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Sergio González y Francisco Sazo de Congreso: “Nosotros seguimos aprendiendo”

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El 24 de agosto pasado, Congreso celebró sus 50 años desde el momento exacto en que la agrupación por primera vez dio un concierto. Esa noche fue de aventuras, épocas, y celebración, pero el estallido social que inició en octubre pasado hizo cambiar los planes de la gira “Congreso en todas las esquinas” que tendría su culminación en una jornada de jazz y diálogos musicales únicos en el Teatro Municipal de Santiago el 8 de diciembre.

La decisión implicó suspender el show, moverlo de fecha para el próximo lunes 9 de marzo, y mantener el ánimo en alto, tocar en plazas, escenarios de distintas partes del país, y seguir en la lucha, como expresó la banda al darse a conocer ese cambio de planes. Ahora, con el show del 9 de marzo más cerca, pudimos conversar con los miembros fundadores de Congreso, Sergio “Tilo” González y Francisco “Pancho” Sazo, no sólo sobre las particularidades que tendrá ese espectáculo irrepetible, sino también sobre cómo han podido leer lo que pasa en las calles, cómo el arte puede observar y generar crónicas que permiten ver cómo pasan las cosas, y mucho más.

¿Cómo les vino esta suspensión forzosa por la situación nacional del que iba a ser el concierto de cierre de las celebraciones de los 50 años de Congreso?

Pancho Sazo: Si uno lo mira por el lado positivo es una especie de regalo del pueblo de Chile, en estos 50 años. Lógicamente estoy ironizando, pero ésta es una época en la que se abre mucha esperanza. En ese sentido, creo que el posponer un recital, seguir tocando en otros lados, no con la regularidad que queríamos, es parte de la causa.

Tilo González: Era un cierre de celebraciones con un show distinto al resto de los conciertos que usualmente damos, y obviamente no eran los momentos de celebrar, y por ello se movió la fecha, esta vez para el 9 de marzo, también complicado según se viene el panorama, pero ya no lo vamos a posponer más. Lo vamos a hacer.

También es un reencuentro de ustedes con el Municipal donde ya han tenido otras experiencias.

TG: Hemos tenido ahí cosas muy especiales, desde 1971 con el Festival de la Nueva Canción Chilena, al ser uno de los pocos grupos de provincia invitados a tocar, con Víctor Jara, los Inti, los Parra. Algo muy especial. Luego hicimos un ballet en el Municipal, difícil de replicar en otros escenarios. Después “Parra 100pre” en homenaje a Nicanor Parra en su centenario. Luego también con la Orquesta del Teatro un concierto sinfónico. Han sido conciertos muy especiales y este no está fuera de ese ámbito, con Quintessence que es una de las bandas que recoge a los mejores jazzistas del país, al menos en la capital, con la generosidad de ellos de haberse fijado en nuestro repertorio, de querer hacer algo juntos. Muchos de ellos además hacen arreglos para orquestas y más.

¿Ellos son los que se encargaron de eso para este show?

TG: Hay bastantes arreglos que los armó la gente de la banda (Quintessence), hay de mi hijo Simón y hay un par mío.

Todavía parece ser un hito tener un show netamente de música popular en el Teatro Municipal De Santiago, incluso teniendo nexos con el jazz, pero falta esa apertura de espacios geniales para la música.

TG: El Municipal es hermoso en su escenario, en lo técnico, y sí se está abriendo un poco a lo popular, de hecho Los Tres estarán pronto el 1 de marzo, pero también es un teatro bastante caro en cuanto a la cantidad de gente que trabaja ahí, entonces las entradas tampoco pueden ser tan accesibles. Esa es una cosa medio extraña, siendo un teatro de carácter municipal (risas), es muy raro, pensando que cualquier cosa municipal debiera ser de libre acceso, pero en Santiago un grupito de gente va a la ópera y los conciertos porque los boletos son muy caros, comparando con todos los teatros municipales de Chile.

Es parecido a cuando se habla de la educación, con las universidades estatales que se deben pagar igual que la privada. Y hablando de la educación, ¿qué es lo que este proceso que vive el país le está enseñando a maestros como ustedes, con su experiencia y su visión de la comunidad?

