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Entrevistas

Sam Beam (Iron & Wine): “Simplemente quiero que todos nos divirtamos con la música”

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No muchos saben a quién nos referimos cuando nombramos a Sam Beam, y tampoco quién es Iron & Wine, y eso está bien porque el trabajo del norteamericano se ha movido en un perfil acotado, sigiloso, pero no por ello menos potente. Lo saben sus fans que lo han visto expresarse a través de furiosos y catárticos riffs o con suaves e introspectivas melodías, las que podremos ver el próximo 6 de septiembre en el Centro de Eventos Cerro Bellavista en un nuevo EstudioEstéreo.

Pudimos conversar con Sam sobre sus motivaciones y lo importante que es para él la música, en una entrevista que puedes leer a continuación:

Tu nuevo disco, “Archive Series Volume No. 1” salió este año, e incluye temas inéditos de la era de “”The Creek Drank The Cradle” (2002), donde recogiste canciones grabadas de forma casera. Entonces, me pregunto, ¿qué manera prefieres, la casera o en estudio con todos los elementos posibles a tu disposición?

Oh, es que yo estoy haciendo todo el tiempo discos, como forma de ganarme la vida, entonces entro al estudio como un pasatiempo incluso, viendo todas las herramientas que están disponibles. En casa tengo una guitarra acústica y un banjo, entonces eso es muy divertido. Me entretiene moverme al estudio donde tengo más opciones para crear lo que quiera; es fácil agarrar todo y perderse en medio de la masa y desenfocarte en lo que te interesa grabar. También pasa cuando trabajas con una banda, porque a veces no sabes lo que eres capaz de hacer.

¿Cuál es tu método para crear música?

Cada canción tiene un proceso diferente, pero en general lo primero que viene es la melodía y desde ahí descubro los arreglos musicales, y luego la letra. Hay gente que pone primero las líricas, pero yo hago pocas veces eso.

Y dado que se llama “Archive Series Volume No. 1”, ¿habrá más volúmenes de este proyecto?

Sí, habrá muchos. Hay canciones viejas de antes que comenzara a lanzar discos como medio de sustento, cuando hacía las cosas como un pasatiempo, que fue por un par de años, así que ahora esta serie busca lanzar todo ese material porque hay fans que piden cosas así y que piensan que sería entretenido. Es una idea generosa y es una forma de sacar registros en vivo o demos que la gente quisiera escuchar.

¿Cómo fue trabajar en el disco “Sing Into My Mouth” con Ben Bridwell de Band Of Horses?

Fue grandioso. Hemos sido amigos por un largo tiempo, crecimos en la misma ciudad, conocí a su hermano, hemos sido parte de las mismas cosas por un largo trecho, entonces llegó el momento de limpiar nuestras agendas, aprovechar eso y crear algo juntos. La idea de hacer un disco de covers fue divertida, porque eran canciones que nos gusta tocar. No tuvimos que escribir composiciones, sino que fijarnos en aquellas que nos gustaran.

¿Planes de gira con este material?

De hecho, estamos tocando esto ahora, en Nueva York, pero sería bonito llegar a Sudamérica también en algún momento.

Vienes solo a Sudamérica en septiembre, ¿cierto?

Sí. Ahí seré sólo yo. Sólo Sam (risas).

Sólo estarás tú y tu guitarra en el escenario.

O sea, ahora tenemos banda (con Ben Bridwell), pero sí iré solo a Sudamérica, en septiembre seré sólo yo y mi guitarra.

¿Cómo fue llevar a una amistad al terreno del trabajo?

Es mucho mejor que trabajar con gente que no te agrada. Fue muy divertido. Nuestra amistad nació de compartir discos, canciones, y con este trabajo llevamos esas canciones al estudio para grabarlas y disfrutarlas juntos. Mucha diversión. Es el disco que más he disfrutado hacer.

Hablando de preferencias, ¿qué prefieres, trabajar solo o con banda en tus canciones?

Me gusta todo. No puedo decidirme. Son métodos distintos con sus propios desafíos. Con banda tienes muchas opciones, y solo no debo preocuparme de que la gente me siga o no me entienda y puedo fluir con libertad.

Suenas como una persona que se inspira en lo que hace para hacer música, entonces también es necesario saber ¿qué cosas son las que te inspiran en el mundo para seguir escribiendo?

