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Especial Lollapalooza Chile 2018: The National

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La cotidianeidad es un factor muy utilizado en la música, y bien lo sabe The National, quienes se valieron de aquello para generar un sello propio en la forma de componer las líricas. Con palabras descritas en un sinfín de ocasiones como oscuras, melancólicas y difíciles de interpretar, los oriundos de Cincinnati, Ohio, se mueven principalmente por la vereda del cuestionamiento, de la desolación y frustración propias de la falta de respuestas, de lo difícil que se ve el panorama en un día a día que pareciera cada vez más complejo en miras hacia el futuro. No obstante, como toda buena banda, The National se mantiene atento a lo que pasa alrededor, intentando reflejar el panorama cotidiano de la manera más precisa, permitiendo de paso una evolución en ascenso para su fondo y forma.

Acercándose a lo político, con “Alligator” (2005) la banda se mostró preocupada del panorama nacional en Estados Unidos, dándole un contexto diferente a las canciones de un álbum que proliferó por su calidad musical y aumentando la base de seguidores de una manera considerable. Punto aparte para la buena recepción por parte de la crítica, lo que puso los ojos del mundo sobre la banda. Luego llegó “Boxer” (2007) con su “Fake Empire”, que poco a poco les abriría las puertas dentro del mainstream y la cultura popular, transformando a la canción en una de las composiciones más importantes para el conjunto, incluso hasta el día de hoy.

Como era de esperar, todo volvió a evolucionar con “High Violet” (2010), el que fuera catalogado como el trabajo más fino de la banda hasta esa fecha. Fue ahí donde The National comenzó a gestionar su sonido hacia un estado más melancólico y oscuro, lo que fue logrado con la brillantez y pureza que genera su música en el oyente. En cierta forma, ese fue el momento en que la agrupación se definió, logrando superar sus impurezas pasadas y abriendo paso a las composiciones épicas y a las baladas introspectivas que hoy son el lugar común para su música, dejando de lado el cliché habitual en el indie de las guitarras afiladas, así como la expresión calma de emociones en canciones de tempo medio. La banda, en cambio, opta por encontrar un espacio entre medio, tomando elementos de ambas veredas para darles un desarrollo bajo sus propios parámetros.

Toda esa potencia se percibe muy bien en su presente, con el excelente “Sleep Well Beast” (2017) como carta de presentación, sirviendo como un álbum que experimenta adecuadamente a su propio beneficio, llenando espacios y realizando planteamientos con una cuidadosa meticulosidad. Una excentricidad que permite salirse de un espacio físico, abordando los sonidos desde una realidad totalmente ficticia, con un estado de suspensión de la realidad que ayuda a sentir los estímulos de una manera distinta, más profunda y menos escéptica que con trabajos realizados por otras bandas. El drama se vuelve más dramático, la locura se apodera de todo, las palabras ya no son suficientes cuando la rabia e impotencia de un futuro pesimista ataca y pone en peligro nuestra integridad.

Tomar la cotidianeidad y transformarla en poesía, pareciera que esa es la misión del conjunto en cuanto a su música, viéndose siempre motivados por la visceralidad, por la inspiración que llega de momentos simples, pero significativos, de esas pequeñas cosas que es necesario sentir para que surtan efecto en el deseo de expresar, de comunicar y de ayudar a canalizar emociones mediante la música. Avanzar y no quedarse en el pasado, esa sencilla frase refleja el hilo conductor de The National y su discografía, material que merece ser revisado constantemente para comprender y desentrañar todos los misterios ocultos en sus melodías, en sus palabras a modo de metáfora, y en sus estructuras llenas de formas y elementos que toman giros una vez avanzada la trama. Como todo buen disco, como toda buena película, como todo buen relato.

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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