PS: Yo creo que, como dices, uno vive aprendiendo. Existe abundante literatura al respecto, pero los procesos sociales no son iguales. Hay cosas parecidas, pero en otras operan desde el cambio que, esperamos, tenga una salida política, y lo primero viene de la mano de un cambio de la Constitución, y desde ahí hay que armar todo de nuevo, si de eso se trata, pero como te digo, Tilo estará de acuerdo conmigo, nosotros estamos aprendiendo. No hay una especie de receta para decir que esto va para tal o cual lado, hay una inquietud, y un amasijo de posibilidades que se abren. Es más bien la esperanza, mirar la cosa de soslayo, pero ahora, a uno le gustaría que todo fuera lo más racional posible, pero los procesos sociales son extraños, uno está sumergido de repente, y debemos ver cómo nos organizamos. Eso sí, como viejito uno tiene las ganas de decir que esto tiene que tener una salida política.

¿Cómo han visto a la gente desde el escenario, en los conciertos que han hecho en estos meses? ¿Cómo ha cambiado el diálogo y el intercambio de energía?

PS: Cuando la cosa es transversal, permea en toda la sociedad, no es una cuestión limitada. Ahora, hay que soplar el agua a la superficie para ver la profundidad. Con eso hay que trabajar, lidiar, aprender, todos los verbos en tránsito, pero esa es la gracia. Qué se puede modificar, hay que estar más atentos. Nosotros seguimos mirando, observando cómo ocurre todo.

TG: A pesar de que nuestras canciones siempre apuntan a la cosa social, “viva la libertad en todas las esquinas”, por el derecho de los niños, siempre ha estado en la pluma de Pancho, entonces aunque nos pilla por sorpresa lo fecundo de este movimiento, era algo que nosotros imaginábamos y avizoramos que las cosas no estaban tan bien, porque como dice Pancho, se estaba metiendo la basura debajo de la alfombra, y eso significa que hoy salió todo a la luz. La violencia diaria de los noticieros es una respuesta a la violencia de muchos años, subterránea, que la gente sufrió, alzas de precios, salud, educación.

PS: Una discriminación activa que no corresponde a gente del siglo XXI.

Ustedes también han trabajado con gente de otras partes en la música, y pensando ese mestizaje en el sonido, ¿cómo ven la discriminación desde lo xenofóbico que igualmente se ha visto?

PS: Mira, la xenofobia y el racismo siempre son caldo de cultivo para las personas que quieren que el status quo siga igual. Se nos olvida a nosotros que durante la dictadura salió al extranjero más de un millón de chilenos. Exilio político, económico, entonces los migrantes también tienen derechos humanos, y a la gente se le olvida eso. Derecho a trabajar, a tener la familia reunida, derecho a ser bien tratados. No hay que cavar muy lejos. En el siglo XVII, el 30% de la gente que vivía en Santiago eran africanos. El tratamiento que hemos tenido con los pueblos originarios no es algo que nos pueda enorgullecer. Es cosa de ver cómo lo ha hecho el Estado y también nosotros mismos. Somos mestizos, pero no nos hemos visto reflejados en ese espejo obnubilado, como diría Elicura Chihuailaf. Son cosas que tenemos que aprender, como a respetarnos los unos a los otros, más allá del color de piel o el acento. Esto no pasa con los alemanes o los norteamericanos, sino que pasa con haitianos, peruanos. Como Congreso tenemos esa visión, la de que todos venimos de los mismos padres, entonces cuando alguien trata mal a un otro, es estar escupiendo a las propias raíces.

Cuando pensamos en la apuesta de llevar jazz al Municipal… 

PS: Te interrumpo porque mira, justo, el jazz es lo más mestizo de todo. Toda la música es mestiza de por sí, como la barroca, la clásica, entonces primero que todo es una visión de humanidad y esperanza. Cuando músicos de distintas partes del mundo se ponen de acuerdo en las partituras y las partes que van a tocar cada uno, y logran dialogar, es un regalo de educación cívica.

Es que el jazz involucra talento que, en el escenario, logra dialogar y generar algo distinto, entonces es una celebración de la posibilidad de compartir

TG: Se crea comunidad y generosidad. Los músicos de Quintessence son unos de los mejores solistas en la región, y al final existe en este lenguaje un espacio para la creación, por lo que cada concierto es distinto. Existe la base de la canción, es cierto, pero el resto depende mucho de cómo se arma la comunidad con los músicos que están en el escenario.

