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Eric Peterson de Testament: “Somos parte de la huella digital del thrash”

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Si bien, muchos están de acuerdo con los conjuntos que conforman el denominado grupo de los “Big Four” del thrash metal, hay otros tantos que no lo están y que exigen la inclusión de Testament en dicha categoría. Los titanes californianos ostentan una carrera sólida, que hoy los ubica como uno de los máximos referentes del género gracias al apego a sus raíces extremas y, al mismo tiempo, a la experimentación que han utilizado para nutrir su música, la que en su mayoría sólo ha recibido halagos.

El año pasado publicaron “Brotherhood Of The Snake”, undécimo álbum de su carrera y objeto principal de la nueva gira que los trae de regreso el 24 de agosto a al Teatro Caupolicán, junto a Nile, circunstancias idóneas que nos motivaron para conversar con Eric Peterson, el único miembro original de la banda desde los días en que se llamaban Legacy. Sus impresiones frente al éxito de su último disco, respecto a la historia del grupo y a este nuevo concierto en nuestro país, quedan a continuación disponibles en su integridad.

Sabemos que en gran medida tú fuiste el artífice del último disco, y se nota tu influencia y tu dirección musical en la obra. ¿Cómo describirías el proceso creativo del registro y cómo se graficó tu perspectiva personal en este trabajo?

Respecto a la batería, durante la mitad del proceso trabajé con alguien más, mientras que simultáneamente lo hice con un programa de baterías reales grabadas, donde creo que hasta el mismo (Gene) Hoglan participó en varios de esos beats. Contiene bases thrash, beats con doble bombo, puedo modificar el tempo y luego aplicar todo ese trabajo en futuras maquetas. Tengo un pequeño estudio en mi casa que nos sirvió para crear el material y trabajar en eso, sin embargo, no soy muy experto, de hecho, conozco a muchas personas que hacen trabajos increíbles muy rápido, como es con Andy Sneap; sé que él es capaz de terminar algo en una semana si se lo propone y es impresionante. Como yo estoy lejos de eso, solía frustrarme y estaba siempre pensando en cómo manejar el programa de mejor forma, entonces pensé en usar ambos métodos y así no perdía la vibra del momento y eso espontáneo que tiene crear música, por eso a menudo estuve con un baterista y no sólo con la máquina, de esa manera todo fue más fluido. Logramos un buen sonido con mi equipamiento gracias a la tecnología de la que disponemos, así que el demo que realicé quedó genial y fue muy útil. Gene, por otra parte, trabajó con esta especie de “escritor fantasma” (el otro baterista) en varias ocasiones en las que usamos una batería real y una electrónica, proceso en el que tomaron el material y ordenaron muchas partes para así darle forma a lo que después se convirtieron en las canciones.

Lo diferente en esta oportunidad fue que con el resto de músicos no nos juntamos a ensayar y a familiarizarnos con los temas, porque todos estaban ocupados con sus respectivas giras y compromisos, por lo tanto, yo les envié las maquetas de ocho canciones, unos siete u ocho meses antes de entrar al estudio. Una vez allí, aún hacíamos arreglos. Recuerdo que había una canción en particular que a nadie le gustaba, entonces tuve que usar muchas partes que tenía en mente para modificarla y así generar algo que lograra el consenso. Personalmente, siempre tuve claro qué era lo que queríamos lograr como banda, el sonido que buscábamos, así que jamás me desenfoqué, lo que facilitó el trabajo. Chuck, por otra parte, al principio se sentía frustrado e incómodo con el material que teníamos, no obstante, al poco tiempo cambió de opinión y vio el potencial de las canciones, así que encontró el rumbo, la inspiración y terminó realizando una gran labor en la voz, como siempre lo ha hecho. Ya después con la recepción de la crítica y de algunos seguidores que exclamaron incluso que éste es nuestro mejor álbum, Chuck acabó por convencerse y ahora está feliz con el disco.

El proceso completo de “Brotherhood Of The Snake” fue diferente y complicado, debido a la falta de tiempo de los integrantes y sus apretadas agendas. Sin embargo, tal como decías, el álbum ha sido aclamado por la crítica y los seguidores. ¿A qué crees se debe esta situación?