No estoy seguro. Lo que me gusta es que me divierte hacer canciones, y que todas vengan de diferentes lugares. La vida en general, las diferentes relaciones, las formas en las que reaccionaste, los ecos de tus acciones con la gente, lo que sea que te haga reaccionar emocionalmente puede ser material para una canción. En la música, me gustan diferentes tipos, entonces me gusta incorporar múltiples elementos para ir variando, para sorprender.

¿Qué cosas estás escuchando de la música ahora?

Estoy en una fase de escritura ahora, entonces no he podido escuchar mucha música. A veces sólo escucho lo que hago yo (risas).

La música que escuchas es la música que tú haces.

Claro, debe ser lo que pasa cuando esto se convierte en tu trabajo. Pero igual siempre escucho música experimental, jazz, nada muy específico.

En “Ghost On Ghost” (2013) te las arreglaste para controlar tus emociones, y eso fue una sorpresa placentera. ¿Es ese el estilo que te acomoda más en estos días?

Es que no importa el estilo porque simplemente quiero que yo, mi banda, mis amigos, el público, que todos nos divirtamos con la música. Usar segundas voces, la banda, todo tiene que ir en esa línea. También disfruto de los shows solo, incluso desde el armado del setlist, viendo lo que la gente quiere escuchar y lo que yo quiero tocar.

¿Qué intentas lograr con la audiencia en cada show?

A mí me interesa lograr una conexión con el público, y compartir algo genuino. No me gusta mirar al piso y sólo tocar y nada más. Me gusta conectar con la gente, porque es más interesante de esa forma, sin duda.

¿Y qué podemos esperar el 6 de septiembre?

Toco viejas y nuevas canciones, comparto parte de las historias tras ellas y estoy solo con mi guitarra, así que será una buena noche.

El lugar donde tocarás es bastante íntimo, así que sin duda lograrás esa conexión.

Suena grandioso. No puedo esperar por conocer a mi público en Santiago.

Muchas gracias, Sam. Nos vemos en septiembre.

Gracias a ustedes. Espero verlos a todos.

Por Manuel Toledo-Campos

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Entrevistas

Adam Carson de AFI: “Este nuevo disco fue una forma desafiante de hacer las cosas”

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Adam Carson AFI

Una de las constantes tendencias que se dio al inicio de la pandemia fue el hecho de que las bandas no sólo pausaran sus actividades en vivo, sino que también lo hicieran con sus lanzamientos discográficos. Bajo ese escenario se vio AFI ad portas de publicar “Bodies”, su álbum de estudio número 11, pactado originalmente para 2020. Tras la espera, con una pandemia que no se va nunca, la banda finalmente decidió publicar el disco el pasado 11 de junio de 2021, entregando así al mundo un álbum que se caracteriza por mantener la dinámica y energía que el conjunto a cargo de Davey Havok ha presentado durante su carrera.

El lanzamiento de este disco fue motivo suficiente para sentarnos a conversar con Adam Carson, baterista y único integrante desde 1991 en la banda junto a Havok, para analizar distintos puntos de la composición del álbum, su forma de tocar, la vida en pandemia como padre de familia, sus recuerdos del debut de la banda en Chile, y mucho más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola Adam, te habla Manuel desde Chile. ¿Cómo estás?

Hola, Manuel. Muy bien, ¿y tú?

Muy bien, gracias. Quisiera partir preguntando, por supuesto, cómo te has sentido durante este período de pandemia. ¿Qué tal todo por allá?

Estoy muy bien, soy un afortunado de poder decir eso. El último año y medio ha sido aterrador, obviamente, y mucha gente ha estado sufriendo alrededor del mundo, por lo que agradezco que mi familia y yo estemos sanos y salvos. Siento que ha sido un período en que sólo tenemos que sentarnos a esperar, ser responsables y no salir a ningún lado. Creo que hay algo de luz al final del túnel, pero sé también que hay muchos países que todavía lo están pasando mal, por lo que no es tiempo de celebrar todavía. Dentro de todo, me siento afortunado de que mi familia y yo estemos bien.

¿Cuál fue tu pasatiempo principal durante estos meses?

Bueno, la verdad es que no he hecho mucho (risas). Obviamente hay cosas que hacer, pero hemos estado ocupados, ya que mi esposa y yo tuvimos un bebé recientemente.

Oh, ¡felicitaciones!

