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Entrevistas

Steve Hogarth: “El piano me ayudó a encontrar mi voz”

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Los lazos de Marillion con nuestro país son estrechos, y eso ha quedado demostrado con la absoluta devoción que el público chileno siente por la banda británica cada vez que alguno de sus integrantes llega en plan solitario a Chile. A la visita del guitarrista Steve Rothery en junio para celebrar los 40 años de la agrupación, también estará presente el vocalista, Steve Hogarth, en el mes de julio, quien llega con su show “H Natural”, donde hace un repaso por las canciones que marcaron su vida como músico, no sólo en las cuales ha participado, sino que también aquellas que lo establecieron como el frontman que es en la actualidad, recordando mediante algunos covers a los artistas que lo influenciaron en distintos puntos de su vida, desde Leonard Cohen a Radiohead.

Como previa a esa visita, la que se materializará el próximo 8 de julio en el Teatro Nescafé de las Artes, es que conversamos con el vocalista sobre la idea original que motivó este show, las canciones que escoge y cómo se configura cada presentación, sus inicios en Marillion y el estado actual de la banda, entre otras cosas, en una breve, pero divertida conversación al teléfono desde Londres, la cual te dejamos íntegramente a continuación:

Llegas a Santiago con el show “H Natural”, donde tocas solo con un piano, haciendo intermedios para conversar con la audiencia en un ambiente íntimo. ¿Cómo surgió la idea de hacer este tipo de formato?

Bueno, para serte totalmente honesto, tuve una enorme deuda de impuestos que no podía pagar, así que fui a la oficina de mi representante y le pregunté cómo podía conseguir el dinero para pagarla (risas). Ahí me dijo: “Debes hacer una gira como solista”, y le consulté si había alguna otra alternativa, pero no era posible, así que le pedí que me agendara una gira donde tocara completamente solo, todo para conseguir la mayor cantidad de dinero para pagar mi deuda. Pero mientras lo hacía, descubrí que era algo muy especial, que me divertía y que era muy diferente a lo que hago normalmente. Desde ahí fue creciendo, así que aquí estamos.

¿Por qué un piano y no una guitarra, o una banda completa contigo?

Bueno, no toco guitarra, sé un poco, pero no toco muy bien. El piano fue mi primer instrumento, es donde mejor me puedo expresar y acompañar, así que el piano siempre ha estado ahí, me ayudó a encontrar mi voz. No busco impresionar a nadie con mis habilidades en ese instrumento, sino que trato de crear algo espontáneo, mostrar quién soy y por qué ciertas canciones son especiales para mí; tener un diálogo con la audiencia y que ellos digan hacia dónde irá el show. Cada presentación es única, cada uno es diferente en torno al camino que recorre el público.

¿Este diálogo con la audiencia siempre gira en torno a la música o también se tocan otros temas?

Sí, trato de hablar de la vida, mis padres, como empecé en la música. A veces hablo de las bandas en las que he estado, que la gente sepa cómo llegué a ser lo que soy ahora, que sepan de primera fuente quién soy como ser humano, mucho más allá del cantante de una banda.

Sé que también tocas algunos covers. ¿Cómo eliges el repertorio?

Oh, sí, toco un montón de covers. Hay canciones de Leonard Cohen, The Beatles, Bob Dylan, Radiohead, Kate Bush, XTC, Carole King, David Bowie, toco lo que siento que debería tocar en el momento. Quizás alguien del público dice algo y eso me lleva a una canción, o quizás es una cosa de algún sentimiento específico, quizás toco alguna de mis canciones y eso me recuerda a la canción de alguien más. A veces es porque cierta canción era la favorita de mi padre o porque mi madre solía escucharla en la radio, es algo que depende del momento y de cómo me siento. Esto no está diseñado para ser una tarde de mi música necesariamente, sino que más bien de la música que significa algo para mí, así como las canciones que me enorgullece haber compuesto.

Por supuesto, quiero que hablemos de Marillion. ¿Cómo va todo con la banda en estos momentos?

