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Steve Hogarth: “El piano me ayudó a encontrar mi voz”

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Los lazos de Marillion con nuestro país son estrechos, y eso ha quedado demostrado con la absoluta devoción que el público chileno siente por la banda británica cada vez que alguno de sus integrantes llega en plan solitario a Chile. A la visita del guitarrista Steve Rothery en junio para celebrar los 40 años de la agrupación, también estará presente el vocalista, Steve Hogarth, en el mes de julio, quien llega con su show “H Natural”, donde hace un repaso por las canciones que marcaron su vida como músico, no sólo en las cuales ha participado, sino que también aquellas que lo establecieron como el frontman que es en la actualidad, recordando mediante algunos covers a los artistas que lo influenciaron en distintos puntos de su vida, desde Leonard Cohen a Radiohead.

Como previa a esa visita, la que se materializará el próximo 8 de julio en el Teatro Nescafé de las Artes, es que conversamos con el vocalista sobre la idea original que motivó este show, las canciones que escoge y cómo se configura cada presentación, sus inicios en Marillion y el estado actual de la banda, entre otras cosas, en una breve, pero divertida conversación al teléfono desde Londres, la cual te dejamos íntegramente a continuación:

Llegas a Santiago con el show “H Natural”, donde tocas solo con un piano, haciendo intermedios para conversar con la audiencia en un ambiente íntimo. ¿Cómo surgió la idea de hacer este tipo de formato?

Bueno, para serte totalmente honesto, tuve una enorme deuda de impuestos que no podía pagar, así que fui a la oficina de mi representante y le pregunté cómo podía conseguir el dinero para pagarla (risas). Ahí me dijo: “Debes hacer una gira como solista”, y le consulté si había alguna otra alternativa, pero no era posible, así que le pedí que me agendara una gira donde tocara completamente solo, todo para conseguir la mayor cantidad de dinero para pagar mi deuda. Pero mientras lo hacía, descubrí que era algo muy especial, que me divertía y que era muy diferente a lo que hago normalmente. Desde ahí fue creciendo, así que aquí estamos.

¿Por qué un piano y no una guitarra, o una banda completa contigo?

Bueno, no toco guitarra, sé un poco, pero no toco muy bien. El piano fue mi primer instrumento, es donde mejor me puedo expresar y acompañar, así que el piano siempre ha estado ahí, me ayudó a encontrar mi voz. No busco impresionar a nadie con mis habilidades en ese instrumento, sino que trato de crear algo espontáneo, mostrar quién soy y por qué ciertas canciones son especiales para mí; tener un diálogo con la audiencia y que ellos digan hacia dónde irá el show. Cada presentación es única, cada uno es diferente en torno al camino que recorre el público.

¿Este diálogo con la audiencia siempre gira en torno a la música o también se tocan otros temas?

Sí, trato de hablar de la vida, mis padres, como empecé en la música. A veces hablo de las bandas en las que he estado, que la gente sepa cómo llegué a ser lo que soy ahora, que sepan de primera fuente quién soy como ser humano, mucho más allá del cantante de una banda.

Sé que también tocas algunos covers. ¿Cómo eliges el repertorio?

Oh, sí, toco un montón de covers. Hay canciones de Leonard Cohen, The Beatles, Bob Dylan, Radiohead, Kate Bush, XTC, Carole King, David Bowie, toco lo que siento que debería tocar en el momento. Quizás alguien del público dice algo y eso me lleva a una canción, o quizás es una cosa de algún sentimiento específico, quizás toco alguna de mis canciones y eso me recuerda a la canción de alguien más. A veces es porque cierta canción era la favorita de mi padre o porque mi madre solía escucharla en la radio, es algo que depende del momento y de cómo me siento. Esto no está diseñado para ser una tarde de mi música necesariamente, sino que más bien de la música que significa algo para mí, así como las canciones que me enorgullece haber compuesto.

Por supuesto, quiero que hablemos de Marillion. ¿Cómo va todo con la banda en estos momentos?

