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Simone Simons de Epica: “Tenemos muchas razones para celebrar”

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Gracias a su trabajo con Epica, Simone Simons se ha convertido en uno de los nombres femeninos más importantes del metal, incluso trascendiendo su popularidad más allá de la propia banda. Fuera del escenario, Simone es una mujer que disfruta del arte de distintas maneras, pero sobre todo creando, ya que es en la escritura donde verdaderamente encuentra su espacio para desarrollarse y narrar historias, experiencias e ideas. Es así como su trabajo componiendo las letras para su banda la ha hecho desarrollar una pasión por la escritura que escaló hasta otros niveles, llegando al punto de crear un exitoso blog donde es leída por miles de personas.

Siguiendo en lo musical, 2019 es el año en que Epica celebra una década desde “Design Your Universe”, uno de sus trabajos más elogiados, por lo que era prácticamente improbable que la banda no visitara uno de los terrenos donde más éxito han tenido desde su formación: Sudamérica. Bajo ese contexto, y en el marco de su próximo concierto el 30 de octubre en el Teatro Caupolicán, nos sentamos al teléfono con Simone para platicar una variedad de temas, tales como los cambios que sufrió la banda en el proceso de composición de “Design Your Universe”, sus planes a futuro con un eventual octavo álbum, su trabajo colaborativo con el EP basado en la serie “Shingeki No Kyojin”, su blog de moda y maquillaje, SMOONSTYLE, entre muchas otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Vienen en una inmensa gira que celebra los 10 años de “Design Your Universe” (2009), y entiendo que esto estaba pensado para ser sólo una serie reducida de conciertos. ¿Por qué optaron por regresar a Sudamérica tan pronto luego de su última visita?

Sí, supongo que tenemos muchas razones para celebrar, así que, ¿por qué no ir a Chile? (risas). Originalmente sólo haríamos un par de shows en Europa, para que fuera algo sencillo, pero hubo mucho interés de los promotores de Latinoamérica para que Epica llevara este show centrado en “Design Your Universe” para allá, así que creímos que sería buena idea visitarlos antes de entrar al estudio para componer nuestro octavo álbum. Tenemos muchas ofertas más para tocar, pero decidimos hacerlo un poco más exclusivo, y no agregar más conciertos de los que hemos anunciado hasta ahora.

En 2016 fue lanzado “The Holographic Principle”, y sé que mantienen la idea de grabar un nuevo álbum, ¿en qué etapa se encuentra eso?

Todavía está en la etapa inicial. Tuvimos un año sabático de giras, sólo hicimos algunos festivales, necesitábamos ese tiempo libre para estar con nuestra familia y amigos, trabajar en otros proyectos y recargar nuestras baterías para continuar con Epica. Sé que el resto de los chicos ha estado componiendo, sin la presión de tener un plazo. Empezaremos a enviarnos las ideas muy pronto y, luego de eso, comenzaremos a trabajar en el estudio, definir un plazo y terminar el trabajo que debería ser lanzado en algún punto de 2020.

Mirando diez años atrás, en el momento que grabaron “Design Your Universe”, ¿cuáles son tus recuerdos de ese período?

Fue un punto de inflexión en nuestra carrera, ya que Ad Sluijter (guitarrista) había dejado la banda, por lo que Isaac Delahaye entró en su reemplazo cuando las canciones ya estaban casi terminadas, pero igual había tiempo para recomponer algunas partes. Además de eso, en ese período, la abuela de Mark (Jansen, guitarrista) falleció, y eso nos llegó porque era una figura muy importante para nosotros, solíamos ensayar en su casa y siempre nos apoyó. Las letras de “Tides Of Time” las compuse en su honor y Mark hizo “Kingdom Of Heaven” también para ella, así que hubo muchos cambios para nosotros: gente con la que trabajábamos se marchó y gente que amábamos mucho falleció, así que pasamos por un montón de cosas.