Todo está muy bien. Recién tuvimos tres shows acá en Inglaterra el fin de semana pasado, hicimos el Marillion Convention, ya hicimos otro en Holanda y Polonia, así que es el tercero. Iremos a Montreal en un par de semanas y luego haremos el último en Portugal. La banda está en tremenda forma, con un gran espíritu, estamos felices de seguir trabajando juntos. Estamos casi con tanta energía como cuando empezamos a tocar juntos. Estamos muy felices, sin duda.

Llegaste a la banda reemplazando a Fish, el antiguo vocalista, pero para las nuevas generaciones muchos te consideran a ti como el vocalista de la banda, sin saber mucho de la etapa previa. ¿Cómo fue la recepción en el principio?

Esperé que fuera más difícil de lo que terminó siendo. Sé que hay muchos fans que dijeron “esta no es la misma banda, ya no estoy interesado en seguirlos, no quiero escuchar su música ni verlos en concierto” y. por supuesto, nunca conocí a esos fanáticos (risas), pero de la gente que decidió seguir junto a nosotros, había muchos que querían saber cómo sería y terminaron amando la nueva música. En el primer tour la gente ya estaba consciente de lo que éramos, iban a ver algo nuevo y les gustó. Fue mucho más tranquilo de lo que pensé. Le agradezco mucho a los fans por haberme permitido llegar a sus corazones tan rápido en aquel momento.

¿Cómo empezaste a involucrarte en el proceso creativo? ¿La banda te lo pidió o fue algo que se fue dando naturalmente?

Sí, creo que ellos me escogieron porque ya sabían que yo era compositor y cantante, que podía escribir letras para las canciones. Tan pronto nos conocimos, me dieron la libertad y confianza de contribuir a la música, así que me involucré desde el principio expresando mis opiniones en el proceso creativo. Noventa y nueve por ciento del tiempo estaban felices de escuchar lo que tenía que decir sobre nuestro trabajo juntos.

Bien, Steve, lamentablemente se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fanáticos en Chile para terminar esta entrevista?

Hola a todos. Siempre es un enorme placer ir a Santiago, el público siempre es muy cariñoso, generoso y amable. Les agradezco por eso y espero verlos muy pronto, lo que de hecho pasará porque iré a tocar (risas).

Muchas gracias por tu tiempo. ¡Nos vemos!

Gracias a ustedes, ¡los veo en el show!

Entrevistas

Dean Fertita: “Si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás”

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Años de trayectoria con proyectos como Queens Of The Stone Age, The Raconteurs, The Dead Weather o Hello=Fire avalan a Dean Fertita como uno de los músicos más moldeables en el rock, llevando su sello de guitarra y teclado como un aporte distintivo en los artistas con quienes toca. Ahora, el músico se pone por primera vez en la primera plana con el lanzamiento de “Tropical Gothclub”, su primer larga duración como solista, el que no sólo recoge ideas de las tantas sesiones de grabación durante la pandemia, sino que también de los años de carretera tocando en distintos países y con distintos músicos.

La llegada de este trabajo fue suficiente para que nos conectáramos con Fertita a la distancia y conversáramos no sólo sobre la creación del LP, sino que también de la manera que tiene de trabajar, el estado actual del próximo disco de Queens Of The Stone Age, cómo surgieron los conceptos que aborda en esta obra, entre otros temas, que abordamos en esta entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Dean, ¿cómo estás?

Estoy muy bien. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, gracias por conversar con nosotros sobre tu nuevo álbum. ¿Dónde estás ahora? ¿Sigues viviendo en Nashville?

Sí. Estoy en mi casa en Nashville en estos momentos.

Partamos hablando de tu nuevo disco, “Tropical Gothclub”. Estuviste trabajando con Dave Feeny, que tiene un estudio en Detroit. ¿Viajaste hasta allá para grabar las canciones?

No, la verdad, con Dave tenemos una relación de trabajo desde hace mucho tiempo. Como antes yo vivía en Detroit, lo conozco hace años. Tenemos una relación al punto de que le mando tracks para que los mezcle, confiando plenamente en que sabe los resultados que busco; tenemos ese tipo de química. Para algunas canciones grabé unas partes allá, en unas tres o cuatro grabamos las baterías allá también. Con un amigo trabajamos en las ideas e hicimos unas versiones largas de las canciones, las que después acorté porque realmente no tenía claro qué hacer, sólo estaba materializando las ideas. El hecho de que todas ellas terminaran siendo un disco, básicamente fue un accidente (risas).