Todo está muy bien. Recién tuvimos tres shows acá en Inglaterra el fin de semana pasado, hicimos el Marillion Convention, ya hicimos otro en Holanda y Polonia, así que es el tercero. Iremos a Montreal en un par de semanas y luego haremos el último en Portugal. La banda está en tremenda forma, con un gran espíritu, estamos felices de seguir trabajando juntos. Estamos casi con tanta energía como cuando empezamos a tocar juntos. Estamos muy felices, sin duda.

Llegaste a la banda reemplazando a Fish, el antiguo vocalista, pero para las nuevas generaciones muchos te consideran a ti como el vocalista de la banda, sin saber mucho de la etapa previa. ¿Cómo fue la recepción en el principio?

Esperé que fuera más difícil de lo que terminó siendo. Sé que hay muchos fans que dijeron “esta no es la misma banda, ya no estoy interesado en seguirlos, no quiero escuchar su música ni verlos en concierto” y. por supuesto, nunca conocí a esos fanáticos (risas), pero de la gente que decidió seguir junto a nosotros, había muchos que querían saber cómo sería y terminaron amando la nueva música. En el primer tour la gente ya estaba consciente de lo que éramos, iban a ver algo nuevo y les gustó. Fue mucho más tranquilo de lo que pensé. Le agradezco mucho a los fans por haberme permitido llegar a sus corazones tan rápido en aquel momento.

¿Cómo empezaste a involucrarte en el proceso creativo? ¿La banda te lo pidió o fue algo que se fue dando naturalmente?

Sí, creo que ellos me escogieron porque ya sabían que yo era compositor y cantante, que podía escribir letras para las canciones. Tan pronto nos conocimos, me dieron la libertad y confianza de contribuir a la música, así que me involucré desde el principio expresando mis opiniones en el proceso creativo. Noventa y nueve por ciento del tiempo estaban felices de escuchar lo que tenía que decir sobre nuestro trabajo juntos.

Bien, Steve, lamentablemente se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fanáticos en Chile para terminar esta entrevista?

Hola a todos. Siempre es un enorme placer ir a Santiago, el público siempre es muy cariñoso, generoso y amable. Les agradezco por eso y espero verlos muy pronto, lo que de hecho pasará porque iré a tocar (risas).

Muchas gracias por tu tiempo. ¡Nos vemos!

Gracias a ustedes, ¡los veo en el show!

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Entrevistas

Jim Reid de The Jesus And Mary Chain: “Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón”

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Mary Chain

Muchas veces han sido denominados como “la única verdadera banda indie”, y es bien cierto que The Jesus And Mary Chain no se aleja mucho de ese apelativo. Luego de estar separados por casi diez años, la banda regresó a los escenarios en 2007, mucho más maduros y dejando de lado todas las peleas que los hicieron distanciarse en un momento y publicando el álbum “Damage & Joy” (2017) como una muestra de aquello. Ahora, el conjunto integrado por los hermanos Jim y William Reid llegará nuevamente a nuestro país para encabezar la primera edición del festival Antena, siendo el encargado de cerrar la jornada del día 29 de junio, en su regreso a Santiago luego de haberse presentado por última vez en 2014.

Para amenizar la espera a este anhelado regreso, es que nos sentamos al teléfono junto al guitarrista Jim Reid, quien, de manera muy introvertida y serena, conversó con nosotros sobre una serie de temas en torno a la banda, tales como la grabación de su primer álbum en 20 años, el dolor de cabeza que significó trabajar en el disco “Munki” antes de su separación, su opinión sobre la música actual y las bandas que se sintieron inspiradas por The Jesus And Mary Chain, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Obviamente, de lo primero que hablaremos es de este regreso a Chile luego de cinco años. ¿Cómo ven esta próxima visita al país?

Estoy expectante por regresar, ya han pasado cinco años. La audiencia chilena es muy entusiasta, es uno de los mejores públicos que hemos tenido, por lo que espero experimentar eso de nuevo.

