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Especial Lollapalooza Chile 2018: Royal Blood

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Hay bandas que cambian la forma en que la gente habla o se viste, y eso conecta con el público. Agrupaciones como The Libertines, Arctic Monkeys o Franz Ferdinand modificaron el panorama musical inglés –y también mundial– de mediados de 2000 y le dieron una banda sonora a tiempos en que se sentía un vacío después de la caída de la música que lideró la última década del siglo XX. Los años avanzaron, las bandas fueron encontrando otros caminos, las tendencias mediáticas giraron hacia el pop o el R&B, y las guitarras se fueron apagando en las listas de éxitos, lo que nuevamente produjo un estancamiento que tenía a críticos y melómanos dando vuelta en círculos.

En ese contexto surge Royal Blood, una banda de rock con R mayúscula, de esas que suenan atronadoras, que son capaces de llenar un escenario a base de un bajo modificado con un octavador, además de diversos pedales, y una batería bestial. La gracia está en saber escoger bien los ingredientes, costumbre que debe venir del bagaje culinario del bajista y vocalista, Mike Kerr, quién alguna vez quiso ser chef. Sobre este punto, la otra parte del grupo, el baterista Ben Thatcher, le contó a la revista Spin que “Mike es un poco nerd en lo que tiene que ver con su sonido y le gusta mucho experimentar con diferentes amplificadores y pedales, por lo que dio con un cóctel de diferentes maneras de ocupar un bajo. Es muy simple, todo recae en la forma en que toca, desarrolló un estilo por sí mismo”.

Precisamente, ese aspecto es el que los hace tan atractivos: se perfilan como los grandes salvadores del rock, prescindiendo justamente de su elemento más característico. Es más, no planean sumar más integrantes y defienden su postura: “el hecho de ser un dúo nos obliga a ser mucho más creativos porque no podemos confiar en que otros llenarán el espacio, eso permite que Ben y yo improvisemos más porque todo depende de nosotros”, le contó Kerr a Guitar World. De todas formas, cualquiera cae de espaldas ante la potencia del directo de los ingleses. La mezcla de blues y garage sobre el escenario reúne todos los valores de crudeza y densidad que forman parte de un producto refrescante, a su vez deudor de otras grandes formaciones que curiosamente también prefieren el formato del binomio, como el caso de The White Stripes o The Black Keys.

Esa contundencia de sónica de los de Brighton despierta las esperanzas no sólo de los fanáticos, sino que también de una legión de músicos que los apoyan, entre los que se encuentra nada más ni nada menos que Jimmy Page, cuya manera visceral de tocar la guitarra y la potencia de las canciones de Led Zeppelin fueron una gran influencia desde el principio. Otro caso es el baterista de Arctic Monkeys, Matt Helden, quién usó una polera de la banda en la presentación de Glastonbury 2013, un diseño que crearon exclusivamente para él, ya que en esa época aún no contaban con merchandising oficial; de hecho, ni siquiera habían lanzado su primer disco. La fama meteórica del tándem también cruzó el Atlántico, una hazaña en la que muchos músicos de la isla naufragan, pero que el dúo logró sortear con holgura, ganándose el beneplácito de figuras tan influyentes dentro de la escena del país del norte como el mismísimo Lars Urlich, quien se subió a compartir escenario con ellos en San Francisco para despachar una versión de “Out Of The Black”, o Dave Grohl, quien les pidió en persona que fueran los teloneros de fechas seleccionadas del tour de Foo Fighters por Reino Unido, Canadá y Estados Unidos durante 2015.