Teníamos que terminarlo rápido y siempre me sentí capaz de lograrlo, esas fueron más o menos las ideas que dominaron el proceso. Un aspecto negativo fue el hecho de que no nos comunicamos bien, por lo tanto, no nos juntamos antes para practicar y desarrollar el material para el disco: Alex estaba de gira con Metal Allegiance, Steve y Gene eran parte de la gira de Death, este último recién pudo llegar un día antes de la sesión de grabación de baterías y alegaba que no conocía bien las canciones y todo eso. Por lo mismo, muchas partes cambiaron; tal vez el verso ahora es el coro y cosas así, pero la música y su intención no cambiaron. Suelo co-producir los discos, pero esta vez quise concentrarme más en lo musical. Desde hace un tiempo nosotros mismos nos hacemos cargo de las labores relacionadas al trabajo de la banda, como Chuck, que hace muy bien su tarea de manager, por ejemplo, mientras que yo estoy metido por completo en la música. De esta forma nos esforzamos por lograr nuestros objetivos y hacemos que pasen las cosas.

¿Cuánta de la responsabilidad es tuya respecto al sonido más pesado y denso que ha desarrollado Testament en estos últimos años?

Asumo una parte considerable de eso, pero debo reconocer que Gene también se lleva parte del crédito al ser el baterista (el corazón), porque él da el ritmo y personalmente compongo y toco pensando en lo que a él le gusta hacer en Testament, entonces por ahí va el tema. Cuando empieza la composición, siempre visualizó lo que hará el baterista y lo que a él le hace feliz tocar, así que de antemano todo ya va más o menos orientado hacia eso, para que él luego participe y decida si hay que modificar algo o no. Con este método hicimos también “Brotherhood Of The Snake”, que incluso fue elegido disco del año en más de algún lugar. Por lo tanto, creo que está validada la forma de trabajar, dimos con una buena estrategia. En el camino hubo problemas, algunos se contrariaron más de la cuenta tal vez, pero al final hicimos un gran disco que llegó a los primeros lugares en distintas listas. Entendimos que no teníamos tiempo y que había que cumplir con una fecha estipulada para el álbum, así que nos esforzamos y lo hicimos; si hubiésemos esperado para que todos participaran más o se sintieran más cómodos con la situación, quizá nunca habríamos grabado, tal vez recién lo estaríamos haciendo ahora debido a nuestros compromisos y el resultado no sería el mismo. Quién sabe lo que habría pasado. Teníamos la oportunidad también de tocar en muchos festivales de Europa y no podíamos lograrlo si no llevábamos un álbum nuevo, así funciona el negocio, entonces toda esa presión nos terminó por favorecer para trabajar duro y concretar el disco. Sabemos que ya no es como antes, ahora salen cientos o miles de discos de metal cada mes y tenemos que competir en cierta medida con eso. Si bien somos unos privilegiados debido a que estamos desde los comienzos y somos parte de la “huella digital” del género thrash, no se compara lo que vivimos en el pasado a lo que se vive hoy, donde hay miles trabajando duro y convirtiéndose en parte de esta competencia.

¿Cuál ha sido la clave de la longevidad de Testament?

La clave diría que es el saber elegir las batallas en las que participarás. Hay ocasiones en las que conviene callar y morderse los labios en vez de enojarte y volverte loco. La vida es injusta, nada lo es, nada es perfecto. No obstante, hay bondad. Al final todo se trata de conseguir el balance, querer algo e ir por ello; perseverar, pero recordando que tal vez algo fue fácil de conseguir, aunque puede ser difícil de mantener. Siempre tuvimos fe en el trabajo de Testament, eso también fue algo fundamental. Por mi parte, me basé en la experiencia de anhelar algún disco nuevo que me vuele la mente y, al no encontrarlo, entonces pensé en escribirlo yo mismo.

¿Tienes algún recuerdo especial de sus visitas previas a Chile? ¿Qué podemos esperar de esta nueva presentación?

Primero que todo, dejo en claro que el público de Chile nos ha entregado una de las respuestas más eufóricas de las que hayamos recibido en cualquier lugar del mundo. De verdad lo que ocurre con el público chileno es algo muy especial en comparación con lo que pasa en el resto del mundo; el espíritu del público chileno es distinto. Respecto al repertorio que mostraremos en esta oportunidad, tendrá obviamente muchos temas clásicos y otros que no hemos tocado en bastante tiempo. Además, cada uno de nosotros ejecutará un solo de su instrumento, más que nada porque eso era parte de la tradición de ir a un concierto, algo que sentimos se ha perdido un poco. No sé si será algo que ocurrirá durante toda la gira, pero sí lo haremos en lugares especiales como Chile porque es un público al que queremos mucho y para el que sólo tenemos palabras de agradecimiento por todo su apoyo. Estamos muy emocionados de volver.

Por Hans Oyarzún

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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