De hecho, te iba a preguntar sobre esto. Entiendo que comenzaste a trabajar en esta música durante la pandemia porque tenías mucho tiempo libre. Ya que dijiste que fue un accidente, ¿cómo llegaste a la idea de hacer un disco?

Nunca lo hice, de hecho. Es interesante. En 2020 estábamos preparándonos para grabar con Queens Of The Stone Age, y para todos fue como: “¿Cuánto irá a durar esta cuarentena? De seguro estaremos de regreso en dos semanas”. En 25 años que me la he pasado girando y grabando, nunca había estado más de seis meses seguidos en casa, así que de pronto me vi con mucho tiempo y entendiendo que las cosas seguirían así. En vez de prepararme para regresar a la vida habitual, preferí seguir siendo productivo y tener algo que hacer, para así al final del día sentir que hice algo más que sentarme a esperar que la situación mejorara, eso fue parte de mi rutina. Tengo un pequeño estudio, muy primitivo, así que llevé estas canciones que en mi mente no eran más que demos, y nunca pensé en una colección de canciones que se transformaran en un disco. Estas ideas estaban pensadas para terminar en algún otro lugar, pero no lo hicieron por distintas circunstancias. De pronto, fui persuadido por mis amigos de que debía publicar estas canciones como un álbum, así que confié en su opinión (risas).

¿Por qué decidiste que este álbum estuviera firmado con tu nombre y no con un pseudónimo o un nombre para el proyecto?

Interesantemente, luché porque el disco fuera sólo con el proyecto Tropical Gothclub, esa era la idea, no quería que se interpusiera mi nombre en el camino porque no era algo que había estado preparando ni nada, nunca estuvo concebido como un álbum solista. Así que, nuevamente, por consejo de mis amigos puse mi nombre en el disco y aquí estamos (risas).

También dijiste que el concepto de este disco es la “nostalgia futurista”. Quisiera que nos contaras un poco del significado de esto.

Lo de la nostalgia futurista es porque pasaron varias cosas cuando empecé a trabajar en este material. Eso me dio una oportunidad para realmente pensar en situaciones que han ocurrido en mi vida que me llevaron donde estoy ahora, así que me obsesioné con el hecho de volver a experimentar cosas que hice cuando era joven. Crecí durante los 70, así que volví a toda esa música que escuchaba, me reconecté con elementos que me unen a mis amigos y que se han transformado en parte importante de lo que soy actualmente. No sólo música, también hablo de arte, películas, y cosas por el estilo. Todo eso, sumado al período tan único que estábamos viviendo, el que espero que nunca más tengamos que vivir, me marcó de una forma en que en 20 años más, o incluso ahora mismo, miro profundamente porque realmente definió la forma de ver la vida, hizo que algunas cosas se aclararan, lo que es importante y todo eso. Estoy consciente de que actualmente vivo un período al que recordaré con nostalgia, por lo que de ahí viene el concepto, es lo que rodeaba mi cabeza cuando trabajaba en estas canciones.

¿Por qué nombraste el disco como “Tropical Gothclub”?

El nombre proviene de algo totalmente ajeno a la música. Durante la pandemia pasé mucho tiempo con mi hija, ya que girando por 25 años me perdí de muchas cosas importantes con ella. Cuando comenzamos a trabajar en el próximo disco de Queens Of The Stone Age, con mi familia nos mudamos a California, que era preciso para estar durante ese tiempo porque había una playa cerca. Cada vez que salíamos a la playa, no podíamos evitar pensar en el entorno tan maravilloso, vibrante y soleado, así como en el contraste con el período tan oscuro y depresivo que se vivía, por lo que empezamos a bromear de que íbamos al “Tropical Gothclub” (Club Gótico Tropical) cada vez que salíamos. Luego de que empezamos a bromear con eso, con mi hija comenzamos a tomar fotos en blanco y negro de las cosas más coloridas y alegres que encontráramos, y eso terminó mezclándose con la música en la que estaba trabajando.