Con una fama que va en ascenso entre los fanáticos y músicos de rock, y dos excelentes discos publicados hasta la fecha, el homónimo “Royal Blood” (2014) y su excelente continuación “How Did We Get So Dark?” (2017), podemos estar seguros que la poderosa pareja dará una clase monumental de potencia sobre el escenario de Lollapalooza Chile el sábado 17 de marzo, encabezando lo que de seguro será una de las mejores postales del evento. Pocas veces el público local ha tenido el privilegio de ver a una banda en su apogeo –un fenómeno que afortunadamente estamos viviendo cada vez más durante estos años, pero que antes no era para nada común–, por lo que esta es una oportunidad dorada para vivir en carne propia el vendaval de intensidad que Kerr y Thatcher se traen entre manos, un fenómeno que está en boca de todos y que le devolvió la relevancia al rock en el momento justo.

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Especial Lollapalooza Chile 2018: Anderson .Paak

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Anderson .Paak

Hay veces en que la vida te puede llevar por muchos caminos diferentes, y eso bien lo sabe el músico Anderson .Paak, que pasó de la calle al estrellato gracias a su indiscutible talento. Luego de forjar una carrera como músico de sesión y productor, las vueltas de la vida lo llevaron a perder todo y vivir en la calle, todo eso hasta que el rapero fue reclutado por Dr. Dre, dando paso así a una carrera que lo llevó a revolucionar la escena del hip hop mundial.

Con una mezcla refrescante y diferente, .Paak conjugó los elementos del jazz, el soul y el r&b para componer dos excelentes álbumes bajo la vereda rítmica del hip hop: “Venice” (2014) y “Malibu” (2016). Con un show en vivo absolutamente demoledor, .Paak rescata las raíces del hip hop a la antigua, acompañándose de una banda compleja en el escenario para interpretar sus canciones, sin necesidad de recurrir a meros samples como la gran mayoría hoy en día.

Acompañado de The Free Nationals, Anderson .Paak genera una instancia donde se encuentran elementos de diferentes estilos musicales, desatando una verdadera fiesta en cada escenario donde se presenta. Sólo basta con escuchar ese groove en clave funk de “Come Down” para notar la influencia que el músico encuentra en la música de los años setenta, así como también en importantes estandartes de la época, como James Brown o Earth, Wind And Fire. Es un hecho que el mundo está siendo dominado por el hip hop, algo que se puede notar principalmente en el circuito de festivales, donde los puestos de headliner son constantemente ocupados por exponentes del género. Tal como lo fue en su momento con el rock, poco a poco se empieza a gestar una guerra, dividiendo los flancos entre el lado más comercial versus el sentido artístico del rap como un arte.

Ver dónde se ubica Anderson .Paak en todo ese conflicto es tema de debate, aunque su éxito comercial no fue algo claramente premeditado. Alejándose de estructuras simples, melodías pegajosas y éxitos rápidos, .Paak se preocupa de entregarle un sentido en cuanto a fondo y forma en cada una de sus canciones, sustentándose principalmente en la instrumentalización, donde el también baterista se preocupa de cada detalle. Basta con escuchar su último álbum, “Malibu” (uno de los más destacados durante 2016), para comprender esa diferenciación que aparta a .Paak del resto de raperos existentes en la actualidad. Lo anterior permite que una canción de temáticas tan simples como “Room In Here” (que trata sobre conocer chicas en una fiesta) pueda sonar más elegante y estructurada que un sencillo radial sobre irse de fiesta todas las noches. Precisamente ese detalle marca la diferencia, tal como ese punto presente antes de su apellido artístico.

Prepárense, entren a la pista de baile, déjenlo todo. Ya se está tornando natural que algunos artistas entreguen dos álbumes buenos para iniciar su discografía, y de eso se tratará la música próximamente. Son cada vez más las influencias y el conocimiento musical que se puede ir adquiriendo de diferentes maneras, así que los períodos de inspiración serán cada vez más duraderos en esta denominada nueva camada. Si una cosa es clara, es que Anderson .Paak llegó para quedarse, por lo que resulta ilógico no prestarle atención. La música vive ciclos de transición, donde los iconos mueren y los recién llegados de su generación reciben esa antorcha. Ahora estamos conociendo a los nuevos, por ende, es importante prestarles la atención necesaria ahora, en el inicio de su camino para convertirse en los referentes musicales del futuro.

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