Vienen con el álbum “Damage & Joy” de 2017, el primero luego de casi 20 años. ¿Qué tan diferente fue hacer un álbum en la actualidad, comparado con “Munki” que apareció en 1998?

Sí, supongo que es bien parecido, pero más rápido, ya que la tecnología ha avanzado demasiado. Antiguamente tenías una idea, como el uso de sintetizadores o una sección de cuerdas, y querías aplicarla, tomaba un día completo arreglar todo para que funcionara, pero ahora puedes hacer todo eso en un computador en cosa de minutos, sin tener que mover nada, por lo que las ideas fluyen más rápido, aunque esencialmente es lo mismo: un grupo de tipos en el estudio elaborando canciones y tratando de sacar lo mejor de ellas en el proceso.

En este disco trabajaron con Youth, bajista de Killing Joke, como productor. ¿Cómo se sintieron con una mirada externa hacia su trabajo?

Fue la primera experiencia con un productor, tomamos esa decisión porque estábamos muy nerviosos por entrar al estudio de nuevo, ya que grabar “Munki” fue una experiencia dolorosa y todavía era un recuerdo fresco en nuestras mentes, a pesar de todo el tiempo que pasó. Estar en el estudio es algo claustrofóbico a veces, temíamos estar atrapados mucho tiempo sin llegar a ningún punto claro y que volviéramos a lo mismo que pasó esa vez. Incluso, pese a que llevábamos tiempo girando juntos, ahí se adquiere experiencia y te unes más con la banda, pero en el estudio es algo mucho más personal. Pensamos que tener otra presencia en el estudio nos ayudaría a mantener las cosas en orden, así que lo analizamos mucho, además de que nos ayudaría con todos los aspectos tecnológicos que se utilizan al grabar un disco.

¿Por qué describes la experiencia de haber grabado “Munki” como algo doloroso?

Lo fue, temíamos que podía ser así desde antes. En este último disco nos hicimos amigos con William, al punto que nos unimos mucho más que antes, hablábamos de todo, conversábamos sobre el disco de manera constructiva, discutimos, sí, pero siempre de manera pacífica, acerca de la música y cosas así. Es lo normal que se produce en una relación creativa como la que tenemos; eran sólo temas de música y nada más. Con “Munki” llegó un punto en que discutíamos por todo, en cambio ahora fue más de ir juntos en la misma dirección.

Entiendo que no grabaron juntos durante el proceso de ese disco, pero ¿hubo algún momento en que trataron de trabajar los dos en el mismo estudio?

Comenzamos haciéndolo juntos, pero rápidamente se desintegró. William y yo nos pasábamos gritando el uno al otro, ni siquiera podíamos comenzar a grabar lo que teníamos compuesto. Finalmente él terminó grabando con la banda las canciones que ya tenía, mientras que yo hacía las mías aparte, fue como tener dos miradas distintas de la banda en un solo álbum.

En esta próxima visita a Santiago tocarán en un festival, encabezando la primera noche luego de algunas bandas locales, prácticamente todas jóvenes. ¿Te gusta estar al tanto de los nuevos sonidos? ¿Hay alguna banda nueva que disfrutes?

Probablemente debería, lo sé, pero no lo hago. Tengo cientos y cientos de álbumes pendientes, pero cada vez que escucho nuevas bandas, no me conecto, no he encontrado una banda nueva que me guste desde hace mucho. Para serte honesto, no escucho radio ni nada, he escuchado cosas buenas de repente cuando tocamos en algún festival, algo que suene en un escenario quizás, pero probablemente estoy pasado de moda, ya no es mi tiempo.

¿Sientes que quizás la música ya no es lo mismo de antes?

De alguna forma lo siento, pero quizás es porque soy muy viejo. Hay chicos de 17 o 18 años que piensan que esta es la mejor época de la música, y quizás tienen razón, porque todos suelen decir que la música con la que creces es la que consideras la mejor. Creo que debería escuchar más música, eso lo tengo claro.

