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Tomas Lindberg de At The Gates: “El arte nace de nuevo cuando el receptor lo decodifica”

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Ser una de las bandas más influyentes de su género es un apelativo que muchas veces, sobre todo en el metal más extremo, viene acompañado de un misticismo casi underground, donde pareciera que sólo pocos conocen de su nombre. Si bien, en el caso de At The Gates su historia no fue del todo así, la banda ha sido referencia obligatoria en lo que respecta al death metal en variadas ocasiones, siendo señalados como pioneros en el sonido más melódico de la escena de Gotemburgo. Puede que otros se lleven las luces, pero el conjunto lo tiene claro a la hora de pensar de manera aterrizada en cómo desarrollar su arte y mostrar su música al mundo.

Con esa misma lucidez de la realidad, es que el conjunto sueco se prepara para publicar su álbum “The Nightmare Of Being” el próximo 2 de julio, por lo que el séptimo larga duración de su carrera era la instancia ideal para conversar con Tomas Lindberg, vocalista de la banda, quien nos adentró un poco en su mirada sobre el mundo y la música, todo con la misma naturaleza honesta y consciente que se han encargado de impregnar en su música. Detalles de su nuevo disco, su inspiración en la literatura filosófica, los venideros treinta años de su trabajo debut, el desarrollo de su reunión y posterior álbum de regreso en 2014, entre otros temas, conversamos con el frontman en una entrevista que te dejamos a continuación.

Gracias por darte el tiempo para conversar con nosotros, Tomas. ¿Cómo has estado en estos locos dos años que hemos tenido?

Todo va bien por ahora. De hecho, acabo de recibir mi primera dosis de la vacuna hace unos días (risas). Las cosas finalmente parecen verse un poco mejor, ha sido un período muy loco como tú dices, supongo que para todos ha sido igual. Hemos tenido la suerte de no perder a ningún cercano por el Covid, y también afortunadamente la pandemia llegó durante el período de composición de nuestro nuevo disco y no durante la gira de promoción. Probablemente hemos tenido días mucho menos complejos que en gran parte del mundo, así que eso lo agradezco.

El 2 de julio será el lanzamiento de “The Nightmare Of Being”, próximo disco de At The Gates. ¿Qué nos puedes comentar de este nuevo trabajo?

Giramos mucho con el último disco, así que, luego de terminar el tour, recién el año pasado nos metimos directo al proceso de composición. Teníamos algunas ideas y demos flotando con anticipación, el concepto del disco estaba claro, pero luego apareció esta pandemia y básicamente nos dio más tiempo para enfocarnos en el proceso de composición y en la grabación, lo que es algo que quizás benefició al disco porque es más texturizado, con capas. Es un álbum mucho más grande que el anterior y fue muy divertido componer este disco. Creativamente hablando, fue muy desafiante, pero nos gustan los desafíos (risas).

En el comunicado de prensa para el anuncio del disco, dijiste que este es un trabajo “oscuro, pero no negativo”. ¿Cuál es la diferencia específica que hicieron entre esos dos conceptos?

La oscuridad que intentamos reflejar tiene que ver con el lado emocional de la música, la melancolía, la desesperación, ese tipo de ideas. Todos esos sentimientos no pueden existir sin la esperanza, por lo que ahí se remarca esa diferencia que me preguntas, con eso es como se desencadenan esas emociones. Es un álbum sobre el pesimismo, pero no es pesimista, eso es lo principal.

¿Pero tiene un enfoque pesimista más progresivo en la música y las letras, o era un concepto base desde donde surgieron las canciones?

Si, creo que la idea que tuvimos, al menos para mí, fue de ir a través del proceso de aprender sobre la filosofía pesimista al mismo tiempo en que escribía las letras para el álbum, por lo que podríamos decir que muestro mi proceso de aprendizaje al oyente. No es como educarlos, porque no creo que una banda deba hacer eso, sino más bien como dar a conocer algunas ideas de lo que aprendí, y hablar sobre ellas. No en el sentido de “esta es la única forma de ver la vida”, más bien como “estas son ideas muy interesantes, ¿qué piensan ustedes sobre eso?”. La idea de este disco es que se pueda dar esa conversación con quien lo escuche.

Pese a que nadie está tocando en la actualidad, evidentemente saldrán de gira con este disco en algún momento. ¿Cómo crees que se adaptará el nuevo material con los clásicos que están presentes en el repertorio?

