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Randy Bradbury de Pennywise: “Como ciudadanos tenemos que alzarnos por nuestros derechos”

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Las vueltas de la vida hicieron que Pennywise enfrentara su tragedia más potente en 1996, cuando Jason Thirsk, bajista del conjunto, se suicidara dejando a la banda en una posición de incertidumbre, donde incluso se evaluó el fin de esta. Afortunadamente, Randy Bradbury, quien había ingresado en reemplazo del bajista, pudo seguir adelante, transformándose en un miembro más de la familia y participando activamente del conjunto hasta la actualidad.

Ahora, Pennywise acompañará a The Offspring en una nueva visita a Santiago, este sábado 14 en Movistar Arena, por lo que Randy se sentó al teléfono para conversar con nosotros sobre una serie de temas relacionados a su carrera en la banda, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Randy, primero quiero hablar sobre el show en Santiago. La favorable recepción hizo que el show se cambie a un recinto de mayor capacidad, ¿cómo se siente en la banda previo a un nuevo concierto en Chile?

¡Qué bueno oír eso! Nos encanta Chile, Sudamérica en realidad nos gusta mucho. La energía es enorme, es uno de los lugares que más nos gusta ir.

Full Circle” (1997) fue el primer disco en que eras parte de la banda. ¿Qué recuerdas de ese periodo en particular?

Bueno, de hecho, ese fue el segundo álbum que toqué, muy pocos lo saben. Estuve también en “Unknown Road” de 1993, pero sólo como músico de sesión reemplazando a Jason. Estuve un año y volví en 1995 en plena gira del álbum “About Time”. Fue algo muy especial porque bandas como The Offspring y Green Day pasaban por distintos momentos y la escena del punk rock cambiaba mucho. Mirando hacia atrás, es increíble pensar en lo mucho que todo ha crecido, estoy muy feliz de estar en Pennywise.

Sé que te gusta mirar el show de otras bandas cuando tocas en festivales, ¿planeas hacer lo mismo cuando estés acá?

¿Qué bandas estarán con The Offspring y nosotros?

Una es de Chile, llamada BBS Paranoicos, y la otra es Eterna Inocencia de Argentina.

Oh, me encantan los nombres (risas). Me imagino que deben ser bandas muy interesantes, me intriga saber cómo suenan

Sí, ambas tocan un muy buen punk rock.

Genial. Todo depende de nuestro itinerario. Si nos quedamos lejos del lugar del show quizás no alcance, pero, de lo contrario, definitivamente iré a ver estos shows. Me gusta poder conocer bandas nuevas, sobre todo si tocamos con ellas.

Quisiera preguntarte sobre “Never Gonna Die” (2018), el último álbum de la banda. ¿El nombre es un estamento o sólo algo que suena cool?

No lo sé, puede ser un estamento, o quizás es algo que sonaba apropiado al momento de buscar el nombre del disco. Cada vez que estamos en pleno ciclo de un álbum, son muchas cosas las que van apareciendo, y el nombre a veces llega al final. No sé si acá fue el caso, no lo recuerdo, ni tampoco si fue a propósito, pero se adapta muy bien al hecho de que llevamos 30 años y seguimos adelante.

Entiendo que el plan original cuando llegaste es que ibas a pasar a la guitarra rítmica una vez que Jason regresara. ¿Es cierto eso?

Bueno, Jason era un miembro importante de la banda, él es responsable de alcanzar la forma en que suena Pennywise, él es una de las razones por las que la banda comenzó. Todos sus problemas de alcoholismo afectaron mucho. Cuando me involucré fue para ayudar a los chicos; comenzamos a tocar juntos, pero no lo echarían, queríamos que volviera y la idea era que yo me pasara a la guitarra rítmica mientras él regresaba al bajo. No estuve involucrado en esas conversaciones, pero sé que ese era el plan, el que lamentablemente no salió como queríamos.

