura. Pocas canciones pueden dejarse llevar tanto sin perder el impulso y la intención.

The Fun Machine Took A Shit & Died

Diversión y profundidad en medio de una canción cuya densidad resulta engañosa, y cuyos colores delinean parte de lo mejor de las armas a disposición de QOTSA.

Better Living Through Chemistry

Con paciencia, en esta canción existe un viaje sensorial, ambientado en los movimientos que eficientemente hacen los niveles de audio, desorientando lo suficiente como para darle sentido a los predicamentos cantados y los riffs infecciosos y clínicos de uno de los mejores tracks del celebrado “Rated R” (2000).

I Appear Missing

El clímax de “…Like Clockwork” (2013) es un momento que por sí solo es impecable, pero la canción que lo contiene también lo es. Dramáticamente construida, esta es una composición que se escucha al borde del asiento.

Villains Of Circumstance

Probablemente la canción más oscuramente romántica de QOTSA es también una de las que más descansa en la melodía, y donde Homme torna su voz en una línea instrumental más, en uno de los trabajos más bellos de la banda.

Mosquito Song

El track más escondido de “Songs For The Deaf” es dulce, doloroso, arriesgado y vulnerable, pero también es una muestra de la versatilidad que haría de QOTSA la banda innovadora que es hoy. Sin percusiones, y además con deliciosos contrapuntos de los ritmos de los instrumentos.

Song For The Deaf

Sin “Deaf”, “Mosquito” no generaría el mismo efecto. La mejor canción de QOTSA está llena de control y de inteligencia. Por primera vez la banda no apuesta todo a un solo número en la ruleta, sino que entiende cuándo hacer las cosas y cuándo esperar. Pese al espíritu de nubosidad en la letra y la producción, la canción brilla e ilumina cuando debe hacerlo, y también duele cuando debe. Una clase en manejo de los recursos a disposición, que retrata de cuerpo entero los principios de Queens Of The Stone Age.

Queens Of The Stone Age se presentará en Chile el próximo 21 de febrero en Movistar Arena. Más información, AQUÍ.

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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