Seguro fue un momento complicado, pero lograron sacar algo bueno de todo eso.

Claro. Recuerdo que me llamaron cuando estábamos en el estudio, era invierno y esa es la peor época para un vocalista (risas). Tenía que grabar las voces de “Tides Of Time” y estaba muy enferma, pero de alguna forma logré sonar bien, al punto de que es una de nuestras baladas favoritas de Epica. Casi todas las canciones de este disco son mis favoritas, así que estoy muy entusiasmada por tocarlas en vivo.

Pese a ser un álbum importante para ustedes, es reducido el espacio que se le ha dado en vivo durante los años posteriores.

Hemos tocado “Unleashed” y “Design Your Universe”, principalmente, porque son canciones que funcionan muy bien en vivo, pero hay muchas otras canciones en el álbum que estaremos tocando ahora, eso nos entusiasma mucho.

¿Planean tocar el álbum de manera completa o solo canciones seleccionadas?

La mayoría del álbum, ya que hay algunas canciones que no funcionan en vivo, por lo que mezclaremos el disco con algunos seleccionados de Epica, para que el setlist sea interesante tanto para nosotros como para la gente.

Me sorprendió mucho cuando publicaron ese EP con canciones de “Shingeki No Kyojin” (Attack On Titan). ¿Cómo surgió esa idea?

Nos invitaron a versionar algunas canciones de la serie, además de grabar algunas que no habían sido lanzadas aún. Personalmente, no sabía nada de la serie, tuve que investigar de qué se trataba y lo primero que pensé fue “vaya, Epica no es una banda de power metal, y esto suena muy diferente a nosotros”, sentía que había muchas otras bandas buenísimas que podían hacerlo mejor, pero nos invitaron a nosotros y, por supuesto, fue un gran honor. Todos investigamos la serie, pensé que tenía que cantar las canciones en japonés, pero no fue así afortunadamente (risas), tradujeron todas las letras al inglés para que las adaptáramos, por lo que cada vez se convertía más y más en Epica. Igualmente eran canciones de alguien más, teníamos que adaptarlas a lo nuestro y fue un desafío muy interesante, ya que a veces iban muy rápido, otras veces muy alto, particularmente las baladas, me encantan, son casi como canciones de Disney.

¿Eso lo hizo más especial para ti?

Absolutamente. Para mí, que crecí cantando canciones de las películas Disney, fue un proyecto muy especial y salió todo muy bien. Lamentablemente, no tocamos mucho estas canciones en vivo, a excepción de un show en Tokyo donde sí las interpretamos y estaba súper nerviosa por cómo podía salir. Fue un concierto el día antes o después de mi cumpleaños, no recuerdo exactamente, y prácticamente nos dedicamos de forma exclusiva a memorizar todas las canciones porque no las habíamos ensayado, pero el show fue genial. Luego de meses trabajando en las canciones todo salió bien, la respuesta fue muy amena.

¿Temías por el recibimiento de su propia versión de una obra ya existente?

Sí, porque, cuando haces covers o nuevas versiones de canciones que ya son parte de la cultura popular, debes tener mucho cuidado de que todo salga bien. Te expones a un público más peligroso, a los fans más acérrimos que te pueden asesinar y decir “¡oh no, lo hicieron horrible!”, pero los fans de “Shingeki No Kyojin” amaron nuestras versiones de las canciones, así que fue un cumplido para nosotros.

¿Es más difícil trabajar “a pedido” que componer desde una idea propia?

Es diferente, definitivamente. Pero, para mí, cuando compongo letras la idea es propia, o de Mark; tienes más libertad y eres tu propio jefe. En cambio, si te dan un tema o una historia que debes usar de guía, es más restringido, pero no sé si más difícil. La parte más difícil a la hora de hacer una canción es dilucidar de qué se va a tratar y, al entregarte eso, de hecho, lo están haciendo más fácil. Ahora, si lo escribes tú mismo, sobre todo para mí, que mis letras son más personales, termina siendo más fácil, ya que te estas expresando sobre tus emociones en vez de la historia que alguien más te dio. Luego de años componiendo, te vuelves más experimentado y todo termina siendo más fácil, sabes qué palabras suenan mejor, dónde poner énfasis en la pronunciación, todas esas cosas.