Este es un disco donde tenemos lo que llamo “canciones de audífonos” (risas). Hay muchas canciones que podrían adaptarse naturalmente con el material antiguo, pero también otras que son más desafiantes para el oyente, depende más del contexto donde toquemos. Si estamos junto a otras bandas y nos toca un set de 40 minutos o algo así, probablemente nos enfoquemos en las canciones más agresivas del disco. Pero si es en un show como cabezas de cartel, de unos 90 minutos, ahí tendríamos una secuencia de tiempo para pasar por los distintos aspectos de la banda, tener una sección con un estado más melancólico, y luego de eso golpear con canciones más pesadas. Se da un show más dinámico de esa forma.

El próximo año se cumplirán tres décadas de “The Red In The Sky Is Ours”, el álbum debut de la banda. ¿Tienen o tenían algo preparado para celebrarlo?

Bueno, debo ser sincero: nos dimos cuenta hace muy poco que se cumplirán treinta años de eso. Estábamos tan enfocados el año pasado con el aniversario 25 de “Slaughter Of The Soul” (1995), que se supone que tocaríamos sets especiales de ese álbum en 2020. Esos shows no se cancelaron, y los tuvimos que posponer, así que ahora tocaremos shows por los 27 años de “Slaughter Of The Soul” (risas). Pero ya que “The Red In The Sky Is Ours” tendrá 30 años al mismo tiempo, hay posibilidad de que toquemos algunas canciones que nos parecen interesantes de ese disco. Lo hemos hecho en otras ocasiones también. Algunas canciones de ese disco son más difíciles de tocar en vivo porque fueron compuestas por unos jóvenes más odiosos y pretenciosos, y ya no somos esos jóvenes (risas), así que es muy difícil recrear la misma atmósfera. Por otro lado, hay canciones que tienen un sentimiento más fácil de incorporar en el show, así que quién sabe.

Ya que mencionas eso, creo que en ciertos aspectos se nota el hecho de que el primer disco tiene influencias netamente musicales, mientras que en el material actual incorporan influencias más filosóficas ¿no es así?

Sí, diferencias hay, pero en los primeros días de nuestra carrera igual tenía ideas filosóficas de hacia dónde queríamos llevar la música y las letras, aunque no tenía mucho conocimiento en aquel entonces (risas), era más de expresar cómo me sentía en ese momento. Ahora leo mucho durante el período de composición de las letras, tener claro que las líricas tengan un sustento teórico, ya que ahora sé mucho más de los temas sobre los que estoy cantando y eso, de hecho, lo hace más importante, más honesto. Cuando expreso lo que canto, mi forma de ser ahora es más honesta, creo que esa es la diferencia principal. At The Gates es mucho más importante para nosotros ahora que cuando teníamos veinte.

Sé que eres profesor de Ciencias Sociales. ¿Cómo ha sido esa experiencia de trabajar en algo alejado de la música?

Ha sido genial, realmente. Siempre hemos tenido esta idea con At The Gates de que nunca dejaríamos que la banda sea nuestra principal fuente de ingresos, siempre hemos sido bien aterrizados. Una parte de esa idea es nuestro deseo de estar más en contacto con el mundo real, o algo así, no estar distantes de la sociedad. Mientras que, por la otra vereda, sentimos que hay cierto riesgo cuando vives de tu música o tu arte, al punto que podrías llegar a acomodar ciertas cosas para que lo que hagas venda mucho más y así puedas tener mucho más dinero. No queríamos arriesgar eso, básicamente es como un pasatiempo que amamos; ponemos todas nuestras emociones y creatividad en ello, no necesitamos vivir de esto, por lo tanto, podemos hacer música más interesante de esta forma.

Eso es algo que le pasa mucho a las bandas, estadounidenses especialmente. La mayoría de los grupos europeos siempre se mantiene en un estándar de calidad. Ustedes, por ejemplo, así como otras bandas, no transan eso. Es contrario a lo que he visto en muchos ejemplos en la escena norteamericana, hay bandas que sacrifican esa calidad con el objetivo de vender más, así como otras que empiezan con la meta de ser ricos y famosos, perdiendo el foco de lo que quieres expresar como artista.