Estando en una banda como The Jesus And Mary Chain de seguro que suelen decirte “tu música ha inspirado a esta, y esta, y esta otra banda”. ¿Se han visto reflejados en alguna de esas bandas inspiradas por su música?

Sí, me ha pasado, pero no mencionaré a ninguna porque no sería justo. He escuchado la esencia de The Jesus And Mary Chain en algunas bandas, y no creo que eso sea algo malo, el rock & roll se trata de eso. Nada es original, absolutamente nada, esto se trata de tomar distintas piezas y reorganizarlas a tu gusto. The Rolling Stones trató de ser algo como Chuck Berry en sus inicios; The Stooges trató de ser The Doors, pero necesitaban algunas lecciones de guitarra para lograrlo, ya sabes, tienes que poner algo de ti sobre la mesa, no puedes ser una copia de otra banda, tienes que sentirte inspirado por ellas y hacerlo a tu propia manera. Es un poco deprimente escuchar bandas que suenan exactamente como otras, de eso no se trata esto.

Jim, hablamos sobre las diferencias entre hacer un álbum en los 90 y hacerlo ahora, por lo que te repito la pregunta, pero esta vez hablando de los shows en vivo. ¿Cómo enfrentan esta nueva era donde los teléfonos y las redes sociales cambian la percepción a la hora de hacer un show en vivo?

Sí, tienes razón, es diferente, no hay duda de eso. Desde un punto de vista artístico prefiero mucho más la manera antigua, te sentías menos expuesto y mucho más confidente de lo que estás haciendo. Soy un tipo tímido, estar en el escenario y ser el centro de atención es todo un tema para mí, pero tenía una actitud muy punk cuando empezamos, quería ser como Iggy Pop; nunca podría ser eso, pero lo deseaba. La única forma en que podía estar arriba del escenario era si me emborrachaba antes. Toqué sin estar sobrio durante décadas, cada show, algunas veces ni siquiera podía mantenerme en pie, pero ya no bebo desde hace dos años y medio. Aún soy tímido y torpe, pero es mucho más profundo, puedo encasillarme más en la música y comprometerme y enfocarme en hacerlo cada vez mejor.

En una entrevista dijiste “no hay un lugar en el mundo para nosotros”, refiriéndote a la banda. ¿Qué quisiste decir con eso?

Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón. William y yo éramos los Mary Chain, y cuando pasó el grunge no teníamos nada que ver con eso; cuando llegó el brit pop no teníamos nada que ver con ellos, todos estos géneros que iban apareciendo nos excluían. Creo que para tener la atención de todos tuvimos que patearlos en las bolas, ya sabes a lo que me refiero. La canción “Amputation” precisamente habla de eso, de ese sentimiento de no estar conectados al resto de movimientos.

Este año se cumplen 30 años desde el lanzamiento de “Automatic”. ¿Planean alguna actividad especial para celebrarlo?

No hay planes, pero quién sabe, estamos abiertos a ideas. Lo único que puedo decir es que no tenemos nada pensado por el momento.

¿Por qué optaron por una producción más minimalista en ese álbum?

En esos momentos estábamos escuchando mucha música electrónica, por lo que queríamos hacer un álbum que sonara así. No hay bajo en el disco, todo está programado, hay drums machines y guitarras. Fue como nuestra carta de presentación para llegar a Estados Unidos. Cuando hicimos ese disco, estábamos tratando de sonar en las radios estadounidenses, y ese sonido nos acercó.

Bueno, Jim, se nos acaba el tiempo. ¿Hay algo que quieras decir a tus fans en Chile?

The Jesus And Mary Chain irá pronto a tocar para todos ustedes. Tenemos un set donde tocaremos canciones de todos nuestros discos. Si aman a la banda, estoy seguro de que les encantará el concierto, así que espero verlos ahí.

Muchas gracias por tu tiempo, nos vemos en el show.

Ok, muchas gracias a ti. Nos vemos.

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