¡Muchas gracias! Tenemos también una niña de cuatro años, por lo que no es como que tengamos tiempo libre para hacer cosas. Realmente envidio a la gente que ha tenido tiempo durante la cuarentena para escribir una novela o concentrarse en algún pasatiempo, hacer todo lo que siempre quisieron hacer. Digamos que hemos pasado la pandemia cambiando pañales y criando a una niña de cuatro años, en eso se va la vida (risas).

Recuerdo un live que hiciste por el Instagram de la banda, donde se escucha a tu hija de fondo tocando la batería, ¿has intentado enseñarle algo?

Oh, sí. Ella tiene una pequeña batería que le gusta andar golpeando por toda la casa, a veces toco con ella, pero no es que sepa tocar correctamente porque es muy pequeña aún. Bueno, no quiero decir que haya una forma correcta o incorrecta de tocar porque eso no existe en la música, pero a ella sólo le gusta hacer ruido (risas). Soy muy cuidadoso de no presionarla en nada, la música debe ser algo que descubras, disfrutes y aprecies, en el momento en que agregas algún tipo de estructura, enseñas que hay un aspecto teórico y todo eso, de cierta forma le quita un poco la diversión. De igual forma estoy muy feliz de que ella disfrute haciendo ruido por la casa.

Adam, pasemos a la música. “Bodies” fue publicado en junio de este año, pero entiendo que ya estaba totalmente listo antes de la pandemia.

Así es, lo teníamos completamente terminado y listo para ser publicado, pero decidimos esperar simplemente.

¿Cómo ejecutaron el proceso durante su composición?

Es curioso porque, independiente de que hicimos este álbum antes de la cuarentena y de que no pudiéramos reunirnos ni trabajar todos juntos en la misma habitación, de igual manera fue un trabajo por separado, lo que es diferente de otros discos de la banda. Normalmente, Davey (Havok, vocalista) y Jade (Puget, guitarrista) harían la composición inicial para crear la melodía y la estructura para presentarle a la banda, luego trabajaríamos juntos para pulir las canciones y luego tener algo concreto para ir al estudio y grabarlas, pero este álbum se construyó en torno a los demos.

Entiendo que cada uno grabó por separado, ¿no es así?

Jade y Davey estructuraron las canciones para luego grabarlas y enviárselas al resto. En este caso, aprendí las canciones por mi cuenta y pude tomar algunas decisiones creativas para aplicarlas en ellas, luego fui al estudio, reemplacé las baterías programadas del demo con mi interpretación y luego se las envié a Hunter (Burgan, bajista), quien atravesó el mismo proceso de analizarlas y crear sus partes en los demos. Luego los chicos nuevamente le aplicaron ajustes, y así fue construyéndose hasta que tuvimos este disco completo y listo para publicarse, sin necesariamente estar todos juntos. Fue una forma desafiante de hacer las cosas y, si me hicieras elegir, habría preferido estar todos juntos tocando, quizás, pero así es como se dio. La tecnología permitió lograr esto y de todas maneras obtuvimos un buen resultado.

¿Quién tomó la decisión de no publicar el disco? ¿Fue algo que discutieron con la banda o el sello se los pidió?

Fue una decisión de la banda. Siempre hemos publicado discos para luego salir de gira y tocar las canciones para la gente, es la forma en que nos gusta compartir nuestra música. Cuando sacamos un disco generalmente tocamos casi de inmediato, así compartimos el entusiasmo de la gente de haber escuchado el disco y a la siguiente semana ya estar escuchando esas canciones interpretadas en vivo. Eso es algo importante para nosotros, somos una banda que ama tocar en vivo.

El timing fue casi perfecto porque ni siquiera se alcanzó a anunciar, así que no fue necesario postergarlo de alguna manera.

De haber seguido el plan original, el disco habría salido justo en el punto álgido de la pandemia, cuando de pronto nos dimos cuenta de que muchas cosas no eran tan importantes como parecían. Creo que el mundo colectivamente comenzó a darse cuenta de lo que es verdaderamente importante, todo era acerca de sobrevivir y protegernos unos a otros, comprender qué es lo que está correcto durante esta pandemia. Es raro cuando el mundo piensa de manera colectiva, y eso se dio de alguna manera, por lo que no se sentía correcto publicarlo. Además que sabíamos que no podríamos hacer shows, así que era mejor esperar. Quisimos esperar que pasara la pandemia, pero no hacía más que empeorar, así que pensamos que era mejor publicarlo y así fue como salió.