¿Qué puedes contarnos del show en Santiago? He revisado los últimos setlist y han tocado en especial el álbum “Straight Ahead” (1999) por su 20° aniversario el año pasado. ¿Veremos algo similar o más bien una selección de la banda?

No lo sé, no hemos discutido eso aún. Tenemos muchas opciones, sobre todo de este disco, probablemente varias de las 17 canciones de ese disco las toquemos, siempre son muy bien recibidas. Si te soy sincero, creo que será una mezcla de lo mejor de nuestro material.

Cuéntame sobre tu tatuaje de Jack Bruce.

Oh, ¿cómo sabes de eso? (risas).

Está en tu página de Wikipedia.

(Risas) Sí, me hice un tatuaje, es una historia divertida. Tenía 17 años, vivía cerca de muchos estudios de tatuajes y como éramos punks con mis amigos, estábamos en la música y un día vi un disco con Jack Bruce en la portada, y eso fue. Estaba ebrio, debo reconocerlo (risas).

Pero supongo que te gusta Cream…

Bueno, me gusta Cream, pero estaba más interesado en la forma en que tocaba bajo, los solos y todo eso. Estaba muy metido en el punk rock en esos años, fue en 1981 más o menos. Sólo lo hice porque se veía genial. Él era un bajista tan increíblemente bueno, que me enorgullecía tenerlo, pero ahora ya lo cubrí.

Bueno, todos hacemos esas cosas. Yo tengo un tatuaje de “Los Simpson”. Son cosas que hacemos cuando somos chicos.

¿En serio? (risas). Me gusta saber que no soy el único.

En tu Instagram publicas muchas fotos en familia y con tus hijos. ¿Qué piensan ellos de que su padre sea un músico de punk rock que toca por todo el mundo?

Les gusta, pero saben muy poco al respecto. Para ellos soy sólo “papá”. Obviamente ellos son lo más importante de mi vida, y cuando pienso en mi carrera como músico, eso cambia cuando tienes hijos, reestructura lo que piensas de la vida.

¿Se han interesado por la música? ¿O por los deportes, quizás?

Los mantenemos muy ocupados, practican deportes y hacen otras cosas. Tengo dos hijos mayores, de 20 y 18, y dos menores. Mi hija de 10 años toca piano y practica en el colegio, pero no los presiono a nada, quiero que hagan las cosas que aman. Si no les gusta lo que hacen, pueden dejar de hacerlo. Creo que lo mejor es que ellos elijan lo que desean hacer con su vida, yo los apoyaré siempre.

No sé si estas enterado de lo que está pasando en Chile, hemos tenido problemas desde octubre con protestas contra el gobierno y una represión policial muy dura. El punk rock siempre traerá esas ganas de seguir luchando para la gente, ¿qué le dirías a aquellos chilenos que se inspiran con la música de Pennywise?

Sí, he visto algunas noticias y es lamentable. El mundo está muy loco actualmente, apesta, hay problemas en casi todos los países, es difícil afrontar todo lo que pasa. Hay una élite que está abusando y haciendo lo que es mejor sólo para ellos, por lo que nosotros como ciudadanos tenemos que progresar juntos y alzarnos por nuestros derechos. Tenemos que ser inteligentes y muy cuidadosos con esta gente, no podemos perder nuestra actitud positiva de hacer nuestras vidas mejores, no importa lo que pase. No sé si eso sea algo que motiva el punk o el instinto de sobrevivencia, pero al menos es como yo lo veo al enfrentarme a todo el panorama.

Bueno, Randy, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias por conversar con nosotros.

Muchas gracias a ti, Manuel, fue muy grato conversar contigo. ¡Cuídense mucho y los veré a todos el sábado!

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Andrés

    10-Mar-2020 en 10:41 am

    “No podemos perder nuestra actitud positiva de hacer nuestras vidas mejores, no importa lo que pase.” Gracias por la entrevista!

Responder

Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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