Sí, cuando partimos con At The Gates, por ejemplo, nuestra meta era poder grabar un demo y ser reseñados por algún fanzine underground de metal, ese era nuestro principal objetivo, mucho más que ser famosos. Así que, cuando lo logramos, ­–que fue casi inmediatamente– sentimos todo lo que vino después como un bonus, lo que es tremendo. Estamos felices de estar donde estamos; si tenemos que tocar en recintos pequeños o grandes, no importa en lo absoluto, amamos hacer esto.

Ya que hablamos de esto, ¿qué consejo le darías a los jóvenes que empiezan en la música y que estén leyendo esta entrevista?

Creo que lo más importante tiene que ver con lo que dijiste: debes pensar primero por qué quieres hacer música. Si es porque quieres acceso gratis a cerveza o que te sigan las mujeres, está bien supongo (risas), si sientes que esa es tu meta está bien. Pero si quieres decir algo con tu música, deseas trabajar duro y no estás tan preocupado de ser famoso, mucho mejor. Simplemente piensen en metas sencillas, cumplan esos objetivos primero. Si quieres lanzar un 7 pulgadas por tu cuenta, puedes enfocarte en cumplirlo, hazlo de manera honesta y sé fiel a tus principios para luego pasar a la siguiente etapa. No trabajen pensando en llegar a un sello grande y convertirse en los próximos Slayer inmediatamente porque, si lo hacen así, estarán enfocados en las razones incorrectas.

Esa es la diferencia entre fama y reconocimiento. Creo que eso es lo esencial.

Totalmente, eso es lo principal.

Mirando en retrospectiva tu trayectoria en la música durante todos estos años, ¿hay algo de lo que estés especialmente orgulloso?

He sido muy afortunado, he logrado muchas cosas que nunca pensé que lograríamos con la banda. Creo que lo más difícil que hemos hecho, y que no pensé que lograríamos, fue poder publicar “At War With Reality” (2014), nuestro álbum de regreso. Fue algo muy muy difícil de hacer, era una idea “sin fines de lucro” (risas). En ese punto de nuestra carrera no habíamos hecho un disco en mucho tiempo, pero queríamos desarrollar nuestra creatividad todos juntos, por eso decidimos hacerlo, las expectativas eran muy altas para todos. Ahora, años después, cuando tocamos canciones de ese disco, todas son muy bien recibidas en vivo y eso nos sorprende, estamos agradecidos de que tuviera la recepción que tuvo. Para nosotros fue como que logramos componer y grabar algo que la gente igualmente sintió que era At The Gates, incluso cuando habían pasado tantos años desde nuestra separación. Fue un gran logro para mí, estoy muy orgulloso de eso.

Recuerdo que, cuando salió ese disco, fue como una gran declaración de “hemos vuelto”, le dio a la reunión un sentido más real. Hizo entender que, más que un ejercicio de nostalgia, era retomar el camino creativo.

Absolutamente, fue algo que se fue dando de manera natural.

Siguiendo en ese período, ¿por qué decidieron retomar la banda después de tantos años sin tocar juntos?

Para la primera reunión, cuando sólo tocamos las canciones clásicas en vivo, fue una propuesta de Anders (Björler, guitarrista) porque él abandonó la banda en 1996, así que quizás se sintió un poco culpable y quería retomar el contacto (risas). Tuvimos varias reuniones para ver cómo lo haríamos, todos tenían algo que decir y fue un proceso muy democrático, todos se escucharon y respetaron las opiniones del otro. Luego de que hicimos la gira de Norteamérica y Europa primero, luego la gente quería la gira en Sudamérica y Australia y, bueno, los shows siguieron por más tiempo. Llegó un punto en que Anders dijo: “¿Saben? No podemos seguir haciéndolo de esta forma, sería tonto seguir si no publicamos algo nuevo”. Pasó que había compuesto algunas canciones, nos preguntó si queríamos oírlas, a lo que todos accedimos, creo que la primera canción que nos mostró fue “The Book Of Sand”, e inmediatamente me encantó. Le dije a Anders que era muy fresca y enérgica, realmente sentí que podíamos lograr un disco, así que decidimos seguir componiendo, pero sin contarle nada a nadie hasta que tuviéramos que grabar el disco (risas).

¿Por qué optaron mantener ese secretismo?