Algo que me llamó mucho la atención de este disco es que publicaron casi todas las canciones como adelantos. ¿Por qué lo lanzaron de esa forma?

Actualmente, cada vez que sale un disco, hay como unos días de entusiasmo en internet, pero luego eso se termina de repente. Es interesante porque nadie recibe su música desde el mismo lugar, no existe un solo lugar donde la gente pueda acceder a ella, sino que lo hacen a través de distintas plataformas. Ya no se escucha la radio de la misma manera, en la televisión no se pasan videoclips, es un mundo distinto, por lo que la vida de un nuevo disco es muy corta. La gente sigue escuchándolo, obviamente, pero es un período muy breve en el que es “lo nuevo” de lo que la gente está hablando.

Bajo ese contexto tiene sentido, se le da una longevidad más consistente.

Disfrutamos construir este disco y anticiparlo con canciones cada cierto tiempo, eso permitió que ese entusiasmo e interés en la banda se mantuviera, y puedes mantener la atención de la gente por más tiempo. Admito que con este disco nos pasamos un poco: cuando salió, finalmente había sólo unas dos canciones que la gente no conocía (risas), pero creo que lo más importante es que fueron varios meses en que los fans de AFI tuvieron ese sentimiento de comunidad, donde pudieron comentar y conversar sobre cada canción puntualmente. Eso es lo bueno de tener una comunidad de fanáticos tan leal, después de todo este tiempo siguen apoyándonos.

Ya que mencionaste a los fans, hablemos del show que tuvieron en Lollapalooza Chile 2014. Lo recuerdo como una de las presentaciones más increíbles en la historia del festival, la gente en las primeras filas lloraba y cantaba a todo pulmón, había una energía tremenda en el ambiente de verlos tocar por primera vez en Chile. ¿Qué recuerdas de ese día en particular? 

Recuerdo ese show muy bien; estaba muy entusiasmado de estar en Sudamérica, en Chile sobre todo, que fue nuestro primer show. Era la primera vez que llegábamos a esa parte del continente, y era un lugar que quería visitar toda mi vida, estaba maravillado, pero a la vez muy nervioso al no saber qué esperar, ya que era un festival muy grande. Eran unas 10 mil o 15 mil personas esperándonos y no sabía si eran asistentes curiosos o realmente fanáticos nuestros, pero cuando empezamos a tocar el publico se volvió loco. Tengo videos de ese show que miro de vez en cuando, era nuestro primer show en Sudamérica y fue muy genial. Fue como un alivio inmediato saber que eran realmente nuestros fans y no gente que solamente vería un par de canciones para luego irse a otro escenario (risas). Se dio una química increíble, respondieron excelente tanto al material antiguo como al nuevo, fue fantástico.

Adam, se nos acaba el tiempo, pero quiero volver a “Bodies” antes de terminar. Dijiste que aplicaste tus propias decisiones creativas a los demos que te enviaron los chicos, y me hace sentido porque siento que la batería es el núcleo central del disco. Te escuchas muy concentrado dándole una atmósfera general a todas las canciones, casi como si fuera el corazón de todo el relato. ¿Cuál fue el enfoque que le diste a las partes de tu instrumento en el disco?

Oh, muchas gracias. Es una pregunta difícil, no lo tengo bien claro porque fueron decisiones que tomé de manera individual por cada canción. Había decisiones que estaban tomadas antes de que recibiera las canciones. Hay algunas donde la batería era bien desafiante, así que no quise modificarlo mucho por mi cuenta; como baterista intento no llevarme la atención, sino que ser un sustento de la canción. Jade, por su parte, tenía un demo donde había un solo de batería de tres minutos y medio, era “Twisted Tongues” si no me equivoco. Yo estaba en plan de “de acuerdo, lo haré” (risas), pero sí siento que este disco es un trabajo bien orientado en la batería, estoy agradecido de que la gente lo note. Tienes razón en ese sentido, de que la batería es la columna vertebral en varias canciones, así que estoy feliz de haber hecho mi parte.

Muchas gracias por tu tiempo, Adam, y felicitaciones por el disco y por tu familia. Espero verte con la banda tocando nuevamente en Chile el día que pase toda esta pandemia. Cuídate mucho.

Estaré encantado de volver a Chile, espero poder verlos nuevamente. Ojalá se pueda concretar en un futuro. ¡Nos vemos!

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