Todo esto suena a un gran desafío, sobre todo pensando en que las canciones terminaron con un complemento que, a la larga, las hace suyas.

Sin duda, hay pros y contras. De hecho, compuse una balada que estaba traducida del japonés al inglés, y las letras eran frases cortas, pero la canción tenia seis versos (risas), así que tuve que adaptar todo e ir escribiendo distintas frases para conectar todo. Sólo tenía una pequeña historia de lo que se trataba la canción, al final se sintió como una adaptación completa de lo que era.

El próximo año también se cumplen 10 años desde que comenzaste con SMOONSTYLE, tu blog sobre maquillaje, vestuario y una serie de cosas más. ¿Cómo canalizas una actividad tan diferente a la música para que siga vigente?

De hecho, no es tan diferente, porque es una gran parte de lo que se trata estar en una banda; siempre hago mi maquillaje, diseño ropa, trabajo con fotógrafos, hacemos videos. En todas esas actividades debo preocuparme de mi estilo y el de la banda, es algo importante para Epica, y siempre recibo muchas preguntas sobre qué maquillaje compro, cómo peino mi cabello, dónde compro mi ropa y todo eso. Hace mucho tiempo teníamos un diario de gira en nuestra página web, donde escribía de nuestras experiencias girando y lo disfrutaba mucho, por lo que pensé: “¿Por qué no hacer mi propia web y escribir sobre estos temas?”. Aquí está todo lo que me gusta, la fotografía siempre ha sido parte importante de mí, y al viajar por todo el mundo siempre encuentro lugares maravillosos para fotografiar, así que fue de esa forma en que todo evolucionó.

¿Cómo ha sido el recibimiento de los fans de Epica?

Básicamente, fue como una petición indirecta de los fans, además de que es una buena manera de mantenerme en contacto con ellos y compartir mis pasatiempos con el mundo. Se ha vuelto muy popular, soy la primera cantante de metal en tener un blog donde el énfasis principal es el maquillaje, pero a veces hablo de comida, viajes, de Epica incluso; a veces cuento historias, entre muchas otras cosas. Supongo que va bien, porque ya tiene más de diez millones de visitas. Antes escribía más en vez de postear fotos, pero sé que los tiempos cambian y hoy Instagram es más popular, así que pongo tiempo en postear más ahí que en el blog, aunque sigue siendo importante para mí. Es como un bebé que yo creé, así que no puedo abandonarlo y sigo poniendo tiempo y energías en que sea algo divertido.

Entre tantos planes que tienes en tu vida, ¿sigue la idea de un álbum solista?

Sí, pero no sé en qué momento, ya que mi gusto musical es muy diverso. Me gusta el metal, pero también la música clásica y el jazz. No creo que algún día me convierta en una cantante de pop o de jazz (risas). Mi esposo también es músico (Oliver Palotai, tecladista de Kamelot), tenemos la idea de hacer algo juntos, pero estamos muy ocupados con nuestras propias bandas y proyectos. A veces tienes que elegir entre todas las cosas que quieres hacer cuando tienes tiempo libre, para nosotros más que nada es una falta de tiempo, la idea sigue vigente y espero que se pueda concretar pronto (risas).

Simone, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fanáticos en Chile para terminar esta entrevista?

¡Por supuesto! Hola a todos en Chile, volveremos a estar con ustedes en octubre, nuevamente en el Teatro Caupolicán. Siempre nos alegra mucho ir a Chile y verlos a todos ustedes, así que les agradezco el apoyo. ¡Nos vemos en unos meses!

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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