Porque no queríamos tener ningún tipo de presión externa. Quizás eran sólo unas cinco personas las que sabían, aparte de nosotros. Fue un proceso muy extraño y que de seguro tomó a todos por sorpresa cuando el disco estaba completado. Me alegro de que haya sido así. Como dije, hacer ese disco es una de las cosas por las que estoy más orgulloso.

 

Tomas, quiero que volvamos al nuevo disco, ya que hay algo que no te pregunté hace un rato. Cuando los fans escuchen este trabajo, ¿cómo te gustaría que abordaran la nueva música de la banda?

Quiero que recreen la música y las letras por su cuenta. No quiero decirles cómo se deberían sentir, sólo espero la predisposición a un álbum que es muy desafiante, que toma trabajo, quizás deban escucharlo unas diez veces para ir comprendiendo sobre qué trata. Espero que lo reciban con la mente abierta, dejar fluir las emociones, es muy interesante ver cómo la gente reaccionará al disco, estamos expectantes. Realmente creo que el arte nace de nuevo cuando el receptor lo decodifica. Nuestra idea es que este álbum cree una especie de nuevo mundo al que puedan adentrarse y descubrir cosas. Para eso, tienen que darle algunas escuchas antes de comprenderlo, creo yo (risas).

Bueno, Tomas, esa fue la última pregunta. Para terminar, ¿te gustaría enviar un mensaje a los fans de At The Gates en Chile?

Nos encantaría volver. Cada vez que hemos estado en Chile nos han recibido muy bien, el cariño que nos entregan es inmenso. Todavía se me eriza la piel al recordar la primera vez que tocamos allá, no estábamos listos para eso (risas). Fue una locura, la emoción de los fans es muy importante para nosotros. Tenemos algunos amigos en Chile, así que hemos podido conocer algo de un país tan hermoso como el suyo. Volveremos allá, definitivamente. Si tenemos una gira, es obvio que pasaremos por Chile.

Muy bien, Tomas. Muchas gracias por tu tiempo.

Muchas gracias a ti, fue una gran entrevista. ¡Espero verte algún día en Chile!

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Adam Carson de AFI: “Este nuevo disco fue una forma desafiante de hacer las cosas”

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Adam Carson AFI

Una de las constantes tendencias que se dio al inicio de la pandemia fue el hecho de que las bandas no sólo pausaran sus actividades en vivo, sino que también lo hicieran con sus lanzamientos discográficos. Bajo ese escenario se vio AFI ad portas de publicar “Bodies”, su álbum de estudio número 11, pactado originalmente para 2020. Tras la espera, con una pandemia que no se va nunca, la banda finalmente decidió publicar el disco el pasado 11 de junio de 2021, entregando así al mundo un álbum que se caracteriza por mantener la dinámica y energía que el conjunto a cargo de Davey Havok ha presentado durante su carrera.

El lanzamiento de este disco fue motivo suficiente para sentarnos a conversar con Adam Carson, baterista y único integrante desde 1991 en la banda junto a Havok, para analizar distintos puntos de la composición del álbum, su forma de tocar, la vida en pandemia como padre de familia, sus recuerdos del debut de la banda en Chile, y mucho más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola Adam, te habla Manuel desde Chile. ¿Cómo estás?

Hola, Manuel. Muy bien, ¿y tú?

Muy bien, gracias. Quisiera partir preguntando, por supuesto, cómo te has sentido durante este período de pandemia. ¿Qué tal todo por allá?

Estoy muy bien, soy un afortunado de poder decir eso. El último año y medio ha sido aterrador, obviamente, y mucha gente ha estado sufriendo alrededor del mundo, por lo que agradezco que mi familia y yo estemos sanos y salvos. Siento que ha sido un período en que sólo tenemos que sentarnos a esperar, ser responsables y no salir a ningún lado. Creo que hay algo de luz al final del túnel, pero sé también que hay muchos países que todavía lo están pasando mal, por lo que no es tiempo de celebrar todavía. Dentro de todo, me siento afortunado de que mi familia y yo estemos bien.

¿Cuál fue tu pasatiempo principal durante estos meses?

Bueno, la verdad es que no he hecho mucho (risas). Obviamente hay cosas que hacer, pero hemos estado ocupados, ya que mi esposa y yo tuvimos un bebé recientemente.

Oh, ¡felicitaciones!