Genial. Este es, sin duda, un disco muy ligado a lo que viviste estos años.

Sí, además de eso hay algo más filosófico, en el sentido de que estas ideas de lo bueno y malo, sombra y luz, el hecho de conocerse con lo bueno y lo malo, son cosas muy introspectivas que influyeron mucho. Todas estas cosas son más grandes y personales para mí, por lo que son importantes.

Cuando escucho las canciones de este disco, me recuerda a muchas de las cosas que has hecho en tu carrera, se sienten las influencias de artistas con los que has tocado. De hecho, siempre que he escrito sobre algo en donde estás involucrado, ya sea un show o un disco, te destaco como el “arma secreta” de la banda…

Oh, muchas gracias (risas).

Con todo esto, se me viene a la mente el saber cómo te enfocas a la hora de componer. ¿Tratas de aportar tu enfoque o más bien buscas cómo adaptarte a la situación?

Siempre habrá algo de adaptación cuando trabajas con otros músicos, pero pasa de una forma tan natural, que muchas veces no lo notas. Creo que la forma en que veo las cosas es de siempre aportar algo, si voy a aportar algo, tiene que ser diferente de lo que están haciendo los demás. Hay que sentirse muy cómodo con saber quién es uno y en qué puede ayudar. Cuando trabajaba en estas canciones, esa fue mi intención. Sabía que QOTSA haría otro disco y quería tener algo que aportar, mantenerme en forma como compositor y estar constantemente haciendo cosas, esperando que alguna pudiera funcionar y se complementara con otra idea. Por el otro lado, es interesante que todo esto probablemente no habría partido si no fuera por una conversación que tuve con Alison Mosshart, ya que después de terminar la gira con The Raconteurs, pensamos que quizás sería divertido trabajar en algunas ideas con The Dead Weather, debido a que estábamos todos en casa. Nos enviamos algunos demos, ella me envió una canción llamada “Street Level”, que era solamente su voz y una guitarra, y me encantó la idea y la reinterpreté para incluirla como lado B en el primer single de este disco. Eso me puso en la disposición para trabajar y ayudó mucho, sin duda.

Dean, hablemos de Queens Of The Stone Age, ya que justo un poco antes de que te llamara se confirmaron los primeros shows para 2023. ¿Eso significa un tour completo? ¿Un nuevo álbum? ¿Qué nos puedes contar del futuro de la banda?

Teóricamente, significa todo eso (risas). Vamos acercándonos a la etapa final del disco y estamos totalmente enfocados en terminarlo. De hecho, hace unos días regresé luego de estar durante unas semanas trabajando junto a la banda. Estoy muy entusiasmado, creo que el próximo año será muy divertido.

¿Están pensando en qué fecha de 2023 para publicar el disco?

Depende de cuando esté todo listo, pero idealmente ya estará disponible cuando giremos el próximo verano por distintos países.

Dean, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Antes de terminar, quisiera que nos contaras si estás enfocado en algún otro proyecto en estos momentos.

En estos momentos estoy enfocado en terminar el disco de QOTSA, es lo único en lo que pienso por ahora. He tenido conversaciones para hacer algunos shows un poco menos convencionales en torno al disco que lanzaré, pero tengo que pensarlo, ya que está ligado a la agenda que tendré con QOTSA, y espero tener más claridad de eso pronto.

Qué bueno que me dices esto, ya que en el comunicado de prensa del disco dices que no quieres hacer la promoción habitual para esta placa, sino que pensar en algo diferente.

Exacto. He pensado un poco en cómo me gustaría llevar estas canciones a un formato en vivo, lo que me da una oportunidad para llevar a cabo esas ideas y ver si es que funcionan y a la gente le gusta. Tengo también algunos proyectos con amigos, en los que no hemos podido trabajar por la falta de tiempo, pero eso no lo hace menos importantes. Definitivamente tengo que encontrar un espacio para dedicarme a ellos.

Muchas gracias por tu tiempo, espero verte el próximo año acá en Chile.

Esperemos que sí. Muchas gracias, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

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