PS: Son temas elegidos para ser desbordados, claro que sin perder tampoco la música que tenemos. No es algo aleatorio.

TG: El concepto del jazz es la libertad y eso está, aunque nosotros a veces no tengamos el formato jazzístico, siempre tenemos la visión de que un músico puede hacer su comentario.

PS: Esa es la gracia de lo vivo, de tocar en vivo, a diferencia del disco que siempre es un fósil. Quedó así, no se puede mover. En vivo hay matices, descansado, emotivo, llorón, se van a salir otras formas de expresarse.

Esa debe ser la gracia de un concierto que no podrá ser repetido

PS: Tú lo has dicho.

TG: Ese es el riesgo, porque puede salir mal, o puede convertirse en una obra de arte.

¿Y el repertorio? Porque la celebración en el Caupolicán tuvo de todo, en cambio en el Municipal imagino que será diferente

TG: Claro, porque en ese show quisimos tener representadas todas las etapas de la historia de Congreso, en cambio para este show en el Municipal se dio algo muy especial porque el repertorio fue elegido a pulso de los arregladores.

PS: Ellos son los que armaron de entrada el menú (risas).

TG: Tienen una visión de nuestro repertorio más clásico, y están “Todas Las Esquinas”, “Nocturno”, curiosamente está “Maestranzas de Noche” que es el primer tema que grabamos, con un arreglo que es una maravilla.

PS: Está “Premio de Consuelo” también, del nuevo disco (“La Canción Que Te Debía”, 2017). Es un eclecticismo bien interesante.

TG: Pero la decisión venía desde cómo se metía mano desde la elección de los arreglos.

Lo que comentan se asemeja a la curatoría en exposiciones de artes estéticas, más retrospectivas, pero ahora ante los sonidos

TG: Y mirando desde afuera, desde otra agrupación musical. Hay de todo, porque está (Federico) Dannemann que tocó con Aznar, Carlitos Cortés que toca rock y fusión, son jazzistas pero también tiene una mirada amplísima de la música. El mismo director, Francisco Núñez, lidera orquestas sinfónicas y toca tango además. A nosotros nos ha dirigido conciertos sinfónicos, también. Gente muy joven y con mucha experiencia.

Pensando que el arte es colaboración, ¿Hay algún nexo que les falte por cumplir, alguna aventura más?

TG: Nunca he pensado en artistas específicos. Se han dado cosas. Hace 25 años grabamos con León Gieco. Hoy hicimos “Manifiesto” con Pedro Aznar, León, Nano Stern, Magdalena Matthey, y se da no de forma fortuita sino porque es la gente que tenía que estar en el momento que debía ser. No sé con quién quisiera cantar Pancho.

PS: Se nos han cumplido todos los deseos, pero siempre queda algo. A mi me encantaría grabar con una mujer o compañero anglo, con gente del África, del Asia, me gustaría tener una Naciones Unidas, pero yo me considero un tipo bendito porque he tocado y cantado con personas que en la vida me hubiera imaginado. Estuvimos con Peter Gabriel en Amnistía. Con los Inti Illimani, que nosotros los veíamos desde abajo del escenario, o los Quila, que ahora son compañeros de la música. Me gustaría que estuviera vivo Víctor Jara, que estaría viejito ya, pero conversar con él, con Violeta Parra, pero yo me considero alguien bendito en haber logrado los sueños en vida.

TG: Y de adolescente. Recuerda que nosotros éramos un grupo de provincia, entonces todos estos eran referentes, y de repente estar con ellos, algo que pasa desde hace tiempo es muy bonito, y con extranjeros también. Hemos grabado y tocado en vivo con Nino Mestre, Pedro Aznar, gente que además admiramos, porque ya no estamos en compañías de discos, pero antes te obligaban a cantar con gente de la misma compañía, para hacer negocio.

PS: Nos falta cantar trap, por ahí, no sé (risas).

Y viendo ahora, ustedes son un referente, un sueño de poder trabajar

PS: Y lo hacemos, porque hemos podido trabajar y cantar con montón de gente, desde discos de thrash en adelante, en aventuras muy gratas. Ese es el futuro, porque el arte es compartir, y no sólo es algo para mi.

Les agradecemos el tiempo y las palabras. Nos vemos el 9 de marzo en el Municipal

PS: Muchas gracias a ustedes.

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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