¡Muchas gracias! Tenemos también una niña de cuatro años, por lo que no es como que tengamos tiempo libre para hacer cosas. Realmente envidio a la gente que ha tenido tiempo durante la cuarentena para escribir una novela o concentrarse en algún pasatiempo, hacer todo lo que siempre quisieron hacer. Digamos que hemos pasado la pandemia cambiando pañales y criando a una niña de cuatro años, en eso se va la vida (risas).

Recuerdo un live que hiciste por el Instagram de la banda, donde se escucha a tu hija de fondo tocando la batería, ¿has intentado enseñarle algo?

Oh, sí. Ella tiene una pequeña batería que le gusta andar golpeando por toda la casa, a veces toco con ella, pero no es que sepa tocar correctamente porque es muy pequeña aún. Bueno, no quiero decir que haya una forma correcta o incorrecta de tocar porque eso no existe en la música, pero a ella sólo le gusta hacer ruido (risas). Soy muy cuidadoso de no presionarla en nada, la música debe ser algo que descubras, disfrutes y aprecies, en el momento en que agregas algún tipo de estructura, enseñas que hay un aspecto teórico y todo eso, de cierta forma le quita un poco la diversión. De igual forma estoy muy feliz de que ella disfrute haciendo ruido por la casa.

Adam, pasemos a la música. “Bodies” fue publicado en junio de este año, pero entiendo que ya estaba totalmente listo antes de la pandemia.

Así es, lo teníamos completamente terminado y listo para ser publicado, pero decidimos esperar simplemente.

¿Cómo ejecutaron el proceso durante su composición?

Es curioso porque, independiente de que hicimos este álbum antes de la cuarentena y de que no pudiéramos reunirnos ni trabajar todos juntos en la misma habitación, de igual manera fue un trabajo por separado, lo que es diferente de otros discos de la banda. Normalmente, Davey (Havok, vocalista) y Jade (Puget, guitarrista) harían la composición inicial para crear la melodía y la estructura para presentarle a la banda, luego trabajaríamos juntos para pulir las canciones y luego tener algo concreto para ir al estudio y grabarlas, pero este álbum se construyó en torno a los demos.

Entiendo que cada uno grabó por separado, ¿no es así?

Jade y Davey estructuraron las canciones para luego grabarlas y enviárselas al resto. En este caso, aprendí las canciones por mi cuenta y pude tomar algunas decisiones creativas para aplicarlas en ellas, luego fui al estudio, reemplacé las baterías programadas del demo con mi interpretación y luego se las envié a Hunter (Burgan, bajista), quien atravesó el mismo proceso de analizarlas y crear sus partes en los demos. Luego los chicos nuevamente le aplicaron ajustes, y así fue construyéndose hasta que tuvimos este disco completo y listo para publicarse, sin necesariamente estar todos juntos. Fue una forma desafiante de hacer las cosas y, si me hicieras elegir, habría preferido estar todos juntos tocando, quizás, pero así es como se dio. La tecnología permitió lograr esto y de todas maneras obtuvimos un buen resultado.

¿Quién tomó la decisión de no publicar el disco? ¿Fue algo que discutieron con la banda o el sello se los pidió?

Fue una decisión de la banda. Siempre hemos publicado discos para luego salir de gira y tocar las canciones para la gente, es la forma en que nos gusta compartir nuestra música. Cuando sacamos un disco generalmente tocamos casi de inmediato, así compartimos el entusiasmo de la gente de haber escuchado el disco y a la siguiente semana ya estar escuchando esas canciones interpretadas en vivo. Eso es algo importante para nosotros, somos una banda que ama tocar en vivo.

El timing fue casi perfecto porque ni siquiera se alcanzó a anunciar, así que no fue necesario postergarlo de alguna manera.

De haber seguido el plan original, el disco habría salido justo en el punto álgido de la pandemia, cuando de pronto nos dimos cuenta de que muchas cosas no eran tan importantes como parecían. Creo que el mundo colectivamente comenzó a darse cuenta de lo que es verdaderamente importante, todo era acerca de sobrevivir y protegernos unos a otros, comprender qué es lo que está correcto durante esta pandemia. Es raro cuando el mundo piensa de manera colectiva, y eso se dio de alguna manera, por lo que no se sentía correcto publicarlo. Además que sabíamos que no podríamos hacer shows, así que era mejor esperar. Quisimos esperar que pasara la pandemia, pero no hacía más que empeorar, así que pensamos que era mejor publicarlo y así fue como salió.

