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Especial Lollapalooza Chile 2018: David Byrne

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Lo que el escocés naturalizado estadounidense David Byrne creó –le guste o no a él mismo como sea llamado– es un epítome del denominado art rock, una corriente musical muchas veces criticada por un supuesto elitismo que se origina y prejuicia desde el prisma y el afán de dotar a la música de referencias de otras corrientes artísticas, desde donde justamente fueron compuestas las canciones de Talking Heads, una de las bandas más seminales del estilo y una de las menos convencionales al estilo que frecuentaba CBGB, uno de los clubes de punk más insignes de Nueva York.

Byrne se encargaba de crear música obtusa y a contrapelo de sus compañeros de época, donde primaba la furia y la visceralidad, pero compartiendo el mismo escenario y el mismo círculo lo que lo dotó de cierta irreverencia y soltura a la hora de crear álbumes, una suerte de rebelión a su propia manera, incluso cuando Talking Heads terminó su carrera en 1991. Talking Heads, y en particular Byrne querían hacer cosas distintas a su escena, y pocos podrían ufanarse de haber escrito un libro sobre cómo entender la música o de la multiculturalidad que le dio andar en bicicleta por el mundo sin sonar pretenciosos.

Primero, generó un paradigma en lo que se gestó como el punk neoyorkino, anotando un número que no deseaba destruir lo que le rodeaba, sino decorarlo. Y no se trata de un invento naive, es lo que cualquiera podría pensar, pero el arte es prog-rock, es punk rock, es pop, y Byrne supo mezclar sus influencias, y cuando lo hizo en solitario se desató. Lo de “Rei Momo” (1989) no tiene precedentes en la música de aquel entonces, un músico salido del punk y del indie haciendo sus propias invenciones de merengue, mambo, son cubano, cha cha cha y múltiples ritmos afines. Byrne siempre ha sido desprejuiciado en ese sentido, capturando lo que en los barrios de Nueva York sonaba marginalmente y explotándolo, dotándolo de una vitrina y una nueva energía.

Si hay una persona que puede encarnar al menos masivamente el espíritu de la world music –junto con Peter Gabriel– es Byrne. Creó su propio sello, Luaka Bop, albergando desde rock, pop, funk, ritmos latinos y africanos o soul, y ese mismo afán camaleónico es el que le ha hecho rodearse de experimentados y creativos músicos durante toda su carrera. Conocida es su relación artística con Brian Eno en álbumes como “My Life In The Bush Of Ghosts” (1981) o “Everything That Happens Will Happen Today” (2008), dentro del cual se produjo el primer encuentro formal entre Annie Clark, más conocida como St. Vincent, el cual se materializó finalmente en “Love This Giant” (2012), un LP colaborativo y disperso, tal como ellos mismos.

Byrne también ganó un Oscar colaborando con Ryuichi Sakamoto y Cong Su por su trabajo musical para “The Last Emperor” de Bernardo Bertolucci, grabó “Here Lies Love” (2010), un álbum colaborativo con Fatboy Slim, y la lista podría seguir: aportes en teatro, ballet, cine. Incluso entró en la historia de la tecnología con su canción “Like Humans Do”, la que servía como música de muestra en el sistema operativo Windows XP. El bagaje creativo de Byrne inclusive le permite darse el lujo de enseñarnos cómo funciona la música, en su cabeza y en términos generales, en “How Music Works” (2012), una colección de ensayos donde abarca distintos aspectos de la música, desde arquitectura de escenarios hasta cómo funcionan los contratos discográficos, y una larga lista de tips que sólo alguien como David Byrne podría dar. Sus números, su obra y su historia lo avalan, y lo ponen como uno de los shows más importantes del festival Lollapalooza Chile 2018. Un lujo que tendremos aquel viernes 16 de marzo.

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Especial Lollapalooza Chile 2018: Anderson .Paak

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Anderson .Paak

Hay veces en que la vida te puede llevar por muchos caminos diferentes, y eso bien lo sabe el músico Anderson .Paak, que pasó de la calle al estrellato gracias a su indiscutible talento. Luego de forjar una carrera como músico de sesión y productor, las vueltas de la vida lo llevaron a perder todo y vivir en la calle, todo eso hasta que el rapero fue reclutado por Dr. Dre, dando paso así a una carrera que lo llevó a revolucionar la escena del hip hop mundial.

Con una mezcla refrescante y diferente, .Paak conjugó los elementos del jazz, el soul y el r&b para componer dos excelentes álbumes bajo la vereda rítmica del hip hop: “Venice” (2014) y “Malibu” (2016). Con un show en vivo absolutamente demoledor, .Paak rescata las raíces del hip hop a la antigua, acompañándose de una banda compleja en el escenario para interpretar sus canciones, sin necesidad de recurrir a meros samples como la gran mayoría hoy en día.

Acompañado de The Free Nationals, Anderson .Paak genera una instancia donde se encuentran elementos de diferentes estilos musicales, desatando una verdadera fiesta en cada escenario donde se presenta. Sólo basta con escuchar ese groove en clave funk de “Come Down” para notar la influencia que el músico encuentra en la música de los años setenta, así como también en importantes estandartes de la época, como James Brown o Earth, Wind And Fire. Es un hecho que el mundo está siendo dominado por el hip hop, algo que se puede notar principalmente en el circuito de festivales, donde los puestos de headliner son constantemente ocupados por exponentes del género. Tal como lo fue en su momento con el rock, poco a poco se empieza a gestar una guerra, dividiendo los flancos entre el lado más comercial versus el sentido artístico del rap como un arte.

Ver dónde se ubica Anderson .Paak en todo ese conflicto es tema de debate, aunque su éxito comercial no fue algo claramente premeditado. Alejándose de estructuras simples, melodías pegajosas y éxitos rápidos, .Paak se preocupa de entregarle un sentido en cuanto a fondo y forma en cada una de sus canciones, sustentándose principalmente en la instrumentalización, donde el también baterista se preocupa de cada detalle. Basta con escuchar su último álbum, “Malibu” (uno de los más destacados durante 2016), para comprender esa diferenciación que aparta a .Paak del resto de raperos existentes en la actualidad. Lo anterior permite que una canción de temáticas tan simples como “Room In Here” (que trata sobre conocer chicas en una fiesta) pueda sonar más elegante y estructurada que un sencillo radial sobre irse de fiesta todas las noches. Precisamente ese detalle marca la diferencia, tal como ese punto presente antes de su apellido artístico.

Prepárense, entren a la pista de baile, déjenlo todo. Ya se está tornando natural que algunos artistas entreguen dos álbumes buenos para iniciar su discografía, y de eso se tratará la música próximamente. Son cada vez más las influencias y el conocimiento musical que se puede ir adquiriendo de diferentes maneras, así que los períodos de inspiración serán cada vez más duraderos en esta denominada nueva camada. Si una cosa es clara, es que Anderson .Paak llegó para quedarse, por lo que resulta ilógico no prestarle atención. La música vive ciclos de transición, donde los iconos mueren y los recién llegados de su generación reciben esa antorcha. Ahora estamos conociendo a los nuevos, por ende, es importante prestarles la atención necesaria ahora, en el inicio de su camino para convertirse en los referentes musicales del futuro.

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