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Especial En Órbita 2017: Damo Suzuki’s Network

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Cuando se piensa en Kenji Suzuki, una de las primeras cosas que se puede decir es que su posición ante la música es ver en esta a un continuum que nunca se detiene. Para el hombre conocido como Damo Suzuki nada detiene al sonido y, más allá de personalismos y egos, lo que termina germinando es un hilo sonoro que no puede sino ser visto en un escenario, en un lugar específico, pero que no detiene su devenir.

Desde el punto de vista científico, claramente puede tener razón, porque las ondas que expele una canción tocada jamás se detienen: pueden ser ininteligibles, pero, como diría Lavoisier, la energía no se crea ni se destruye, sino que se transforma. Y lo que ocurre en un show de Damo Suzuki trasciende a lo físico, o a la lógica más estricta, y se plantea como un fenómeno tal como el descrito en los libros de Física del Sonido. ¿Por qué disponerse desde una perspectiva tan “volada” para hablar de la obra del japonés que formó parte de Can? Es necesaria para entender un poco más su modo de trabajar desde mediados de los ochenta, uno que no se mueve en ciclos de discos y giras, sino que en un continuum evidente que no tendrá una parada en el escenario de En Órbita, sino más bien un paso lento pero que vuela cabezas y comprensiones.

Para su “Network” Suzuki se nutre de músicos locales, los que él siente que encarnan esa energía que ha liberado desde hace décadas y que son capaces de traducirla en riffs, compases y ganchos, muchas veces no muy fáciles de leer. Damo ya ha trabajado con músicos chilenos, como cuando estuvo con la gente de Congelador hace varios años, o incluso editando un disco en 2011, y hay que ver con qué formación nos sorprende en esta ocasión.

La música de Damo Suzuki’s Network es obtusa en grandes pasajes y difícil de acceder si se intenta leer desde lo tradicional, porque parecen ideas que se extienden en improvisaciones gigantes, con una energía gigante y con ausencia de ediciones más estrictas, lo que deriva en la dicotomía entre un trance potente o la lectura más intrigante de estos largos capítulos. Pero lo que es cierto es que Damo, a sus 67 años, sigue siendo un nombre que encierra más secretos y misterios que los que la transparencia de sus intenciones musicales permite advertir.

Ver el “rider” (o “peticiones técnicas” de un artista) deja en claro conceptos importantes: la banda que acompaña a Damo se convierte en Sound Carriers, es decir, los transportadores del sonido, dejando esta decisión en manos de los organizadores de los eventos, proceso donde él también tiene cierta capacidad de orientar. Suzuki “toca con cualquiera”, pero no con quienes tengan ligazón con la magia negra, música agresiva o discriminación que vaya en contra de los Derechos Humanos, incluso cuidándose de la negatividad en el afiche de cada evento.

Sabe muy bien que su imagen de culto es más que suficiente para permitirle seguir adelante, buscando el destino de las vibraciones originales de Can, de sus shows del pasado, y también crear y recrear nuevos sonidos en el presente, porque a final de cuentas la música no se destruye, sólo se vuelve energía liberada al universo, y es en ese plano que la espiritualidad de un alma krautrock sin ataduras como la de Damo puede funcionar de mejor manera, siempre en órbita y siempre en movimiento.

Por Manuel Toledo-Campos

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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