Algo que me llamó mucho la atención de este disco es que publicaron casi todas las canciones como adelantos. ¿Por qué lo lanzaron de esa forma?

Actualmente, cada vez que sale un disco, hay como unos días de entusiasmo en internet, pero luego eso se termina de repente. Es interesante porque nadie recibe su música desde el mismo lugar, no existe un solo lugar donde la gente pueda acceder a ella, sino que lo hacen a través de distintas plataformas. Ya no se escucha la radio de la misma manera, en la televisión no se pasan videoclips, es un mundo distinto, por lo que la vida de un nuevo disco es muy corta. La gente sigue escuchándolo, obviamente, pero es un período muy breve en el que es “lo nuevo” de lo que la gente está hablando.

Bajo ese contexto tiene sentido, se le da una longevidad más consistente.

Disfrutamos construir este disco y anticiparlo con canciones cada cierto tiempo, eso permitió que ese entusiasmo e interés en la banda se mantuviera, y puedes mantener la atención de la gente por más tiempo. Admito que con este disco nos pasamos un poco: cuando salió, finalmente había sólo unas dos canciones que la gente no conocía (risas), pero creo que lo más importante es que fueron varios meses en que los fans de AFI tuvieron ese sentimiento de comunidad, donde pudieron comentar y conversar sobre cada canción puntualmente. Eso es lo bueno de tener una comunidad de fanáticos tan leal, después de todo este tiempo siguen apoyándonos.

Ya que mencionaste a los fans, hablemos del show que tuvieron en Lollapalooza Chile 2014. Lo recuerdo como una de las presentaciones más increíbles en la historia del festival, la gente en las primeras filas lloraba y cantaba a todo pulmón, había una energía tremenda en el ambiente de verlos tocar por primera vez en Chile. ¿Qué recuerdas de ese día en particular? 

Recuerdo ese show muy bien; estaba muy entusiasmado de estar en Sudamérica, en Chile sobre todo, que fue nuestro primer show. Era la primera vez que llegábamos a esa parte del continente, y era un lugar que quería visitar toda mi vida, estaba maravillado, pero a la vez muy nervioso al no saber qué esperar, ya que era un festival muy grande. Eran unas 10 mil o 15 mil personas esperándonos y no sabía si eran asistentes curiosos o realmente fanáticos nuestros, pero cuando empezamos a tocar el publico se volvió loco. Tengo videos de ese show que miro de vez en cuando, era nuestro primer show en Sudamérica y fue muy genial. Fue como un alivio inmediato saber que eran realmente nuestros fans y no gente que solamente vería un par de canciones para luego irse a otro escenario (risas). Se dio una química increíble, respondieron excelente tanto al material antiguo como al nuevo, fue fantástico.

Adam, se nos acaba el tiempo, pero quiero volver a “Bodies” antes de terminar. Dijiste que aplicaste tus propias decisiones creativas a los demos que te enviaron los chicos, y me hace sentido porque siento que la batería es el núcleo central del disco. Te escuchas muy concentrado dándole una atmósfera general a todas las canciones, casi como si fuera el corazón de todo el relato. ¿Cuál fue el enfoque que le diste a las partes de tu instrumento en el disco?

Oh, muchas gracias. Es una pregunta difícil, no lo tengo bien claro porque fueron decisiones que tomé de manera individual por cada canción. Había decisiones que estaban tomadas antes de que recibiera las canciones. Hay algunas donde la batería era bien desafiante, así que no quise modificarlo mucho por mi cuenta; como baterista intento no llevarme la atención, sino que ser un sustento de la canción. Jade, por su parte, tenía un demo donde había un solo de batería de tres minutos y medio, era “Twisted Tongues” si no me equivoco. Yo estaba en plan de “de acuerdo, lo haré” (risas), pero sí siento que este disco es un trabajo bien orientado en la batería, estoy agradecido de que la gente lo note. Tienes razón en ese sentido, de que la batería es la columna vertebral en varias canciones, así que estoy feliz de haber hecho mi parte.

Muchas gracias por tu tiempo, Adam, y felicitaciones por el disco y por tu familia. Espero verte con la banda tocando nuevamente en Chile el día que pase toda esta pandemia. Cuídate mucho.

Estaré encantado de volver a Chile, espero poder verlos nuevamente. Ojalá se pueda concretar en un futuro. ¡Nos vemos!

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